Kitchen （キ ッ チ ン）

Es la primera novela de la autora japonesa Banana Yoshimoto (pseudónimo de Mahoko Yoshimoto, siendo las flores rojas y carnosas del banano su flor favorita decidido usarlo como nombre artístico) publicada por primera vez en Japón en 1988 y traducida a múltiples idiomas en la década de 1990. La novela ha sido un éxito internacional y solo en Japón lleva más de 60 ediciones. Un libro encantadoramente original y profundamente conmovedor sobre madres, amor, tragedia y el poder de la cocina y el hogar en la vida.

Cuando la jovencísima Mikage se queda sola a la muerte de su abuela, se refugia en la cocina de su vasta casa. Un día, sin embargo, un amable muchacho llama a su puerta y le propone que vaya a vivir con él y con su madre, Eriko. Sin embargo, esta hermosa y acogedora mujer no es quien parece ser. Una fábula en la que la soledad y la aridez emocional quedan mitigadas por la inmensa sabiduría de otro mundo ancestral. Esta fábula, que se desarrolla entre ordenadores, electrodomésticos y sobre todo alimentos y guisos, pero también entre sentimientos de amor, amistad y complicidad, es en realidad una historia terrible, en que la soledad y la aridez emocional quedan, como por «milagro» mitigados por la inmensa sabiduría de otro mundo ancestral, afortunadamente aún latente, aún perceptible.

La mayoría de las ediciones también incluyen una novela titulada Moonlight Shadow, que también es una tragedia que trata sobre la pérdida y el amor, en parte inspirada en la canción de Mike Oldfield de mismo título. Cuenta la historia de una mujer joven, Satsuki, que acepta la muerte de su novio, Hitoshi, en un accidente automovilístico y su amistad con el hermano de su novio, Hiiragi, cuya novia, Yumiko, también murió en el mismo accidente. Con temas culturales y surrealistas japoneses, que retrata las emociones de dolor, pérdida y esperanza.

La muerte es el tema principal de la obra.  Mikage y Yuich son separados de los miembros más amados de su familia, al mismo tiempo y es la fuerza que une y les hace conscientes de que todo lo que la rodea, incluida ellos mismas, son solo temporal; aprecian a la muerte por darle la sensación de que está viva. El tema del género es esencial para la historia porque son personas transexuales los que unen a los protagonistas. Combinando rasgos de ambos géneros y teniendo experiencia como hombre y como mujer los que lo hacen más sabios, ellos nunca son juzgados por la protagonista, sino que se sorprende por su belleza y personalidad. Sin embargo, queda patente que todavía les queda un largo camino para lograr la igualdad y el respeto, particularmente en Japón. La comida no es solo fuente de alimentación en esta novela; más bien, es algo que une a las personas, algo que evoca recuerdos y sentimientos, y algo que actúa como una forma para que una persona demuestre que se preocupa por otra.. La comida impregna la novela: está presente en momentos importantes, influye en los recuerdos y las conversaciones importantes, y es parte de las características centrales de los personaje.

Otros temas de la obra son “el agotamiento de los jóvenes japoneses en el Japón contemporáneo” y “la forma en que las experiencias terribles moldean la vida de una persona”. La obra describe los problemas que enfrentan los jóvenes, el existencialismo urbano y los adolescentes atrapados entre la imaginación y la realidad. Los personajes, escenarios tienen un enfoque moderno y estadounidense, pero el núcleo es japonés. Se dirige a los lectores de manera personal y amigable, con calidez y franca inocencia, escribiendo sobre cosas simples como el chirriar de los pisos de madera o el agradable olor de la comida. La comida y los sueños son temas recurrentes en su trabajo que a menudo se asocian con recuerdos y emociones. Yoshimoto admite que la mayor parte de su inspiración artística proviene de sus propios sueños y que le gustaría estar siempre durmiendo y viviendo una vida llena de sueños.

La novela recibió diversos premios internacionales y Se han rodado dos películas de la historia, una para la televisión japonesa en 1989 y una versión más difundida producida en Hong Kong dirigida  Yim Ho en 1997.

