Carretera perdida ( Lost Highway)

Es una película neo-noir de culto de 1997 dirigida por David Lynch y coescrita por Lynch y Barry Gifford . Está protagonizada por Bill Pullman, Patricia Arquette, Balthazar Getty y Robert Blake. Lost Highway fue financiada por la productora francesa Ciby 2000. Lynch ha descrito la película como una “fuga disociativa” (un trastorno disociativo  y psiquiátrico raro caracterizado por una amnesia reversible que afecta a la identidad personal, incluidos los recuerdos , la personalidad y otras características de identificación de la individualidad) en lugar de una historia convencionalmente lógica, mientras que la estructura narrativa surrealista de la película se ha comparado con una tira de Möbius . La banda sonora de la película presenta una partitura original de Angelo Badalamenti(compositor habitual de las películas de Lynch)  y Barry Adamson, así como contribuciones de artistas como David Bowie , Marilyn Manson , Rammstein , Nine Inch Nails y The Smashing Pumpkins, la canción "Song to the Siren" de This Mortal Coil también aparece en la película per no se incluyó en la banda sonora, Lynch  ha declarado que anteriormente tuvo  la intención de utilizar la versión original de la canción en Terciopelo azul (Blue Velvet) , pero no pudo hacerlo debido a problemas legales o limitaciones presupuestarias. Lost Highway es la primera de las tres películas de Lynch ambientadas en Los Ángeles, seguida de Mulholland Drive en 2001 e Inland Empire en 2006.

Patricia Arquette, David Lynch y Bill Pullman. 

Fred Madison, un músico de jazz que vive con su esposa Renee, recibe unas misteriosas cintas de vídeo en las que aparece una grabación de él con su mujer dentro de su propia casa. Poco después, durante una fiesta, un misterioso hombre le dice que está precisamente en su casa en ese instante. Las sospechas de que algo raro está pasando se tornan terroríficas cuando ve la siguiente cinta de video...

La película fue el primer largometraje desde “Twin Peaks: Fuego camina conmigo”, que se estrenó en 1992 como una precuela de la serie de televisión “Twin Peaks”. Lynch encontró la frase "carretera perdida" en el libro "Gente Nocturna" (Night People) de Barry Gifford .  Debido a que Lynch conocía muy bien a Gifford y previamente había adaptado su novela “Corazón Salvaje” (Wild at Heart) le dijo al escritor que le encantaba como título y los dos acordaron escribir un guion juntos. Originalmente, ambos hombres tenían sus propias ideas diferentes de lo que debería ser el film y terminaron rechazando sus ideas mutuamente y también las suyas.  Lynch comento más tarde que le dijo que, durante la última noche de filmación de “Fuego camina conmigo”, tuvo una idea sobre las cintas de video y una pareja en crisis. Esta idea se desarrollaría en la primera parte de la película. Lynch y Gifford se dieron cuenta de que tenía que ocurrir una transformación y se desarrolló otra historia, que tendría varios vínculos con la primera, pero también grandes diferencias. Les llevó un mes terminar el guión.

La historia se inspiró parcialmente en el caso de asesinato de O.J. Simpson, que involucró el arresto de un hombre que negó el asesinato.  La escena de apertura de la película, donde Fred Madison escucha las palabras "Dick Laurent está muerto" a través de su intercomunicador, se inspiró en un incidente análogo que le sucedió a Lynch en su propia casa. una mañana temprano, su intercomunicador sonó, y cuando respondió una voz que no reconoció, dijo la misma frase. Sin embargo, cuando miró por la ventana, no había nadie afuera. Debido a que su casa estaba al lado de la del actor David Lander y ambos hombres tienen el mismo nombre, Lynch pensó que el extraño debía haberse equivocado de  dirección.  La idea de El Hombre Misterioso "surgió del sentimiento de un hombre que, real o no, daba la impresión de que era sobrenatural", explicó Lynch.

Lynch eligió a Bill Pullman , un amigo y vecino suyo, como el personaje central de la película.  La actriz Patricia Arquette acordó ser elegida como Renee y Alice porque estaba interesada en retratar a una mujer sexualmente deseable y peligrosa, un papel que nunca había hecho antes.  Ella también había sido fanática de Lynch durante mucho tiempo y sentía que sería un honor trabajar con él. El actor Balthazar Getty fue elegido para el papel de Pete Dayton después de que Lynch vio una foto de él en una revista. Debido a que el guion estaba tan abierto a la interpretación, Getty y Arquette no sabían qué tipo de película se suponía que era Lost Highway . Según Getty, "Parte de la técnica de David es mantener a sus actores adivinando, porque crea una cierta atmósfera en el set".

