Territorio Lovecraft (Lovecraft Country)

Es una colección de 8 cuentos interrelacionados de terror y fantasía oscura de Matt Ruff publicados en 2016, que explora la conjunción entre la ficción de terror de H.P. Lovecraft y el racismo en los Estados Unidos durante la durante el final de la era de las leyes de Jim Crow (eran leyes estatales y locales que imponían la segregación racial en el sur de los Estados Unidos.  Estas leyes fueron promulgadas a finales del siglo XIX y principios del XX por legislaturas estatales dominadas por los demócratas del sur blancos para privar de sus derechos y eliminar los logros políticos y económicos de los negros durante el período de la Reconstrucción tras la guerra civil estadounidense. Las leyes de Jim Crow se hicieron cumplir hasta 1965).

Siguiendo la pista de su padre desaparecido de forma misteriosa. el joven de 22 años Atticus Turner se embarca en un road trip hasta la mágica y peligrosa Nueva Inglaterra. acompañado por su tío George y por Letitia. una amiga de la infancia. En su viaje a la mansión de Mr. Braithwhite se enfrentan tanto a los terrores mundanos de la América blanca de la época. como a los espíritus malignos salidos de las obras de H.P. Lovecraft .

La novela involucra a una familia afroamericana numerosa que vive en Jim Crow Chicago. Estos personajes, un joven soldado, un impresor radical, la hija de un estafador convertida en casera, un agente de viajes, y muchos otros, que no necesitan los monstruos de Lovecraft para experimentar el horror. Lo viven en su vida diaria, a través del acoso, la violencia, la expropiación y el legado de la esclavitud que es todo menos historia antigua para ellos. Cada personaje tiene su propia historia , una serie de cuentos vinculados que ilustran, a un nivel visceral, los terrores de la experiencia afroamericana y la relación de la familia con otra familia está de blancos, antiguos esclavizadores que son hechiceros lovecraftianos, obsesionados con la domesticación de los antiguos. misterios y sacrificios a Dioses Mayores desconocidos desde más allá de nuestro universo. Los personajes de Ruff brillan como protagonistas activos en su propia historia que tienen vida, dignidad y un espíritu indomable que utilizan para luchar contra la estructura de poder que Lovecraft enaltecía. En el libro, las mujeres reciben, afortunadamente, la misma atención y el mismo equilibrio que los hombres, y cualquier hombre que se atreva a afirmar la inferioridad de la mujer es castigado por su arrogancia..

 

Todo ese adagio de "escribe lo que sabes" siempre ha sido una tontería, pero Ruff lo demuestra aquí. Claramente ha hecho una profunda investigación y describe a los personajes negros con tanta profundidad, variedad y complejidad que uno se llega a olvidad que en realidad es blanco. En su epílogo, Ruff señala que se inspiró en el ensayo escrito en el 2006 por Pam Noles “Vergüenza” (Shame), sobre sus experiencias al crecer como una mujer negra y la forma en que su familia la hizo cuestionar la representación de la raza en sus medios. El ensayo es de lectura obligada y presagia gran parte del debate que se está llevando a cabo en la actualidad en estados unidos .

La obra fue nominada al World Fantasy Award en 2017 en la categoría de Novela. En 2020, HBO estreno una adaptación de la novela en forma de serie Protagonizada por Jurnee Smollett y Jonathan Majors.

La sombra del Vampiro (Shadow of the Vampire)

Es una película dramática de terror con tintes de comedia negra del año 2000 dirigida por E. Elias Merhige, escrita por Steven Katz,y protagonizada por John Malkovich y Willem Dafoe. La película es documental ficticio de la realización de la película muda clásica de vampiros Nosferatus de F. W. Murnau. El film toma prestadas las técnicas del cine mudo, incluyendo el uso de intertítulos para explicar la acción y lentes de iris. La banda sonora original fue compuesta por Daniel Jones e incluye las oberturas de “Tristán e Isolda” y “El holandés errante” de Richard Wagner. La música que suena en el fonógrafo para establecer el estado de ánimo de los actores en algunas de las escenas es la banda sonora de Drácula (1979) escrita por John Williams.