El hijo del desconocido (The Stranger's Child)

Es la quinta novela del autor, poeta, escritor de cuentos y traductor inglés Alan Hollinghurst publicada en 2011. La obra analiza la evolución de la cultura gay en Gran Bretaña y los efectos de la memoria y el envejecimiento en los individuos y la sociedad (por ejemplo, la reputación literaria, la arquitectura y las relaciones románticas).  La novela fue candidata a los premios Man Booker y Walter Scott en el 2011. «No es sólo la novela más ambiciosa de Hollinghurst, sino también la más divertida... Maravillosamente escrita, audaz, ambiciosa, perfecta en su ejecución, una obra maestra».

En los últimos días del verano de 1913, George Sawle, un joven estudiante de Cambridge, vuelve a pasar unos días con su familia y trae a un invitado. Cecil Balance, aristócrata y poeta, es algo mayor que él, y ha sido su protector e introductor en la universidad y en unas cuantas cosas más. George pertenece a una familia confortablemente instalada en la clase media, en tanto que Cecil será un día Lord Valance, señor de Corley Court. Y en Dos Acres, la residencia de los Sawle, se suceden en ese largo fin de semana lecturas de poemas, veladas musicales y sexo y esplendor en la hierba y en la oscuridad del bosque. Porque los dos amigos son amantes. Y en secreto, como corresponde a la época. Pero es en el cuaderno de autógrafos de la hermana de George donde Cecil, antes de marcharse, escribe un poema que devendrá mítico para una generación, un poema no se sabe si inspirado en la jovencísima Daphne o en George. Y los secretos e intimidades de ese fin de semana, uniendo para siempre a las familias Sawle y Balance, se convertirán en acontecimientos míticos de una gran historia, contada de diferentes maneras a lo largo del siglo, escrutada, interpretada y modificada por críticos y biógrafos, en un relato que se articula hasta el final sobre la seducción y el secreto de Cecil -y de los poetas menores, que sin embargo dejan una marca mucho más intensa que otros mayores sobre las mitologías cotidianas- y el enigma del deseo y de la literatura.

El título de la obra proviene del famoso poema In Memoriam AHH de Alfred, Lord Tennyson ( . Es un réquiem para el querido amigo del poeta de Cambridge Arthur Henry Hallam , quien murió repentinamente de una hemorragia cerebral, a los 22 años. Contiene algunos de los obras líricas más exitosos de Tennyson sobre todo reconocido por el fragmento «Es mejor haber amado y perdido que jamás haber amado» , y es un ejercicio inusualmente sostenido en verso lírico. Es ampliamente considerado como uno de los mejores poemas del siglo XIX.): "Y año tras año el paisaje crece / es familiar para el El hijo del desconocido ". En una entrevista comentó sobre el epígrafe que "la música de las palabras es absolutamente maravillosa, maravillosamente triste y consoladora a la vez. Se ajusta exactamente a una idea que quería seguir en el libro". sobre la incognoscibilidad del futuro ".  La figura de Lord Tennyson fue una pieza importante de la inspiración de esta novela “ Tennyson estuvo allí desde el principio, en parte como un autor al que siempre he admirado y en parte porque el libro iba transcurrir en la época victoriana”. Desde el principio supo que In Memoriamsería seria leído en la sección de apertura de la novela y que Freda Sawle le contaría su anécdota sobre haber visto a Tennyson en un ferry durante su luna de miel, lo que ilustra el hecho de que para su generación ciertas figuras victorianas todavía eran recordadas. Más adelante en una línea, "Nadie te recuerda en absoluto", se cita del poema de Mick Imlah, "In Memoriam, Alfred Lord Tennyson". Ese pensamiento bastante simple, que cien años después de su muerte nadie estará vivo que pudiera recordarlo, es una de las preocupaciones centrales del libro: ¿qué significa recordar a alguien desde una distancia temporal tan grande?.

La novela también se la puede considerar un libro sobre libros sobre todo sobre el canon de la literatura inglesa y la construcción de la memoria literaria. Además de Tennyson (la adolescencia del autor estuvo muy marcada por la poesía victoriana, la Tensión en particular), una lista de las alusiones más directas de la novela incluyen “Retorno a Brideshead” de Evelyn Waugh “Maurice” y “Howard End” de E. M. Forster y el reconocido maestro de Hollinghurst, Henry James, particularmente “Los papeles de Aspern”  y “Lo que Maisie sabía” . Si bien esta es una novela realista sobre Inglaterra, escrita en una prosa elegante y conservadora, también es una obra  muy consciente de la construcción del inglés a través de la literatura y (en menor medida) de la música y el arte. El libro también está lleno de referencias a la época Victoriana y su arquitectura, el autor siente pasión por los edificios victorianos y  hay una casa de campo victoriana en cada una de sus últimas tres novelas, que suele estar inspiradas en la escuela pública en la que se formó el autor Canford, en Dorset,  una gran casa victoriana con fuerte elemento romántico y gótico victoriano en un entorno natural muy hermoso que marco  una gran parte de la atmósfera de su crecimiento.  Hollinghurst siempre ha querido defender los edificios y objetos victorianos que fueron vilipendiados por la generación de su padre, descartados con la infame etiqueta de "monstruosidad victoriana".

