Festival de la Canción de Eurovisión: La historia de Fire Saga (Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga)

Es una comedia musical estadounidense de 2020 dirigida por David Dobkin y escrita por Will Ferrell y Andrew Steele, protagonizada por Ferrell y Rachel McAdams y cuenta con Pierce Brosnan , Dan Stevens y Demi Lovato en papeles secundarios. Varios ex concursantes y ganadores del Festival de la Canción de Eurovisión realizan cameos en la película Loreen ganadora sueca del concurso en 2012, Jamala Ganadora ucraniana del concurso 2016, Conchita Wurst - ganadora austríaca del concurso 2014 Netta - ganador israelí del concurso 2018, Salvador Sobral (ganador de 2017) como músico callejero tocando el piano en Escocia, entre otros.

  Will Ferrell, Rachel McAdams y David Dobkin 

En la pequeña ciudad de Húsavík , Islandia, Lars Erickssong y Sigrit Ericksdóttir, amigos desde la infancia, hacen música juntos como la banda Fire Saga, para consternación del padre viudo de Lars, Erick. Lars tiene un sueño: ganar el Festival de Eurovisión. La pareja se postula y es seleccionada al azar para participar en, la preselección islandesa para Eurovisión.

Will Ferrell descubrió Eurovisión en 1999 gracias a su esposa sueca, la actriz Viveca Paulin. Suecia ganó ese año con la canción " Take Me to Your Heaven ", que Ferrell menciona como una razón por la que se enamoró de la competencia.  En mayo de 2018, en preparación para la película, Ferrell asistió a la final del Festival de la Canción de Eurovisión 2018 en Lisboa, Portugal, para investigar posibles personajes y escenarios para la película] También habló entre bastidores con los concursantes de Eurovisión. En 2019 McAdams y Ferrell fueron vistos en los ensayos generales del Festival de la Canción de Eurovisión de Tel Aviv, Israel, cuyo escenario fue reconstruido en un estudio de sonido en Londres para las escenas del concurso, mientras que las tomas del público n se realizaron con la audiencia de Tel Aviv. Los actores pusieron un acento islandés para la película con ayuda de profesores de dialecto y McAdams estudió videos del cantante islandés Björk .

A pesar de interpretar a una cantante, Rachel McAdams no interpreta las canciones de su personaje. La voz es en realidad interpretada por la cantante sueca Molly Sandén , quien formó parte del Festival de la Canción de Eurovisión Junior (2006),aparece acreditada como My Marianne, que es su segundo nombre. McAdams grabó las canciones y su voz se agregó para mezcla con la Sandén, su voz real se puede escuchar durante el primer ensayo de Eurovisión y cuando está escribiendo "Husavik" en su habitación de hotel. La voz de Dan Stevens también es doblada por otro cantante sueco, Erik Mjönes, la voz de Will Ferrell en las canciones no fue doblada.

La secuencia de la semifinal contiene varias inexactitudes: las semifinales no tienen un segmento de votación del jurado presentado en vivo. Eso sucede solo en la gran final. Las semifinales solo tienen los nombres de diez clasificados en orden aleatorio. España y el Reino Unido, como países "Cinco Grandes" (los mayores contribuyentes financieros del programa) no compiten en la semifinal, ya que están precalificados para la final todos los años de forma predeterminada. La puesta en escena sueca incluyó a siete personas y las reglas del festival la limitan a seis. Por el hecho de que las dificultades técnicas arruinaron su actuación, a Islandia se le habría ofrecido otra toma, independientemente de que el programa se transmita en vivo.

La película estaba inicialmente programada para su estreno en mayo de 2020 para coincidir con el Festival Eurovisión de ese año. Sin embargo, después de que se cancelara el concurso debido a la pandemia de COVID-19, la película se estrenó un mes después, el 26 de junio, en Netflix.

La sombra del Vampiro (Shadow of the Vampire)

Es una película dramática de terror con tintes de comedia negra del año 2000 dirigida por E. Elias Merhige, escrita por Steven Katz,y protagonizada por John Malkovich y Willem Dafoe. La película es documental ficticio de la realización de la película muda clásica de vampiros Nosferatus de F. W. Murnau. El film toma prestadas las técnicas del cine mudo, incluyendo el uso de intertítulos para explicar la acción y lentes de iris. La banda sonora original fue compuesta por Daniel Jones e incluye las oberturas de “Tristán e Isolda” y “El holandés errante” de Richard Wagner. La música que suena en el fonógrafo para establecer el estado de ánimo de los actores en algunas de las escenas es la banda sonora de Drácula (1979) escrita por John Williams.