El actor Robert Blake fue elegido como El Hombre Misterioso porque a Lynch le gustaba su trabajo anterior y siempre había estado interesado en trabajar con él.  Aunque Blake no entendía el guion en absoluto, fue el responsable de la apariencia y el estilo de su personaje. Cuando Lynch le dijo que usara su imaginación, Blake decidió cortarse el cabello, separarse en el medio y aplicar maquillaje blanco de Kabuki en su rostro. Luego se puso un traje negro y se acercó a Lynch, al que le encanto lo que había hecho. Lost Highway también presenta la última actuación en el cine de Richard Pryor.

La película se filmó en Los Ángeles, California, en aproximadamente 54 días, desde el 29 de noviembre de 1995 hasta el 22 de febrero de 1996. Algunas de las escenas exteriores y de conducción se filmaron en Griffith Park, mientras que las escenas del Hotel fueron filmadas en el Amargosa Opera House and Hotel en el Valle de la Muerte que se dice que está embrujado.  

Lynch posee la propiedad que se utilizó para la mansión de Fred y Renee, que se encuentra en la misma calle que su propia casa en Hollywood Hills. La casa se configuró de una manera particular para cumplir con los requisitos de la película. Se agregó un corredor que conduce a la habitación y se remodeló la fachada con ventanas estrechas para que el punto de vista de Fred fuera muy limitado. Las pinturas que están en la pared sobre el sofá fueron realizadas por la ex esposa y productora de Lynch, Mary Sweeney.

Las escenas que involucraron desnudos y contacto sexual resultaron ser muy difíciles para Arquette porque se considera una persona muy modesta y tímida. Sin embargo, se sentía muy protegida por Lynch y el equipo de filmación, quienes siempre le daban su túnica en cualquier momento. La escena de amor entre ella y Getty en el desierto, que fue filmada en un lecho de un lago seco a 20 millas de Baker, era un conjunto cerrado y solo se permitía al equipo clave.  La secuencia en la que Fred se transforma en Pete no fue generada por ordenador, sino que se logró con técnicas integradas en la cámara: un experto en maquillaje construyó una cabeza falsa que estaba cubierta con materia cerebral artificial, que luego se cortó con escenas de Pullman. La persecución final del automóvil fue filmada con dos cámaras diferentes funcionando a diferentes velocidades de cuadro. El metraje se aceleró para hacer la escena más agresiva.

Lynch trabajó con el director de fotografía Peter Deming para darle a la película un aspecto surrealista. Debido a que el guion no incluía muchas descripciones, el enfoque visual de la película evolucionó a medida que avanzaba la filmación.  Deming ocasionalmente sacaba las lentes de su cámara para desenfocar una escena en particular, mientras que Lynch a menudo escuchaba música en sus auriculares y una escena al mismo tiempo para visualizar el guion. Según él, "el sonido y la imagen trabajaban juntas para formar la película [...] Así que cada sonido tiene que apoyar esa escena y ampliarla. Una habitación es, digamos, nueve por doce, pero cuando ' Al volver a introducir el sonido, puedes crear un espacio que sea gigante ". La noción de una fuga psicógena se incorporó a la película después de que el publicista de la unidad la leyó en un libro sobre enfermedades mentales. Lynch sintió que era un término musical, afirmando que "una fuga comienza de una manera, toma otra dirección y luego regresa al original, por lo que se relaciona con la forma de la película".

Originalmente, Lynch quería rodar en blanco y negro, pero la idea fue descartada debido a los riesgos financieros que podría causar. Sin embargo, la película fue filmada en diferentes niveles de oscuridad y presenta pocas escenas a la luz del día.  Algunas secuencias se volvieron tan oscuras que fue difícil para los espectadores ver lo que estaba sucediendo. Según Deming, "lo que quería lograr era dar la sensación de que algo podría salir del fondo y dejar una cierta pregunta sobre lo que estás viendo. La película está trabajando bajo la superficie mientras estás viendo eso."  La oscuridad de la película no se ajustó intencionalmente durante la postproducción.  El primer corte de la película duró dos horas y media, y se realizó un visionado de prueba con un público de 50 personas para darle a Lynch la idea de lo que necesitaba ser cortado. La película finalmente se redujo a dos horas y diez minutos. La mayoría de las escenas eliminadas eran sobre la vida de Pete.