Escuela de Canford

Hollinghurst siente la fragilidad de la memoria y la brutalidad inherente al impulso modernista de "hacerlo nuevo".  Y considera el victorianismo, con su sentimiento, desorden y decoro, tiene especial importancia en la novela, que está comprometido con una especie de sentimiento de salvamento, una recuperación de modos de sentir, principalmente las amistades románticas de hombres de clase alta, que solo han sobrevivido como huellas en los márgenes y la marginalidad de la tradición inglesa. A lo largo del libro, la apreciación de lo victoriano es una señal de sensibilidad, de receptividad a las señales evanescentes del pasado. La destrucción del paisaje de Dos Acres al ser invadido por los suburbios y la transformación de Corley en una escuela preparatoria se presentan como parte del mismo proceso, por el cual la verdad de la vida y el arte de Cecil Valance (que es, sobre todo, una verdad sexual, la verdad no publicable de la homosexualidad) se subyuga gradualmente, primero por la narrativa engañosa de su relación con Daphne, luego por una indiferencia general. En esta y en las secciones posteriores, el lector tiene un sentido de la novela como recesiva.

La novela es un libro profundamente nostálgico, en el estricto sentido griego de "nostalgia": anhela volver a casa al pasado. El mundo moderno (y de hecho el mundo del modernismo) parece tener pocas cualidades positivas. La implicación tácita es que tal apreciación estética se está volviendo cada vez más rara, y aunque estas palabras se colocan en la boca del editor de Cecil, Sebastian Stokes, el lector siente que es una posición con la que el autor simpatiza. Sin embargo, en contraste de  este conservadurismo franco está el impulso contradictorio de Hollinghurst de volver a inscribir en la historia la narrativa suprimida de la amistad y el sexo gay, presentada directa y románticamente, que él ve, con razón, como un papel importante en la construcción de la tradición cultural inglesa. El romance entre George Sawle y Cecil Valance, en los días felices antes de la primera guerra mundial, nunca es debidamente reconocido por el público, incluso en las secciones finales de la novela, que tienen lugar en un Londres literario de teoría queer, asociaciones civiles. En este momento, casi todo rastro material ha desaparecido, y los herederos de los dos hombres, los " hijo del desconocido", que están inventando sus propias vidas homosexuales, no tienen acceso a su tradición. A lo largo de su carrera como novelista, una de las preocupaciones de Hollinghurst ha sido pinchar esta soledad ahistórica, sacar de la sombra la tradición homosexual en la cultura inglesa. Sin embargo, en esta novela erudita que afecta, trasciende lo que podría haber sido un proyecto puramente retrospectivo, un relleno de los espacios en blanco del mundo gay. el gran logro de esta historia poder mostrar que, a pesar del silencio en el que se envolvieron relaciones como la de Cecil y George, su influencia se ha hecho eco a través de los años, como un patrón inconsciente para otras amistades y relaciones amorosas. En la actualidad, cuando la inmediatez de un joven recitando Tennyson ha sido reemplazada por un sitio web con clips de audio articulados por un avatar animado de Tennyson, esta tradición persiste, contra viento y marea.

 

Salò, o los 120 días de Sodoma (Salò o le 120 giornate di Sodoma)

Es una película de arte y terror de 1975 dirigida y escrita por Pier Paolo Pasolini siendo su última película fue asesinado antes del estreno de esta obra. La película es una adaptación libre del libro Los 120 días de Sodoma del Marqués de Sade actualizado al periodo de la Segunda Guerra Mundial. La cinta está protagonizada por Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Umberto Paolo Quintavalle, Aldo Valletti, Caterina Boratto y Elsa De Giorgi. La música original fue compuesta por Ennio Morricone interpretada al piano por Arnaldo Graziosi. Otra música no original fue "Carmina Burana" de Carl Orff y varias piezas de Frédéric Chopin Preludios Op.28 nº 17 y nº4 y Valses Op. 34 nº 2 en La menor. (Ennio Morricone , dijo que estaba muy incómodo viendo la película. Solo aceptó componer la banda sonora  por ser amigo de Pasolini.)