Willem Dafoe y E. Elias Merhige  

En 1921, en algún lugar de Europa del Este, el director alemán Friedrich Wilhelm Murnau filma "Nosferatu", una película de vampiros inspirada en "El conde Dracula" de Bram Stoker. El director ha decidido contratar a Max Schreck, un vampiro auténtico, como protagonista. Trata de justificar ante el equipo de rodaje el peculiar comportamiento de Schreck, explicando que se trata de un actor formado por el mismísimo Stanislavsky. Si Schreck es capaz de actuar siguiendo las directrices de Murnau y de controlar hasta el final sus primitivas necesidades, recibirá como premio el sabroso cuello de Greta, la protagonista de la película.

Basado en parte en una leyenda urbana que asegura que el protagonista de Nosferatus Max Schreck era en realidad un vampiro por lo que realizo también el papel de Orlock / Drácula. Algunas variaciones de la leyenda sugieren que “Nosferatus” fue la única película que Schreck  aunque en realidad ya era un veterano actor de teatro y cine en el momento en que rodó la película , y aparecería en muchos papeles no vampíricos antes de su muerte en 1936. La película representa a varios de los personajes principales de la película original siendo asesinados por el vampiro; sin embargo, históricamente estos actores continuaron viviendo durante bastante tiempo después de la producción de la película original. Fritz Wagner y Albin Grau, a quienes se muestran con el cuello roto, vivieron hasta las décadas de 1950 y 1970, respectivamente. Greta Schroeder, continuó teniendo una carrera cinematográfica hasta la década de 1950 y murió en 1980. También es representada como una actriz famosa, pero, de hecho, era poco conocida, y en la década de 1930 sus papeles habían disminuido a sólo apariciones ocasionales. De todos los personajes, Murnau fue quien murió más pronto en un accidente automovilístico en California en 1931. La representación de la película de Murnau como despiadado y dictatorial también está equivocada. Era conocido como un director con rara sensibilidad.

La película fue la primera producida por Saturn Films la productora de Nicolas Cage quien tenía la intención de interpretar a Schreck, hasta que Dafoe fuera elegido después de que él expresara interés en el papel. Cage declaró que siempre quiso a Malkovich como Murnau. Los miembros de la comunidad en línea "The HollyWood Stock Exchange" donaron una pequeña suma de dinero a la producción de la película a cambio de que sus nombres aparecieran en el lanzamiento en DVD de la película como "productores virtuales". El título original de la película iba a ser “Burned to Light”, una referencia al proceso de filmación (y el destino final del vampiro en la película), pero el director decidió cambiarlo cuando Dafoe preguntó: "¿Quién es Ed?"; el actor pensó que el título era Burn Ed to Light.

La película recibió dos nominaciones al Oscar: mejor actor secundario (Willem Dafoe) y maquillaje. Dafoe ganó el Premios Independent Spirit y el de la Asociación de Críticos de Los Angeles a Mejor actor secundario y fue nominado en la misma categoría al Globo de Oro y a los premios del Sindicato de Actores. La película también recibió una Mención Especial del Jurado en el festival de cine de Sitges, etre otros premios y nominaciones.

La lotería (The Lottery)

Es una historia corta de la escritora estadounidense Shirley Jackson, publicada por primera vez en la edición del 26 de junio de 1948 de la revista The New Yorker. La publicación en la revista provoco la mayor cantidad de correspondencia que la publicación había recibido en respuesta a una obra de ficción y casi todas negativas y fue prohibida en Sudáfrica. La historia ha sido sometida a muchos análisis sociológicos y literarios, y ha sido descrita como una de las historias cortas más famosas de la historia de la literatura estadounidense.

La historia mezcla detalles de la vida contemporánea con un bárbaro ritual llamado "la lotería". La historia ocurre en una pequeña ciudad estadounidense (de aproximadamente 300 habitantes) donde los moradores muestran un humor extraño y sombrío, y donde se observan cosas no usuales, como niños recogiendo piedras para la lotería anual del 27 de junio. El sorteo se realiza entre los cabezas de familia, después, se realiza otro sorteo dentro de la familia  y el miembro elegido será lapidado hasta la muerte por todos los vecinos del pueblo, incluyendo a su propia familia, como un sacrificio para asegurar una buena cosecha, de acuerdo con las creencias de la comunidad.