Aunque Lost Highway se clasifica generalmente como una película neo-noir , la película toma prestados elementos de otros géneros, incluido el expresionismo alemán y la nueva ola francesa. Los términos thriller psicológico y película de terror también se han utilizado para describir sus elementos narrativos. Una de las características del cine negro que está presente en la película es la mujer fatal (Alice Wakefield), que engaña a Pete Dayton y lo coloca en situaciones peligrosas. La película también se destacó por su violencia gráfica y temas sexuales. Lynch defendió estas imágenes, afirmando que simplemente estaba siendo honesto con sus propias ideas para la película. Algunos de los temas e ideas de la película habían sido explorados antes: la película "El desvío" (Detour) de 1945 también se enfoca en un músico perturbado.  El escenario de la película y los misteriosos mensajes grabados pueden ser vistos como una referencia a la película de 1955 "El beso mortal" (Kiss Me Deadly) , mientras que su atmósfera de pesadilla se ha comparado con el cortometraje de Maya Deren de 1943, "Un falso despertar" (Meshes of the Afternoon).  Al igual que Vértigo, de Alfred Hitchcock, la película examina las obsesiones masculinas con las mujeres, que simplemente representan emociones relacionadas con ellas. La película es muy abstracta y puede interpretarse de diferentes maneras. Lynch no está a favor de avanzar en una interpretación específica y dijo que la película deja a los espectadores para interpretar los eventos que elijan. Gifford, sin embargo, piensa que la película ofrece una explicación racional de sus eventos surrealistas. Según él, Fred Madison está experimentando una fuga psicógena, que se manifiesta cuando se transforma en Pete.

El crítico cultural Slavoj Žižek sintió que la apariencia de circularidad es análoga a un proceso psicoanalítico. Según él, "hay una frase clave sintomática (como en todas las películas de Lynch) que siempre regresa como un mensaje insistente, traumático e indescifrable (lo Real), y hay un ciclo temporal, como en el análisis, donde el protagonista al principio no logra encontrarse con el yo, pero al final es capaz de pronunciar el síntoma conscientemente como suyo ". Esto implica que la locura de Fred es tan poderosa que incluso la fantasía en la que se ve a sí mismo como Pete finalmente se disuelve y termina en una pesadilla.  También interpreta la estructura bipartita de la película como explotar "la oposición de dos horrores: el horror fantasmagórico del universo de pesadilla negra del sexo perverso, la traición y el asesinato, y la desesperación (quizás mucho más inquietante) de nuestro monótona, alienada vida cotidiana de impotencia y desconfianza ".

 

En 2003, los compositores austriacos Olga Neuwirth y Elfriede Jelinek convirtieron la película en una ópera, basándose en el guion de David Lynch y Barry Gifford. El primer acto de la ópera es palabra hablada, mientras que el segundo acto se canta.

Encadenados (Notorious)

Es una película de espías un thriller psicológico de cine negro estadounidense de 1946 dirigida y producida por Alfred Hitchcock, protagonizada por Cary Grant, Ingrid Bergman y Claude Rains. La banda sonora fue compuesta por Roy Webb y aunque la música de la película es la menos celebrada de las principales partituras de los films de Hitchcock, Roy Webb compuso una de las partituras más hábilmente diseñadas de cualquier película de Hitchcock. Teje un hechizo único, uno que Hitchcock no había evocado antes, y la música es original y novedosa. Los críticos y los estudiosos consideran que la película marca un hito para Hitchcock artísticamente y que representan una mayor madurez temática. Su biógrafo, Donald Spoto , escribe que " de hecho, es el primer intento de Alfred Hitchcock, de llevar su talento a la creación de una historia de amor seria y que solo podría haberse hecho en esta etapa de su vida ".