Pier Paolo Pasolini

La película se centra en cuatro ricos y corruptos libertinos italianos, durante la Segunda Guerra Mundial en la época de la República fascista de Salò (1943-1945). Los libertinos secuestran a dieciocho adolescentes y los someten a cuatro meses de extrema violencia, asesinato, sadismo y tortura sexual y mental. La película explora los temas de corrupción política, asesinato, abuso de poder, sadismo, perversión, sexualidad y el fascismo. La historia tiene cuatro segmentos, inspirada en la Divina Comedia de Dante: el Anteinferno, el Círculo de Manías, el Círculo de Excrementos y el Círculo de Sangre. La película también contiene referencias frecuentes y varias discusiones sobre el libro de 1887 de Friedrich Nietzsche sobre la genealogía de la moral, el poema de Ezra Pound The Cantos y  referencias a las novelas de Marcel Proust En busca del tiempo perdido.

Parece que Pasolini estaba indeciso sobre qué tipo de conclusión debería tener la película, hasta el punto de haber concebido y filmado cuatro finales diferentes: el primero fue una escena con una bandera roja en el viento con las palabras "Love You", pero fue abandonado por el director porque lo consideraba "demasiado pomposo" y "propenso a la ética de la juventud psicodélica". La segunda muestra a todos los actores de la película, aparte de los cuatro caballeros, el director y su compañía interpretan un baile salvaje en una habitación de la villa decorada con banderas rojas y la escena fue filmada con el propósito de usarla como una escena de fondo durante los créditos, pero fue descartada porque, a los ojos de Pasolini, parecía caótica e insatisfactoria.  Otra escena final, descubierta años después y que solo estaba en el borrador inicial del guion, mostró, después del final de la tortura, los cuatro caballeros salen de la casa y sacan conclusiones sobre la moralidad de todo el asunto.  Finalmente, manteniendo la idea de la danza como la suma de la carnicería, Pasolini eligió montar la llamada "Margherita" final, con los dos jóvenes soldados bailando. Existen varias versiones de la película. Originalmente duraba 145 minutos, pero el mismo Pasolini eliminó 25 minutos para ayudar a mantener el ritmo. La versión más extensa disponible es el ampliamente vendido DVD producido por la BFI, el que incluye una breve escena usualmente no incluida en otras copias.

Sergio Citti, colaborador habitual de Pasolini, se había encargado originalmente de dirigir la versión cinematográfica de Los 120 días de Sodoma del marqués de Sade.  Durante la creación de los primeros borradores del guion, Pasolini apeló a varios de sus colaboradores habituales, entre ellos Citti, Claudio Masenza, Antonio Troisi y especialmente Pupi Avati. Mientras colaboraba con Citti en el guion, Pasolini se vio obligado a transponer el escenario de Salò desde la Francia del siglo XVIII (como se muestra en el libro original de Sade) hasta los últimos días del régimen de Benito Mussolini en la República de Salò en la primavera de 1944.  Salò es el topónimo para la República Social Italiana (RSI) (porque Mussolini gobernó desde esta ciudad del norte en lugar de desde Roma), que era un estado títere de la Alemania nazi. Pasolini pasó parte de su juventud en la República de Saló. Durante este tiempo fue testigo de crueldades por parte del ejército italiano. Muchos de sus recuerdos condujeron a la conceptualización de Saló. Pasolini proclamó que la película era altamente simbólica y metafórica; un ejemplo de ello es la escena en la que comen heces, lo cual sería una protesta contra los alimentos producidos en masa, a los cuales denomina «basura inútil».  Mientras escribía el guion, se decidió entre Citti y Pasolini que este último dirigiría el proyecto, ya que Citti había planeado escribir un proyecto separado después de completar Salò Pasolini señaló que su principal contribución al guion original de Citti era su "estructura basada en el infierno de Dante que Pasolini pesaba que había sido la intención original de Sade. En un principio Los 120 días de Sodoma y Salò  se concibieron como historias separadas, pero observando similitud entre ambos conceptos y basado en Sus experiencias en la República de Salò concibieron la idea de Salò o los 120 días de Sodoma.