Una de las principales ideas de "La Lotería" es la de un chivo expiatorio. El acto de apedrear a alguien hasta la muerte anualmente purga la ciudad de lo malo y permite lo bueno. Esto se insinúa en las referencias a la agricultura. La historia también habla de la psicología de la mafia y la idea de que las personas pueden abandonar la razón y actuar cruelmente si son parte de un gran grupo de personas que se comportan de la misma manera. Junto con la mentalidad mafiosa, la historia habla de personas que siguen ciegamente las tradiciones sin pensar en las consecuencias de esas tradiciones. El entorno idílico de la historia también demuestra que la violencia y el mal pueden tener lugar en cualquier lugar y en cualquier contexto. Esto también muestra cómo las personas pueden volverse en contra tan fácilmente. En la historia nunca se dice cuándo o donde se establece específicamente los acontecimientos, pero como comentó la propia Jackson la inspiración para el pueblo del cuento es North Bennington, Vermont, donde se ella se había mudado con su marido poco después de su boda y donde permaneció hasta su muerte. También se puede observad una conexión entre la pena de muerte y el cuento, aunque estas ejecuciones rituales parecen tener el apoyo de toda la comunidad y se han llevado a cabo durante el tiempo que todo el mundo pueda parecer recordar, una duda parece persistir: "Algunos lugares ya han dejado las loterías" En otro nivel, nosotros como lectores nos sentimos bastante incómodos observando tal obediencia ciega a la tradición entre los aldeanos. Y, además, podemos ser propensos a hacer una conexión al presenciar las ejecuciones modernas y nos damos cuenta de que hay arbitrariedad en estos casos también... Es difícil para algunos imaginar la abolición de la pena capital en Estados Unidos. Equiparan la abolición con socavar la ley y la moralidad. Pero es precisamente la ley y la moralidad las que están siendo socavadas por la condena arbitraria de la pena capital.

Cada nombre y apellido importante de la historia tiene un significado especial. Los apellidos de algunos de los personajes tienen significados en inglés. Tres ejemplos obvios son Summers, Warner, y Graves. Estos apellidos suenan naturales a los oídos de un angloparlante, porque de hecho son apellidos comunes y normales. ​ A la vez, "summer" se puede traducir como "verano," "warn" como "advertir," y "grave" como "sepultura." La relación con la trama es obvia: el ritual ocurre cada verano, Warner advierte de un desastre si se abandona la lotería, y Graves envía personas a sus sepulturas. Al final de los dos primeros párrafos, Jackson ha indicado cuidadosamente la temporada, tiempo de antiguo exceso y sacrificio, y las piedras, la más antigua de las armas de sacrificio. También ha insinuado significados más grandes a través del simbolismo de nombres. "Martin",el apellido de Bobby, deriva de una palabra en inglés que significa mono. Esto, yuxtapuesto con "Harry Jones" (en toda su plenitud) y "Dickie Delacroix" (de la Cruz) nos insta a que hay una conciencia del mono dentro de todos nosotros, chapado por un cristianismo tan pervertido como "Delacroix", vulgarizado a "Dellacroy" por los aldeanos.

Tras su publicación en el The New Yorker recibió un "torrente de cartas" preguntando sobre la historia. La revista no llevaba registros de las llamadas telefónicas, pero las cartas dirigidas a Jackson fueron enviadas a ella. Ese verano se llevaba regularmente a su casa de 10 a 12 cartas cada día. También recibió paquetes semanales que contenían cartas y preguntas dirigidas a la revista o editor Harold Ross, además de copias de las respuestas de la revista. Curiosamente, había tres temas principales que dominan las cartas de ese primer verano: desconcierto, especulación e insultos. También muchos lectores exigieron una explicación de la historia y otro gran grupo querían saber era dónde estaba el pueblo real donde trascurría la historia, y si podían ir allí y ver uno de los sorteos de la lotería. En los años transcurridos desde entonces, durante los cuales la historia ha sido antologizada, dramatizada, televisada e incluso —en una transformación completamente desconcertante— convertida en ballet, las cartas han seguido llegando, pero su estilo ha cambiado. Están escritas más cortésmente, por regla general, y las cartas se limitan en gran medida a preguntas ¿qué significa esta historia?