Ingrid Bergman Cary Grant y Alfred Hitchcock

Tras la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), el padre de Alicia Huberman, un espía nazi, es condenado por traición contra los Estados Unidos. Después del juicio, Alicia da una fiesta en la que aparece un apuesto desconocido llamado Devlin. Se trata de un agente de los servicios de Inteligencia que reclama su colaboración para atrapar a Alexander Sebastian, el cerebro de los nazis en Brasil. Al principio se muestra reacia, pero finalmente accede, sobre todo, porque se ha enamorado del atractivo agente americano. Una vez en Brasil, Alicia se gana la simpatía de Sebastian y se va a vivir a su casa. Pero su implicación en el asunto acaba poniendo en peligro su vida.

El famoso y habitual cameo de Alfred Hitchcock tiene lugar en la fiesta en la mansión de Sebastian se ve a Hitchcock bebiendo una copa de champán cuando Grant y Bergman se acercan. Él deja su vaso y se va rápidamente.

Se considera que la película tiene "algunas de las tomas de cámara más efectivas en el trabajo Hitchcock o en el de cualquier otor director "Una de las escenas distintivas de Encadenados es el beso de dos minutos y medio que Hitchcock interrumpía cada tres segundos para que la escena no rompiera la regla de que los besos solo podían durar tres segundos del Código de Producción. "Las dos estrellas estaban preocupadas por lo extraño que parecía Caminar, acurrucarse unos con otro con la cámara detrás de ellos, parecía muy incómodo y artificial, pero Hitchcock les aseguró que se verá diferente en la pantalla. Hitchcock comento que se inspiró para hacer la escena del beso en parte por el recuerdo de una joven pareja que vio desde un tren en Francia. El niño estaba orinando contra una pared y la niña lo sostenía del brazo, sin soltarlo nunca. "Ella miraba hacia abajo a lo que él estaba haciendo, y luego miraba a su alrededor y hacia abajo nuevamente para ver qué tan lejos había llegado y eso fue lo que me dio la idea. No podía dejarlo ir. El romance no debe ser interrumpido, ni siquiera al orinar".

El tema predominante en la película es la confianza: la confianza dada con demasiada libertad. A Devlin le lleva mucho tiempo entregar su confianza, mientras que Alexander Sebastian ofrece la suya fácilmente, y finalmente paga un alto precio por ello. Del mismo modo, la película aborda la necesidad de confianza de una mujer y la necesidad de un hombre de abrirse al amor. En palabras de Hitchcock “La historia de Encadenados es el viejo conflicto entre el amor y el deber. El trabajo de Cary Grant, y es una situación bastante irónica, es empujar a Ingrid Bergman a la cama de Claude Rains. Difícilmente se le puede culpar por parecer amargado a lo largo de la historia, mientras que Claude Rains es una figura bastante atractiva, tanto porque su confianza está siendo traicionada como porque su amor por Ingrid Bergman es probablemente más profundo que el de Cary Grant. Todos estos elementos del drama psicológico se han entretejido en la historia del espía”. Devlin establece a Alicia como cebo sexual, se niega a asumir cualquier responsabilidad por su papel, y luego se siente devastada cuando hace un trabajo excelente.  Alicia se encuentra manipulada por el hombre que ama, ve su comportamiento explotado con fines políticos, luego teme el abandono del amante que la puso en la difícil situación de espiar al colega nazi de su difunto padre durmiendo con él, un hombre que la ama de verdad, tal vez más que Devlin. Alex es el villano más dolorosamente comprensivo de Hitchcock, impulsado por sus profundos celos y rabia, sin mencionar su entusiasmo por una madre castradora, que culmina en un imperativo abrupto y absoluto de matar al amor de su vida.  La propia madre de Hitchcock había muerto en septiembre de 1942, aquí es la primera vez que aborda los problemas con su madre, el papel de la madre finalmente se presenta y se examina por completo. Ya no queda relegada a la mera conversación, aparece aquí como un personaje principal en una película de Hitchcock, y de una vez, como luego, a través de Psicosis, Los Pajaros y Marnie "Hitchcock comenzó a hacer que la madre figurara como un depósito peronal de su ira, culpa, resentimiento y un triste anhelo". Al mismo tiempo, se confunde el amor materno con el amor erótico, y conmovedoramente, tanto en la película como en la vida de su director, "ambos tipos de amor se limitaron al anhelo, la fantasía y las expectativas incumplidas".