En la película casi no se dan antecedentes sobre los sujetos torturados y en su mayoría casi nunca hablan. La descripción de Pasolini de las víctimas de esa manera tenía la intención de demostrar el cuerpo físico "como una mercancía ... la anulación de la personalidad del Otro ".  Específicamente, Pasolini tenía la intención de representar lo que describió como una "anarquía del poder”, en el que los actos sexuales y el abuso físico funcionaban como una metáfora de la relación entre el poder y sus sujetos.  Aparte de este tema, Pasolini también describió la película como la "inexistencia de la historia" como se ve desde la cultura occidental y el marxismo.

El rodaje, realizado principalmente en la Villa Gonzaga-Zani del siglo XVI en Villimpenta en la primavera de 1975, fue difícil e involucró escenas de homofilia , coprofagia y sadomasoquismo . Los actos de tortura en el patio causaron que algunos de los actores sufrieran abrasiones y quemaduras. La actriz Hélène Surgère describió la filmación de la película como "inusual", con casi cuarenta actores en el set en un momento dado, y Pasolini filmando "enormes" cantidades de material.  También señaló que el ambiente en el set era "paradójicamente jovial e inmaduro" a pesar del contenido. En el trabajo intermedio, el elenco compartió grandes comidas y también jugó partidos de fútbol contra el equipo de la película Novecento de Bernardo Bertolucci, que se estaba filmando cerca.  También marcó la reconciliación entre Bertolucci y su antiguo mentor después de varios desacuerdos tras la crítica de Pasolini a la película de Bertolucci “El último tango en Paris”. Durante la realización de la película, se robaron algunos carretes y los ladrones exigieron un rescate por su regreso. Filman las escenas usando dobles: las mismas escenas, pero desde un ángulo diferente. En el juicio por el asesinato de Pasolini, se planteó la hipótesis de que le dijeron a Pasolini que los rollos de película fueron descubiertos en Ostia Lido. Fue conducido allí por Pelosi, el acusado de su muerte , y fue víctima de una emboscada, donde murió. (Pasolini fue asesinado antes del lanzamiento de la película. Un estafador de 17 años, Giuseppe "Pino" Pelosi, fue arrestado cuando lo encontraron con el auto de Pasolini. Admitió atropellar a Pasolini varias veces con el automóvil después de una discusión, y terminó condenado por el crimen. Muchos años después, negó haber participado en él, alegando que tres hombres misteriosos estaban involucrados. El caso permanece sin resolver.)

Después de la Trilogía de la vida (formada por el Decamerón, Los cuentos de Canterbury y las mil y una noches), el poeta-director tuvo en mente hacer una Trilogía de la muerte, en la cual anular la fábula optimismo de los tres "clásicos". anteriores, en particular en lo que respecta al componente sexual: alegre y soleado en el primer tríptico, frío y espantoso en el segundo. Por sugerencia de Sergio Citti , Salò fue elegido como el primer episodio y luego siguió siendo el único debido a la trágica y prematura muerte del director. La intención de Pasolini, por las razones que hemos visto, no era salvar nada en términos de violencia y perversión: aunque era más simbólico que la violencia física, y aunque la furia obsesiva realista con la que De Sade lo describió en su La novela estaba en la película realmente reducida de Pasolini, Salò prometió ser una película maldita desde el principio. Como continuación, Pasolini planeó hacer una película biográfica sobre la vida del asesino de niños Gilles de Rais, pero después de su muerte, la idea fue abortada.