Un mes después de la publicación inicial, Jackson respondió a todos con un artículo en el San Francisco Chronicle (22 de julio de 1948): “Explicar exactamente lo que quería expresar con la historia es muy difícil. Supongo que estableciendo un rito antiguo particularmente brutal en el presente y en mi propio pueblo para sorprender a los lectores de la historia con una dramatización gráfica de la violencia sin sentido y la inhumanidad general en sus propias vidas. Uno de los aspectos más aterradores de la publicación de historias es la comprensión de que van a ser leídos por extraños. Nunca me había dado cuenta de esto antes, aunque por supuesto, en mi imaginación había vivido con amor el pensamiento de los millones y millones de personas que iban a ser edificadas, enriquecidas y encantadas por las historias que escribí. Simplemente nunca se me había ocurrido que estos millones y millones de personas estuvieran tan lejos de ser edificadas que se sentarían y me escribirían cartas que tenía miedo de abrir; de las trescientas cartas que recibí ese verano sólo puedo leer trece que me hablaron amablemente, y en su mayoría eran de amigos. Incluso mi madre me regañó: "Papá y yo no nos importaba en absoluto tu historia en The New Yorker”, escribió con severidad; "Parece, querida, que este tipo de historiad sombrías es lo que todos los jóvenes, piensan en estos días. ¿Por qué no escribes algo para animar a la gente?".

Además de numerosas reimpresiones en revistas, antologías y libros de texto, se han realizado diversas adaptaciones de la obra a otros medios cómic (que fue realizado por el nieto de la autora Miles Hyman ) , radio, televisión, un ballet de 1953, películas en 1969 y 1997, una ópera y una obra de teatro. También ha sido fuente de inspiración para diversas obras literarias, como parte de la serie de novelas Los juegos del hambre y  el episodio de 1992"Dog of Death"de Los Simpsons presenta una escena que se refiere al cuento, entre otras muchas.

Onibaba (鬼婆)

Es una película japonesa de terror dramática histórica de 1964 escrita y dirigida por Kaneto Shindo. El titulo literalmente significa la bruja demoníaca y el guion fue inspirado por la parábola budista Shin “Máscara para asustar a la novia” o “Máscara con carne unida” en la que una madre utilizaba una máscara para asustar a su hija para que fuera al templo. Fue castigada por la máscara que se le pegaba a la cara, y tras varias suplicabas fue capaz de quitársela, pero también le arranco la carne de su cara. La mayor parte del elenco consistía en miembros del grupo regular de artistas que trabajaban con Shindo y está protagonizada por Nobuko Otowa, Jitsuko Yoshimura y Kei Satá (Las dos mujeres no tienen nombres ni siquiera en el guion, sino que son simplemente descritas como "mujeres de mediana edad" y "mujer joven").  La banda sonora fue compuesta por Hikaru Hayashi otro colaborador habitual de  Shindo La música es una combinación de instrumentos de percusión tradiciones japoneses y jazz.

Kaneto Shindo

En el Japón medieval, la madre y la esposa de un guerrero esperan su vuelta del frente. Sobreviven engañando a los soldados perdidos en los campos, a los que asesinan para luego vender sus pertenencias. Mientras la esposa mantiene una aventura con su vecino que ha desertado del ejército, la suegra conoce a un misterioso samurái que lleva una máscara extraña. Los críticos se han dividido sobre el género de la película. Mientras que algunos la consideran un "drama de época o "drama escénico" otros la consideran como un clásico de terror erótico, o una crítica social mucho más matizada, pero sin embargo universal que se puede aplicar fácilmente a una situación paralela.

