Millennium Actress ( 千年 女優 )

Es una película dramática de animación japonesa de 2001 dirigida por Satoshi Kon siendo su segunda película, Kon también escribió el guion junto a Sadayuki Murai, basadose libremente en la vida de la actriz japonesa Setsuko Hara, una famosa estrella de cine japonesa entre las décadas de 1940 y 1960, que se retiró repentinamente de la vida pública. Satoshi Kon ha reconocido esta influencia en una entrevista, también citando a la también actriz  Hideko Takamine como fuente de inspiración , pero insistiendo en que Chiyoko es principalmente un personaje humano universal. Fue la primera película de Satoshi Kon en tener una banda sonora compuesta por Susumu Hirasawa , de quien Kon era fanático desde hacia mucho tiempo y que a partir de entonces se convirtió en el compositor habitual de sus películas.

Satoshi Kon

Hace treinta años, Chiyoko Fujiwara fue la estrella más importante del cine japonés, pero, de repente, desapareció. Uno de sus mayores admiradores, el realizador de documentales Genya Tachibana, viaja hasta el apartado refugio de montaña en el que vive para entrevistarla. Una vez allí, entrega a su ídolo de juventud una vieja llave que encontró entre los restos de su antiguo estudio. Como si la llave hubiera abierto las puertas de su memoria, Chiyoko comienza a recordar la historia de su vida. De esta forma, viaja desde el remoto pasado hasta el distante futuro a través de mil años, traspasando la frontera que separa la realidad de las películas que han formado gran parte de su vida...

La película indica que la vida de Chiyoko estuvo vinculada a terremotos: nació durante el Gran Terremoto de Kanto, por lo que su fecha de nacimiento es el 1 de septiembre de 1923; Renunció a su carrera después de otro gran terremoto, quizás basado en el terremoto de Niigata (ocurrido el 16 de junio de 1964), y Chiyoko muere durante otro terremoto: el de Honshu occidental (ocurrido el 6 de octubre de 2000).

Tras el tremendo éxito de la primera película de Satoshi Kon, Perfect Blue, el productor Taruo Maki le pidió rodar otra película similar. La idea no era repetir el esquema del thriller, sino crear algo que tuviera el mismo espíritu y la misma ambigüedad. Maki quería otra fusión de realidad y fantasía, que diera como resultado una historia que no tuviera una sola lectura, que dependiera de cada uno y a la que se pudiera volver siempre para encontrar detalles nuevos. En otras palabras, encargaba a Kon un espectáculo audiovisual sorprendente, pero que mantuviera su fuerza intacta tras el primer visionado, tras el paso del tiempo. Primero se consideró adaptar la novela de Yasutaka Tsutsui “Paprika”, sin embargo, estos planes se estancaron cuando la compañía de distribución de Perfect Blu, Rex Entertainment, se declaró en quiebra, algo incluiría en esta película (Kon finalmente rodaría “Paprika” en 2006 siendo su última película estrenada a causa de su prematura muerte). Entonces Satoshi Kon y el guionista Sadayuki Murai comenzaron a buscar ideas para la nueva película. Tenían claro que querían abarcar un gran espacio de tiempo y plasmar períodos relevantes de la historia de Japón, así que se les ocurrió (al parecer fue idea de Murai) que la protagonista fuera actriz, así aprovechar para incluir homenajes al cine japones y también poder crear una conexión perfecta entre la ilusión y la realidad. De esta forma, a través de su vida y su trabajo, sus películas, podían abarcar diferentes realidades, no tenían límites y podían llevar a la protagonista a donde quisieran. Había que buscar la motivación principal de esta mujer, lo que la arrastra a su extraordinario viaje, y crear un misterio que mantuviera en vilo al público, pendiente de la resolución.

La vida de Chiyoko a través de la historia del cine permite que el escenario, los personajes y el estilo visual de la película cambien de repente. Algunas de las escenas recuerdan los grabados japoneses de Ukiyo-e, mientras que otras evocan películas de Akira Kurosawa (particularmente Trono de Sangre). Satoshi Kon ha reconocido la influencia de la película de Kurosawa , pero comento que en su mayor parte no hay referencias específicas en sus escenas . En su lugar, recurrió a una vaga impresión general de la historia del cine japonés y el arte visual para sus diferentes estilos e historias; también presenta varias referencias a los terribles sucesos del Japón de la Segunda guerra mundial y la posguerra; y la historia de sus personajes en las películas, desde la Edad Media japonesa hasta el futuro de los viajes interestelares dándole una estética nostálgica. No se ve como una secuencia de eventos que se desarrollan en tiempo real, sino más bien desde un punto de vista retrospectivo y alegre. Pero toda le vida de Chiyoko se basan en la búsqueda y en la pérdida del amor, y en sus reencuentros ocasionales. Kon insiste en que las películas históricas no era un tema con el que estaba muy familiarizado antes de rodar la película. Sin embargo, estudió los escenarios y el vestuario cuidadosamente, y aprendió mucho en la realización de la película, como la historia del kimono.