El tema del alcoholismo se abre paso a través de la película de principio a fin: para Alicia es un formula de escape de la culpa y el dolor, o incluso francamente venenoso. Ella camufla el rechazo emocional con whisky, y más tarde beber se vuelve aún más peligroso.  Como la película se rodó justo después de la Segunda Guerra Mundial, el tema del patriotismo, y sus límites, hace que sea "sorprendente" que la película se llegara a producir y que fuera un éxito inmediato, ya que contiene una trama tan contundente  sobre la prostitución patrocinada por el gobierno: el chantaje sexual es la idea de los agentes de inteligencia estadounidenses, que están dispuestos a explotar a una mujer (e incluso a dejarla morir) para servir a sus propios fines. La representación de la oscuridad moral de los funcionarios estadounidenses no tenía precedentes en Hollywood, especialmente en 1945, cuando la victoria aliada marcó el comienzo de una era de chovinismo comprensible, pero en última instancia peligroso, en la vida estadounidense.

La primera inspiración de Hitchcock para la película fue la historia corta de John Taintor Foote "The Song of the Dragon", que había aparecido en dos partes en el Saturday Evening Post en noviembre de 1921; El productor David O. Selznick, era el propietario de los derechos, se la pasó a Hitchcock durante la filmación de “Recuerda” (Spellbound). Ambientada durante la Primera Guerra Mundial en Nueva York, "The Song of the Dragon" contaba la historia de un productor teatral abordado por agentes federales, que desean su ayuda para reclutar a una actriz con la que alguna vez tuvo una relación para seducir al líder de una pandilla de saboteadores enemigos.  Aunque la historia fue un punto de partida que "ofreció algo de inspiración, la narración final fue pura Hitchcock". 

Notorious comenzó como una producción de David O. Selznick, pero cuando llegó a las pantallas, tenía el logotipo del estudio RKO . Alfred Hitchcock se convirtió en el productor, pero como en todas sus películas posteriores, limitó sus créditos de pantalla a "Dirigido por". El primer destello ocurrió unos dos años antes, en agosto de 1944, durante un almuerzo entre Hitchcock y la editora de la historia de Selznick. Su memorando a Selznick decía que Hitchcock estaba "muy ansioso por hacer una historia sobre trucos de confianza a gran escala con Ingrid Bergman como la mujer ... al estilo de Mata Hari".  Hitchcock continuó su conversación unas semanas más tarde, esta vez con un ejecutivo de estudio de RKO, y describiéndola como "la historia de una mujer vendida como esclava sexual con fines políticos ". La presentación fue convincente que rápidamente se entabló conversaciones con Selznick, ofreciéndole comprar la propiedad y su personal para producirla en RKO. El interés de la RKO reavivó el de Selznick, que hasta ese momento solo había sido tibio. 

Hitchcock viajó a Inglaterra en la Navidad de 1944, y cuando regresó, tenía un esquema para realiza una lectura previa a de Selznick. El productor aprobó el desarrollo de un guion, y Hitchcock se mudó a Nyack, Nueva York, para tres semanas de colaboración con Ben Hecht , con quien acababa de trabajar en “Recuerda” (Spellbound) . Los dos trabajarían en la casa de Hecht. Los dos tenían una asociación de trabajo extraordinariamente fluida y fructífera, en parte porque a Hecht realmente no le importaba cuánto Hitchcock reescribiera su trabajo. Cuando se termino el guion Hitchcock lo entregó, pero el productor se estaba sumergiendo cada vez más en los problemas de su épica “Duelo al sol” (Duel in the Sun). Al principio, ordenó reuniones en su casa a las once de la noche, para la profunda molestia de Hecht y Hitchcock que se unirían en defensas sobre lo que pensaba que era un guion de primera clase".  En breve, sin embargo, los problemas con “Duelo al sol” ganaron y Selznick relegó a la película a un segundo plano. Uno de los grandes problemas de Selznick con el guion era entender el uso de uranio en la trama ya que, en ese momento, no era común que se supiera que se estaba utilizando en el desarrollo de la bomba atómica. De hecho, Hitchcock afirmó que fue seguido por el FBI durante varios meses después de que él y Hecht discutieron sobre cómo hacer una bomba atómica con el ganador del Premio Nobel Dr. Robert Millikan, este se negó a responder, pero confirmó el ingrediente principal, el uranio y que podría caber en una botella de vino. En cualquier caso, el lanzamiento de la bomba atómica sobre Hiroshima el 6 de agosto de 1945, y la publicación de detalles del Proyecto Manhattan, eliminaron cualquier duda sobre su uso.