La película está ambientada en algún lugar de Japón, a mediados del siglo XIV poco después de la batalla de Minatogawa que comenzó un período de más de 50 años de guerra civil, período conocido como Nanboku-chá (1336 a 1392) en el que le pueblo japones soporto una hambruna incesante. El rodaje comenzó el 30 de junio de 1964 y durante tres meses Kaneto Shindo quería filmar Onibaba en un campo de hierba susuki y envió a los subdirectores para encontrar lugares adecuados.  Una vez que se encontró una ubicación idónea cerca de una orilla del río en Inba-Numa en Chiba, construyeron varias cabañas prefabricados donde vivirían el elenco y el equipo de producción mientras rodaban la película, también se construyeron una piscina natural como un tobogán improvisado para entretener y mantener los alimentos y bebidas frescas durante las duras condiciones de rodar en el campo en mitad de la nada. Existen imágenes de los miembros del equipo agrupado y comiendo juntos. Por contrato si agun miembro quería irse de rodaje no recibiría su sueldo. Shindo incluyó escenas dramatizadas de la insatisfacción en el set como parte de la película de 2000 By Player.

Después de la derrota del Japón Imperial en la Segunda Guerra Mundial, Shindo utilizo la historia de esta película para criticar a Japón. La supervivencia de dos mujeres desesperadas en un momento de dificultades mientras la nación de los samurais descuida a sus ciudadanos se usa como paralelismo con el Japón de aquella época donde el ciudadano de a pie sufre las consecuencias después de que Japón fue derrotados. Shindo retrata las emociones humanas a una forma muy natural y cruda. Las dos mujeres desesperadas que necesitan matar para sobrevivir, que sienten emociones como la lujuria y los celos. La representación de los personajes muestra la naturaleza humana de seguir fielmente sus deseos. Este desbordamiento de emociones se muestra principalmente con el papel de la suegra. Shindo escribe el guion para retratar a los personajes de la mujer mayor con emociones conflictivas, y finalmente poner las manos en una máscara maldita para convertirse en onibaba. El ejercicio mismo de las emociones humanas es uno de los temas principales de la película. La película contenía elementos del teatro Noh. Señala que la máscara han'nya "se utiliza para demonizar las emociones pecaminosas de los celos y sus emociones asociativas" en las obras de Noh, y que los diferentes ángulos de la cámara en los que se filma la máscara en Onibaba son similares a la forma en que un intérprete de Noh utiliza el ángulo de la máscara para indicar emociones.. Kaneto Shindo dijo que uso la máscara del demonio como son simbólicos de la desfiguración de las víctimas de los bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki,la película que refleja el efecto traumático de este hecho en la sociedad japonesa de posguerra. Esa máscara inspiró a William Friedkin a usar un diseño similar para el maquillaje en tomas subliminales de un demonio de cara blanca en la película “El exorcista”

 

 

 

 

Salò, o los 120 días de Sodoma (Salò o le 120 giornate di Sodoma)

Es una película de arte y terror de 1975 dirigida y escrita por Pier Paolo Pasolini siendo su última película fue asesinado antes del estreno de esta obra. La película es una adaptación libre del libro Los 120 días de Sodoma del Marqués de Sade actualizado al periodo de la Segunda Guerra Mundial. La cinta está protagonizada por Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Umberto Paolo Quintavalle, Aldo Valletti, Caterina Boratto y Elsa De Giorgi. La música original fue compuesta por Ennio Morricone interpretada al piano por Arnaldo Graziosi. Otra música no original fue "Carmina Burana" de Carl Orff y varias piezas de Frédéric Chopin Preludios Op.28 nº 17 y nº4 y Valses Op. 34 nº 2 en La menor. (Ennio Morricone , dijo que estaba muy incómodo viendo la película. Solo aceptó componer la banda sonora  por ser amigo de Pasolini.)

Pier Paolo Pasolini

La película se centra en cuatro ricos y corruptos libertinos italianos, durante la Segunda Guerra Mundial en la época de la República fascista de Salò (1943-1945). Los libertinos secuestran a dieciocho adolescentes y los someten a cuatro meses de extrema violencia, asesinato, sadismo y tortura sexual y mental. La película explora los temas de corrupción política, asesinato, abuso de poder, sadismo, perversión, sexualidad y el fascismo. La historia tiene cuatro segmentos, inspirada en la Divina Comedia de Dante: el Anteinferno, el Círculo de Manías, el Círculo de Excrementos y el Círculo de Sangre. La película también contiene referencias frecuentes y varias discusiones sobre el libro de 1887 de Friedrich Nietzsche sobre la genealogía de la moral, el poema de Ezra Pound The Cantos y  referencias a las novelas de Marcel Proust En busca del tiempo perdido.