En la primavera de 1998 ya tenían listo un primer borrador del guion, pero la película no estaría acabada hasta 2001 ya que esta es la última película animada importante creada exclusivamente a mano, ya que la mayoría de las películas animadas en ese momento comenzaron a usar tinta y pintura digital o animación por ordenador. Se utilizan varios efectos fotográficos del envejecimiento para hacer que las películas de Chiyoko parezcan viejas: se filmaron por separado y pasaron por diferentes procesos de laboratorio y telecine.

Al crear Millennium Actress , Kon creó una combinación única tanto de sus recuerdos como de su imaginación, esforzándose por hacer de Millennium Actress y Perfect Blue dos interpretaciones diferentes del mismo concepto; Una historia contada desde dos perspectivas diferentes. Su intención era que las dos películas fueran hermanas. Algunos han especulado que ambas películas se relacionan con el concepto feminista de la mirada masculina. En Perfect Blue, la mirada se representa como negativa, patriarcal, pero en Millennium Actress se proyecta con una luz más positiva, lo que le permite a Chiyoko mantener su identidad intacta.  Las grullas aparecen con frecuencia a lo largo de la película, normalmente en el mismo plano que Chiyoko. En la cultura japonesa, las grullas representan longevidad y fidelidad, y se dice que viven mil años.

La película recibió el Gran Premio en el Festival de Artes de Medios de la Agencia de Asuntos Culturales de Japón. Además, ganó los premios de Mejor Película de Animación y Fantasía Ground-Breaker en el Fantasia Film Festival 2001. Fue galardonado con el Premio al mejor Largometraje en la 8va Animación Kobe. La película se llevó a casa el prestigioso Premio Ofuji Noburo en los Mainichi Film Awards 2002, y fue honrada con el Premio Orient Express en el Festival de Cine de Sitges de 2001. La película fue nominada a cuatro Premios Annie en 2004, que incluyen Dirección y escritura sobresalientes. También fue promovida como candidata al Oscar a la Mejor Película Animada, pero no fue nominado. En febrero de 2004, Cinefantastique coloco a la película en su lista de las "10 animaciones esenciales", afirmando que "representa una nueva madurez para el anime, una en la que los logros técnicos finalmente se ponen al servicio de una historia emocionalmente rica ".

Un día en Nueva York (On the Town)

Es una comedia musical en Technicolor de 1949 dirigida por Gene Kelly, quien también realizo las coreografias y Stanley Donen en su debut como director y está protagonizada por Kelly, Frank Sinatra, Jules Munshin, Betty Garrett y Ann Miller. Con música de Leonard Bernstein y Roger Edens y un guion de Betty Comden y Adolph Green. Es una adaptación del musical de Broadway del mismo nombre producido en 1944 (que en sí mismo es una adaptación del ballet Jerome Robbins titulado “Fancy Free” también se produjo en 1944), Gene Kelly sostuvo que esta es una de sus películas favoritas de todas las que participo. En una entrevista de la BBC, dijo: "Hicimos mejores films que este, pero esta fue la cúspide de nuestro talento. Eso fue todo".

Gene Kelly y Stanley Donen

Tres marineros, Gabey, Chip y Ozzie, consiguen un permiso de 24 horas en Nueva York y ¡la Gran Manzana nunca será la misma! Gabey se enamora perdidamente de "Miss Turnstiles" (piensa que es una debutante de la alta sociedad cuando realmente es una bailarina de Coney Island); Chip el más inocente de los tres es secuestrado (literalmente) por una conductora de taxi; y Ozzie se convierte en el objeto de interés de una antropóloga que cree que es el ejemplo perfecto de un "hombre prehistórico". "Excelente comedia musical, perfectas coreografías y una banda sonora de ensueño para un atractivo e inolvidable film".

En un principio Louis B. Mayer era reacio a comprar los derechos cinematográficos del exitoso musical de Broadway. Mayer había criticado la producción teatral como "obscena" debido a una escena en la que una mujer negra bailaba con un hombre blanco. La película varia bastante de la versión teatral se hicieron muchos cambios en el guion y la partitura de la versión original, la mayor parte de la partitura de Bernstein fue abandonada en favor de nuevas canciones de Edens, a quien no le gustaba la mayoría de la música de Bernstein por ser demasiado compleja y demasiado operística para el público cinematográfico. La película presenta solo cuatro canciones del musical original, y seis que fueron creadas especialmente para la pantalla. Esto hizo que Bernstein boicoteara la película, de todas formas la canción más conocida de la película sigue siendo suya “New York New York” , aunque la letra fue censurada por el Código Hayes La letra original era "Nueva York Nueva York ¡Es una ciudad infernal! Y tuvieron que cambiarlo a "¡Nueva York, Nueva York! ¡Es una ciudad maravillosa!". 