La película se estrenó en el Festival de Cine de París el 23 de noviembre de 1975, tres semanas después de que Pasolini fuera asesinado en Roma. Salò ha sido prohibido en varios países, debido a sus representaciones gráficas de violación, tortura y asesinato, principalmente de personas que se cree que son menores de dieciocho años. La película sigue prohibida en varios países y provocó numerosos debates entre críticos y censores sobre si constituía o no pornografía debido a su desnudez y representación gráfica de actos sexuales. La película fue rechazada por la Junta Británica de Censores de Cine (BBFC) en enero de 1976. Se proyectó por primera vez en un club de cine en 1977, sin cortes y sin la certificación del secretario de BBFC, el local fue allanado por la Policía Metropolitana después de unos días y la película fue retirada. Una versión cortada y nuevamente sin certificación formal, se proyectó posteriormente en ese mismo de club durante algunos años. En 2000, en una forma sin cortes, la película finalmente se aprobó para distribución en cines y de video en el Reino Unido. La película no fue prohibida en los Estados Unidos y se estrenó en 1977; Sin embargo, fue prohibido en Ontario, Canadá. Cuando la película se estrenó en Alemania Occidental en febrero de 1976, fue confiscada por el fiscal del estado para prohibirla. El tribunal de distrito de Stuttgart lo clasificó como pornográfico y elogio de la violencia. Sin embargo, unos días después, ese fallo fue revocado y se permitió que la película se distribuyera en todo el país.  En 1994, un policía encubierto en Cincinnati, Ohio, alquiló la película en una librería gay local y luego arrestó a los propietarios por " proxenetismo ". Un gran grupo de artistas, incluidos Martin Scorsese y Alec Baldwin, y académicos firmaron un informe legal argumentando el mérito artístico de la película; el tribunal estatal de Ohio desestimó el caso porque la policía violó los derechos de la Cuarta Enmienda de los propietarios, sin llegar a la pregunta de si la película era obscena.

Fue prohibido en Australia en 1976 por razones de indecencia.  Después de una prohibición de 17 años, la Junta de Clasificación de Australia aprobó la película con un solo para mayores de 18 años sin cortes para su estreno en julio de 1993. Sin embargo, la Junta de Revisión de Clasificación de Australia anuló esta decisión, en febrero de 1998 y prohibió la película por completo, por "crueldad ofensiva con alto impacto, violencia sexual y representaciones de fetiches ofensivos y repugnantes". La película fue sacada de todos los cines australianos. Salò fue reenviado para su clasificación en Australia en 2008, solo para ser rechazado una vez más.  La salida a la venta en DVD con una versión modificada, lo que causó indignación en los medios de comunicación por la censura y la libertad de expresión. En 2010, la película fue presentada nuevamente y aprobada con una calificación R18 +. Según el comunicado de prensa de la Junta de Clasificación de Australia, el DVD fue aprobado debido a "la inclusión de 176 minutos de material adicional que proporcionó un contexto para el largometraje". El comunicado de prensa también declaró que "La Junta de Clasificación desea enfatizar que esta película está clasificada R18 + debido al hecho de que contiene material adicional. Proyectar esta película en un cine sin el material adicional constituiría una violación de las leyes de clasificación". La opinión mayoritaria de la junta indicó que la inclusión de material adicional en el DVD "facilita una consideración más amplia del contexto de la película que resulta en un impacto que no es más que alto".  En Nueva Zelanda, la película se prohibió originalmente en 1976. La prohibición se confirmó en 1993. En 1997, se otorgó un permiso especial para que la película se proyecte sin cortes en un festival de cine. En 2001, el DVD finalmente se aprobó sin cortes con una calificación 'R18'. 

La confluencia del contenido temático en la película, que va desde lo político y sociohistórico hasta lo psicológico y sexual, ha llevado a una discusión crítica de la película. Ha sido alabado y criticado por varios historiadores y críticos de pero Salò se ha ganado una reputación entre algunos estudiosos del cine de ser la "película más enferma de todos los tiempos" y algunos lo citan como uno de los primeros progenitores del subgénero pornográfico de tortura pero también se señala que la sección transversal entre el contenido temático de la película y las imágenes gráficas ha resultado en que se considere tanto una película de terror como una película de Arte. En 2006, la Asociación de Críticos de Cine de Chicago la nombró la 65a película más aterradora jamás realizada y en 2010, el Festival Internacional de Cine de Toronto la colocó en el número 47 en su lista de "Las 100 películas esenciales". En el 72 ° Festival Internacional de Cine de Venecia, el largometraje restaurado por la Cineteca di Bologna y el Centro Sperimentale di Cinematografia , en colaboración con Alberto Grimaldi , recibió el premio a la mejor película restaurada. En 2008, el director de ópera británico David McVicar y el director de orquesta suizo Philippe Jordan han producido una actuación de la ópera Salome de Richard Strauss de 1905 basada en la película, ambientada en un palacio depravado en la Alemania nazi, para la Royal Opera House de Londres. El cineasta italiano Giuseppe Bertolucci lanzó un documental en 2006, Pasolini prossimo nostro , basado en una entrevista con Pasolini realizada en el set de Salò en 1975. El documental también incluía fotografías tomadas en el set de la película.