Parece que Pasolini estaba indeciso sobre qué tipo de conclusión debería tener la película, hasta el punto de haber concebido y filmado cuatro finales diferentes: el primero fue una escena con una bandera roja en el viento con las palabras "Love You", pero fue abandonado por el director porque lo consideraba "demasiado pomposo" y "propenso a la ética de la juventud psicodélica". La segunda muestra a todos los actores de la película, aparte de los cuatro caballeros, el director y su compañía interpretan un baile salvaje en una habitación de la villa decorada con banderas rojas y la escena fue filmada con el propósito de usarla como una escena de fondo durante los créditos, pero fue descartada porque, a los ojos de Pasolini, parecía caótica e insatisfactoria.  Otra escena final, descubierta años después y que solo estaba en el borrador inicial del guion, mostró, después del final de la tortura, los cuatro caballeros salen de la casa y sacan conclusiones sobre la moralidad de todo el asunto.  Finalmente, manteniendo la idea de la danza como la suma de la carnicería, Pasolini eligió montar la llamada "Margherita" final, con los dos jóvenes soldados bailando. Existen varias versiones de la película. Originalmente duraba 145 minutos, pero el mismo Pasolini eliminó 25 minutos para ayudar a mantener el ritmo. La versión más extensa disponible es el ampliamente vendido DVD producido por la BFI, el que incluye una breve escena usualmente no incluida en otras copias.

Sergio Citti, colaborador habitual de Pasolini, se había encargado originalmente de dirigir la versión cinematográfica de Los 120 días de Sodoma del marqués de Sade.  Durante la creación de los primeros borradores del guion, Pasolini apeló a varios de sus colaboradores habituales, entre ellos Citti, Claudio Masenza, Antonio Troisi y especialmente Pupi Avati. Mientras colaboraba con Citti en el guion, Pasolini se vio obligado a transponer el escenario de Salò desde la Francia del siglo XVIII (como se muestra en el libro original de Sade) hasta los últimos días del régimen de Benito Mussolini en la República de Salò en la primavera de 1944.  Salò es el topónimo para la República Social Italiana (RSI) (porque Mussolini gobernó desde esta ciudad del norte en lugar de desde Roma), que era un estado títere de la Alemania nazi. Pasolini pasó parte de su juventud en la República de Saló. Durante este tiempo fue testigo de crueldades por parte del ejército italiano. Muchos de sus recuerdos condujeron a la conceptualización de Saló. Pasolini proclamó que la película era altamente simbólica y metafórica; un ejemplo de ello es la escena en la que comen heces, lo cual sería una protesta contra los alimentos producidos en masa, a los cuales denomina «basura inútil».  Mientras escribía el guion, se decidió entre Citti y Pasolini que este último dirigiría el proyecto, ya que Citti había planeado escribir un proyecto separado después de completar Salò Pasolini señaló que su principal contribución al guion original de Citti era su "estructura basada en el infierno de Dante que Pasolini pesaba que había sido la intención original de Sade. En un principio Los 120 días de Sodoma y Salò  se concibieron como historias separadas, pero observando similitud entre ambos conceptos y basado en Sus experiencias en la República de Salò concibieron la idea de Salò o los 120 días de Sodoma.

En la película casi no se dan antecedentes sobre los sujetos torturados y en su mayoría casi nunca hablan. La descripción de Pasolini de las víctimas de esa manera tenía la intención de demostrar el cuerpo físico "como una mercancía ... la anulación de la personalidad del Otro ".  Específicamente, Pasolini tenía la intención de representar lo que describió como una "anarquía del poder”, en el que los actos sexuales y el abuso físico funcionaban como una metáfora de la relación entre el poder y sus sujetos.  Aparte de este tema, Pasolini también describió la película como la "inexistencia de la historia" como se ve desde la cultura occidental y el marxismo.