La película tenía un presupuesto de $ 1.5 millones, uno de los más bajos de la Metro para un musical Technicolor, con un calendario de rodaje planificado de solo 46 días. La película fue la primera vez que un estudio importante permitió rodar en exteriores. Rodar en Nueva York fue idea de Kelly y Donen, ya que el jefe de estudio Louis B. Mayer se negó a permitir, señalando los excelentes escenarios de Nueva York que tenía el estudio. Kelly y Donen se mantuvieron firmes, y finalmente Mayer cedió y permitió nueve días de rodaje en Nueva York y se usaron localizaciones como el Museo Americano de Historia Natural, el puente de Brooklyn y el Rockefeller Center. Los dos problemas principales que enfrentó en Nueva York fueron el clima (llovió durante la mayor parte del rodaje) y la popularidad de Frank Sinatra. Gene Kelly explicó que la película fue filmada en el apogeo de Sinatra y que Frank era reconocido instantáneamente por la gente en las calles. Para evitar multitudes, el elenco insistió en tomar taxis en lugar de limusinas para el transporte y que la cámara se ocultara dentro de una camioneta. Durante el final del número musical "Nueva York, Nueva York", que tiene lugar en la plaza del Rockefeller Plaza frente a la estatua de Prometeo, se puede ver en la parte superior de la última toma , las cabezas de cientos de curiosos mirando las tres estrellas.

Frank Sinatra no quería hacer la película, pero el productor Arthur Freed lo convenció con la promesa de que podría cantar la balada de Leonard Bernstein "Lonely Town" de la versión teatral, pero después de pregrabar la canción, los directores Gene Kelly y Stanley Donen decidieron no filmarla algo que disgusto mucho a Sinatra.Por primera vez en una película, cuatro bailarines de ballet entrenados sustituyeron a cuatro de los protagonistas: Frank Sinatra, Jules Munshin , Betty Garrett y Ann Miller (estos últimos tenían experiencia en Claqué, pero no ballet) en una secuencia de baile.  Frank Sinatra, que era muy delgado, tuvo que usar almohadillas protésicas para llenar la parte de sus caderas de su uniforme. En una entrevista de TCM, Ann Miller dijo que Sinatra era extremadamente sensible con respecto a su relleno y no le gustaban las películas en las que se tenia que ver su mitad inferior. Jules Munshin tenía pánico a las alturas. Mientras actuaba en el pequeño techo durante la canción "Nueva York, Nueva York", la única forma en que podía interpretar el número era mientras un extremo de una cuerda estaba asegurado alrededor de su cintura debajo de su traje de marinero. El otro extremo de la cuerda estaba asegurado, fuera de cámara y aun así, en la escena se nota que Munshin casi siempre toca una pared o un accesorio u otro actor.

La película fue un éxito inmediato y ganó el Oscar a la mejor música y fue nominada a un premio Globo de Oro a la mejor fotografía y al BAFTA a mejor película. Los guionistas Comden y Green ganaron el premio del Writers Guild of America al mejor musical estadounidense.; En 1955 se estrenó la película “Siempre hace buen tiempo” que estaba concebida originalmente como una secuela de “Un día en Nueva York”  y donde los tres marineros hicieron una promesa: encontrarse en un lugar concreto diez años después de la guerra.  Gene Kelly quería rodarla con sus coprotagonistas Frank Sinatra y Jules Munshin pero el nuevo jefe de producción de la MGM, no quería contratar a Sinatra ni a Munshin; el primero debido a su difícil reputación laboral, el segundo porque ya no era popular entre el público. Finalmente, Kelly eligió a los bailarines Dan Dailey, que tenía contrato con MGM, y Michael Kidd, que tenían más experiencia como coreógrafo que como actor. Kelly le pidió a su viejo amigo y colaborador Stanley Donen que codirigiera con él. Pero Donen no quería volver a colaborar con Kelly, pero aceptó de mala gana. Kelly y Donen se enfrentaron por motivos creativos durante el rodaje y nunca volvieron a trabajar juntos, y su amistad finalizo.  En 2006, la película ocupó el puesto número 19 en la lista de los mejores musicales del American Film Institute. En 2018, la Biblioteca del Congreso Estadounidense seleccionó la película para su conservación en el Registro Nacional de Películas como "cultural, histórica o estéticamente significativa".