En junio de 1945, la película alcanzó su punto de inflexión. Selznick "estaba perdiendo la fe en la historia que nunca le interesó realmente"; el uso de uranio todavía lo molestaba, al igual que el personaje de Devlin, y le preocupaba que al público no le gustara el personaje de Alicia.  Más preocupante, sin embargo, fue la perdida de sus reservas de efectivo por el voraz Duelo al sol . Finalmente, acordó vender “Encadenados” a la RKO como un paquete: guión, Bergman y Hitchcock. El acuerdo fue una situación de ganar ganar y ganar para todos: Selznick obtuvo 800,000 dólares en efectivo, más el 50% de las ganancias, RKO obtuvo una producción de prestigio con una estrella ascendente y un director emergente, y Hitchcock, aunque no recibió dinero, escapó de la sofocante sombra de Selznick.  También llegó a ser su propio productor por primera vez, un paso importante para él: "supervisar todo, desde el del guiñó hasta la negociación de innumerables detalles de posproducción, el director podría demostrar a la industria en general su habilidad como ejecutivo ".  RKO asumió el proyecto a mediados de julio de 1945 y proporcionó espacio de oficina, estudio, distribución y libertad. Sin embargo, no había forma de alejarse de Selznick por completo. Sostuvo que su participación del 50% en las ganancias todavía le daba derecho a participar en el proyecto. Todavía dictaba gavillas de notas sobre el guiñó, y cuando Estados Unidos detonó dos bombas atómicas sobre Japón en agosto, los memorandos comenzaron de nuevo y se centraron principalmente en la continua insatisfacción de Selznick con el guiñó. Hitchcock estaba en el extranjero, por lo que se contrató al dramaturgo Clifford Odets para hacer una reescritura. Con Hitchcock y Selznick ocupados, la asistente de guion de Selznick, Barbara Keon, sería su único contacto. El guiñó de Odets trató de darle más atmósfera a la historia de lo que había estado presente anteriormente. "Extendiendo el rango emocional de los personajes, aumentó la pasión de Devlin y Alicia y el aristocrático tedio de Alex Sebastian. También agregó un barnreiz de cultura para suavizar a Alicia: cita poesía francesa de memoria y canta a Schubert ".  Pero su borrador no significo nada para Selznick, quien todavía pensaba que los personajes carecían de dimensión, que Devlin todavía carecía de encanto.  La de reacción de Ben Hecht, escrita a mano en el margen, fue sencilla: "Esto es realmente una basura".  Al final, el guiñó de Odets era un callejón sin salida y Hitchcock aparentemente no usó nada de el.

Hitchcock rara vez logró reunir un elenco soñado para sus películas de la década de 1940, pero esta fue una gloriosa excepción". De hecho la pareja romántica de Grant y Bergman prometió una explosión de taquilla comparable a una explosión atómica".  Sin embargo, no todos lo vieron así, especialmente, David O. Selznick. Después de que vendió la propiedad a RKO presionó para que Grant fuera reemplazado por Joseph Cotten ; Estados Unidos acababa de lanzar bombas atómicas sobre Japón y Selznick argumentó que la primera película sobre armamento atómico sería la más exitosa, y Grant no estaba disponible durante los siguientes tres meses.  Selznick también creía que Grant sería difícil de manejar y exigiría altos salarios, pero lo más revelador era que Selznick era dueño del contrato de Cotten.  Hitchcock invoco una cláusula en el contrato de venta del proyecto, bloquearon los intentos de Selznick y Grant firmó a fines de agosto de 1945. El director había querido que Clifton Webb interpretara a Alexander Sebastian. Selznick presionó para que se contratara a Claude Rains , ya sea que estuvieran pensando en términos de taquilla de Selznick o en términos más artísticos, Hitchcock estuvo de acuerdo, y el papel de Rains se transformó en un villano clásico de Hitchcock: comprensivo, matizado, de alguna manera tan admirable como el protagonista. La decisión final del reparto importante fue Mme. Sebastian, la madre de Alex. "La araña, tiránica matrona nazi exigía una presencia fuerte " y cuando fracasaron los intentos de obtener a Ethel Barrymore y Mildred Natwick , el actor alemán Reinhold Schünzel sugirió a Leopoldine Konstantin que había sido una de las mejores actrices de Alemania de antes de la guerra, esta  fue la única aparición en cine estadounidense de Konstantin, y "uno de los retratos más inolvidables en las películas de Hitchcock".