El rodaje, realizado principalmente en la Villa Gonzaga-Zani del siglo XVI en Villimpenta en la primavera de 1975, fue difícil e involucró escenas de homofilia , coprofagia y sadomasoquismo . Los actos de tortura en el patio causaron que algunos de los actores sufrieran abrasiones y quemaduras. La actriz Hélène Surgère describió la filmación de la película como "inusual", con casi cuarenta actores en el set en un momento dado, y Pasolini filmando "enormes" cantidades de material.  También señaló que el ambiente en el set era "paradójicamente jovial e inmaduro" a pesar del contenido. En el trabajo intermedio, el elenco compartió grandes comidas y también jugó partidos de fútbol contra el equipo de la película Novecento de Bernardo Bertolucci, que se estaba filmando cerca.  También marcó la reconciliación entre Bertolucci y su antiguo mentor después de varios desacuerdos tras la crítica de Pasolini a la película de Bertolucci “El último tango en Paris”. Durante la realización de la película, se robaron algunos carretes y los ladrones exigieron un rescate por su regreso. Filman las escenas usando dobles: las mismas escenas, pero desde un ángulo diferente. En el juicio por el asesinato de Pasolini, se planteó la hipótesis de que le dijeron a Pasolini que los rollos de película fueron descubiertos en Ostia Lido. Fue conducido allí por Pelosi, el acusado de su muerte , y fue víctima de una emboscada, donde murió. (Pasolini fue asesinado antes del lanzamiento de la película. Un estafador de 17 años, Giuseppe "Pino" Pelosi, fue arrestado cuando lo encontraron con el auto de Pasolini. Admitió atropellar a Pasolini varias veces con el automóvil después de una discusión, y terminó condenado por el crimen. Muchos años después, negó haber participado en él, alegando que tres hombres misteriosos estaban involucrados. El caso permanece sin resolver.)

Después de la Trilogía de la vida (formada por el Decamerón, Los cuentos de Canterbury y las mil y una noches), el poeta-director tuvo en mente hacer una Trilogía de la muerte, en la cual anular la fábula optimismo de los tres "clásicos". anteriores, en particular en lo que respecta al componente sexual: alegre y soleado en el primer tríptico, frío y espantoso en el segundo. Por sugerencia de Sergio Citti , Salò fue elegido como el primer episodio y luego siguió siendo el único debido a la trágica y prematura muerte del director. La intención de Pasolini, por las razones que hemos visto, no era salvar nada en términos de violencia y perversión: aunque era más simbólico que la violencia física, y aunque la furia obsesiva realista con la que De Sade lo describió en su La novela estaba en la película realmente reducida de Pasolini, Salò prometió ser una película maldita desde el principio. Como continuación, Pasolini planeó hacer una película biográfica sobre la vida del asesino de niños Gilles de Rais, pero después de su muerte, la idea fue abortada.

La película se estrenó en el Festival de Cine de París el 23 de noviembre de 1975, tres semanas después de que Pasolini fuera asesinado en Roma. Salò ha sido prohibido en varios países, debido a sus representaciones gráficas de violación, tortura y asesinato, principalmente de personas que se cree que son menores de dieciocho años. La película sigue prohibida en varios países y provocó numerosos debates entre críticos y censores sobre si constituía o no pornografía debido a su desnudez y representación gráfica de actos sexuales. La película fue rechazada por la Junta Británica de Censores de Cine (BBFC) en enero de 1976. Se proyectó por primera vez en un club de cine en 1977, sin cortes y sin la certificación del secretario de BBFC, el local fue allanado por la Policía Metropolitana después de unos días y la película fue retirada. Una versión cortada y nuevamente sin certificación formal, se proyectó posteriormente en ese mismo de club durante algunos años. En 2000, en una forma sin cortes, la película finalmente se aprobó para distribución en cines y de video en el Reino Unido. La película no fue prohibida en los Estados Unidos y se estrenó en 1977; Sin embargo, fue prohibido en Ontario, Canadá. Cuando la película se estrenó en Alemania Occidental en febrero de 1976, fue confiscada por el fiscal del estado para prohibirla. El tribunal de distrito de Stuttgart lo clasificó como pornográfico y elogio de la violencia. Sin embargo, unos días después, ese fallo fue revocado y se permitió que la película se distribuyera en todo el país.  En 1994, un policía encubierto en Cincinnati, Ohio, alquiló la película en una librería gay local y luego arrestó a los propietarios por " proxenetismo ". Un gran grupo de artistas, incluidos Martin Scorsese y Alec Baldwin, y académicos firmaron un informe legal argumentando el mérito artístico de la película; el tribunal estatal de Ohio desestimó el caso porque la policía violó los derechos de la Cuarta Enmienda de los propietarios, sin llegar a la pregunta de si la película era obscena.

Fue prohibido en Australia en 1976 por razones de indecencia.  Después de una prohibición de 17 años, la Junta de Clasificación de Australia aprobó la película con un solo para mayores de 18 años sin cortes para su estreno en julio de 1993. Sin embargo, la Junta de Revisión de Clasificación de Australia anuló esta decisión, en febrero de 1998 y prohibió la película por completo, por "crueldad ofensiva con alto impacto, violencia sexual y representaciones de fetiches ofensivos y repugnantes". La película fue sacada de todos los cines australianos. Salò fue reenviado para su clasificación en Australia en 2008, solo para ser rechazado una vez más.  La salida a la venta en DVD con una versión modificada, lo que causó indignación en los medios de comunicación por la censura y la libertad de expresión. En 2010, la película fue presentada nuevamente y aprobada con una calificación R18 +. Según el comunicado de prensa de la Junta de Clasificación de Australia, el DVD fue aprobado debido a "la inclusión de 176 minutos de material adicional que proporcionó un contexto para el largometraje". El comunicado de prensa también declaró que "La Junta de Clasificación desea enfatizar que esta película está clasificada R18 + debido al hecho de que contiene material adicional. Proyectar esta película en un cine sin el material adicional constituiría una violación de las leyes de clasificación". La opinión mayoritaria de la junta indicó que la inclusión de material adicional en el DVD "facilita una consideración más amplia del contexto de la película que resulta en un impacto que no es más que alto".  En Nueva Zelanda, la película se prohibió originalmente en 1976. La prohibición se confirmó en 1993. En 1997, se otorgó un permiso especial para que la película se proyecte sin cortes en un festival de cine. En 2001, el DVD finalmente se aprobó sin cortes con una calificación 'R18'. 

La confluencia del contenido temático en la película, que va desde lo político y sociohistórico hasta lo psicológico y sexual, ha llevado a una discusión crítica de la película. Ha sido alabado y criticado por varios historiadores y críticos de pero Salò se ha ganado una reputación entre algunos estudiosos del cine de ser la "película más enferma de todos los tiempos" y algunos lo citan como uno de los primeros progenitores del subgénero pornográfico de tortura pero también se señala que la sección transversal entre el contenido temático de la película y las imágenes gráficas ha resultado en que se considere tanto una película de terror como una película de Arte. En 2006, la Asociación de Críticos de Cine de Chicago la nombró la 65a película más aterradora jamás realizada y en 2010, el Festival Internacional de Cine de Toronto la colocó en el número 47 en su lista de "Las 100 películas esenciales". En el 72 ° Festival Internacional de Cine de Venecia, el largometraje restaurado por la Cineteca di Bologna y el Centro Sperimentale di Cinematografia , en colaboración con Alberto Grimaldi , recibió el premio a la mejor película restaurada. En 2008, el director de ópera británico David McVicar y el director de orquesta suizo Philippe Jordan han producido una actuación de la ópera Salome de Richard Strauss de 1905 basada en la película, ambientada en un palacio depravado en la Alemania nazi, para la Royal Opera House de Londres. El cineasta italiano Giuseppe Bertolucci lanzó un documental en 2006, Pasolini prossimo nostro , basado en una entrevista con Pasolini realizada en el set de Salò en 1975. El documental también incluía fotografías tomadas en el set de la película.