El rodaje de la película comenzó el 22 de octubre de 1945  y finalizó en febrero de 1946. La producción se estructuró de la manera que Hitchcock prefería: con casi todos el rodaje en interiores, esto le daba el máximo control sobre su cine. La única escena que requirió filmación al aire libre fue la de club de equitación donde Devlin y Alicia se encouentran con Alexander Sebastian a caballo; Esta escena fue filmada en el Arboreto y Jardín Botánico del Condado de Los Ángeles en Arcadia, California. El equipo de la segunda unidad de rodaje filmaron exteriores en Miami, Río de Janeiro y en el hipódromo de Santa Anita Park que se utilizarían como fondos proyectados detrás de los personajes. La producción fue alegre y los problemas fueron pocos, por ejemplo, Claude Rains, era más bajo que Ingrid Bergman, para las escenas que compartían y debían caminar de la mano, Hitchcock ideó un sistema de rampas que aumentaba la altura de Rains pero que la cámara no veía. También sugirió que que usara zapatos con alzas: "Camina, duerme con ellos, ponte cómodo con ellos hasta que te sean comodos". Rains lo hizo y los siguió usando desde entonces. 

Aunque la producción se desarrolló sin problemas, no estuvo exenta de algunos aspectos inusuales. El primero fue la ayuda que le presto Cary Grant a Ingrid Bergman. Aunque esta fue la segunda película de Bergman con Hitchcock (la primera fue “Recuerda” Spellbound recién terminada), ella estaba nerviosa e insegura desde el principio. Sin embargo, Grant la entrenó y alentó durante el período inicial de adaptación, ensayando todo en rato con ella. Esto comenzó una amistad de por vida para los dos. Tambien hubo dos relaciones turbulentas en el set, y ambas sirvieron para inspirar el producto final: una fue el creciente enamoramiento de Hitchcock de Bergman, y la otra fue la aventura tortuosa de ella con Robert Capa , el famoso fotógrafo de guerra. Como resultado y debido a los celos Hitchcock hizo algo sin precedentes en su carrera: convirtió a Ingrid en su colaborador más cercana en la película".

La película formo parte de la selección oficial del primer Festival de Cine de Cannes en 1946 y recibió dos nominaciones a los Oscar: Mejor actor de reparto y guion original. El 7 de marzo de 1979, el American Film Institute honró a Hitchcock con su Life Achievement Award . En la cena de homenaje, Ingrid Bergman le regalo la famosa llave de la Película. Después de que terminó la filmación, Cary Grant la guardó. Unos años más tarde se la dio a Bergman, diciendo que le había dado suerte y esperaba que hiciera lo mismo por ella. Cuando se la regalo a Hitchcock, para su sorpresa y deleite, ella expresó la esperanza de que también le diera suerte a él. En 2005, su guion fue votado por The Writers Guilds of America como uno de los 101 mejores escritos.  Al año siguiente, la Biblioteca del Congreso Estadounidense la seleccionó para su preservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos como "cultural, histórica o estéticamente significativa". La revista Time lo incluyó entre las 100 películas de TODOS LOS TIEMPOS (una lista de las mejores películas desde el inicio de la revista) Entertainment Weekly también lo clasificó en el número 66 en su lista The 100 Greatest Movies of All Time. En 2008, la película fue votada en una encuesta de la revista Empire como una de las 500 mejores películas de todos los tiempos.

En 1992 se rodó un remake para televisión dirigida por Colin Bucksey , con John Shea, Jenny Robertso y Jean-Pierre Cassel. En la serie animada de televisión “Star Wars: The Clone Wars”, el episodio de la segunda temporada " Senate Spy " es casi una adaptación lineal de la película , incluso llegando a encuadrar la toma final del episodio de la misma manera. “Misión: Imposible 2” rindió un gran homenaje a “Encadenados” pero la trama trata se cambió a un virus mortal en lugar de uranio, muchas de las escenas y algunos de los diálogos de la pelicula fueron utilizados. La canción de Freddy Blohm "Rio Blues" cuenta la historia, desde el punto de vista de Sebastián y en 2015 fue adaptada como una ópera.