Willem Dafoe y E. Elias Merhige  

En 1921, en algún lugar de Europa del Este, el director alemán Friedrich Wilhelm Murnau filma "Nosferatu", una película de vampiros inspirada en "El conde Dracula" de Bram Stoker. El director ha decidido contratar a Max Schreck, un vampiro auténtico, como protagonista. Trata de justificar ante el equipo de rodaje el peculiar comportamiento de Schreck, explicando que se trata de un actor formado por el mismísimo Stanislavsky. Si Schreck es capaz de actuar siguiendo las directrices de Murnau y de controlar hasta el final sus primitivas necesidades, recibirá como premio el sabroso cuello de Greta, la protagonista de la película.

Basado en parte en una leyenda urbana que asegura que el protagonista de Nosferatus Max Schreck era en realidad un vampiro por lo que realizo también el papel de Orlock / Drácula. Algunas variaciones de la leyenda sugieren que “Nosferatus” fue la única película que Schreck  aunque en realidad ya era un veterano actor de teatro y cine en el momento en que rodó la película , y aparecería en muchos papeles no vampíricos antes de su muerte en 1936. La película representa a varios de los personajes principales de la película original siendo asesinados por el vampiro; sin embargo, históricamente estos actores continuaron viviendo durante bastante tiempo después de la producción de la película original. Fritz Wagner y Albin Grau, a quienes se muestran con el cuello roto, vivieron hasta las décadas de 1950 y 1970, respectivamente. Greta Schroeder, continuó teniendo una carrera cinematográfica hasta la década de 1950 y murió en 1980. También es representada como una actriz famosa, pero, de hecho, era poco conocida, y en la década de 1930 sus papeles habían disminuido a sólo apariciones ocasionales. De todos los personajes, Murnau fue quien murió más pronto en un accidente automovilístico en California en 1931. La representación de la película de Murnau como despiadado y dictatorial también está equivocada. Era conocido como un director con rara sensibilidad.

La película fue la primera producida por Saturn Films la productora de Nicolas Cage quien tenía la intención de interpretar a Schreck, hasta que Dafoe fuera elegido después de que él expresara interés en el papel. Cage declaró que siempre quiso a Malkovich como Murnau. Los miembros de la comunidad en línea "The HollyWood Stock Exchange" donaron una pequeña suma de dinero a la producción de la película a cambio de que sus nombres aparecieran en el lanzamiento en DVD de la película como "productores virtuales". El título original de la película iba a ser “Burned to Light”, una referencia al proceso de filmación (y el destino final del vampiro en la película), pero el director decidió cambiarlo cuando Dafoe preguntó: "¿Quién es Ed?"; el actor pensó que el título era Burn Ed to Light.

La película recibió dos nominaciones al Oscar: mejor actor secundario (Willem Dafoe) y maquillaje. Dafoe ganó el Premios Independent Spirit y el de la Asociación de Críticos de Los Angeles a Mejor actor secundario y fue nominado en la misma categoría al Globo de Oro y a los premios del Sindicato de Actores. La película también recibió una Mención Especial del Jurado en el festival de cine de Sitges, etre otros premios y nominaciones.

Un día en Nueva York (On the Town)

Es una comedia musical en Technicolor de 1949 dirigida por Gene Kelly, quien también realizo las coreografias y Stanley Donen en su debut como director y está protagonizada por Kelly, Frank Sinatra, Jules Munshin, Betty Garrett y Ann Miller. Con música de Leonard Bernstein y Roger Edens y un guion de Betty Comden y Adolph Green. Es una adaptación del musical de Broadway del mismo nombre producido en 1944 (que en sí mismo es una adaptación del ballet Jerome Robbins titulado “Fancy Free” también se produjo en 1944), Gene Kelly sostuvo que esta es una de sus películas favoritas de todas las que participo. En una entrevista de la BBC, dijo: "Hicimos mejores films que este, pero esta fue la cúspide de nuestro talento. Eso fue todo".

Gene Kelly y Stanley Donen

Tres marineros, Gabey, Chip y Ozzie, consiguen un permiso de 24 horas en Nueva York y ¡la Gran Manzana nunca será la misma! Gabey se enamora perdidamente de "Miss Turnstiles" (piensa que es una debutante de la alta sociedad cuando realmente es una bailarina de Coney Island); Chip el más inocente de los tres es secuestrado (literalmente) por una conductora de taxi; y Ozzie se convierte en el objeto de interés de una antropóloga que cree que es el ejemplo perfecto de un "hombre prehistórico". "Excelente comedia musical, perfectas coreografías y una banda sonora de ensueño para un atractivo e inolvidable film".

En un principio Louis B. Mayer era reacio a comprar los derechos cinematográficos del exitoso musical de Broadway. Mayer había criticado la producción teatral como "obscena" debido a una escena en la que una mujer negra bailaba con un hombre blanco. La película varia bastante de la versión teatral se hicieron muchos cambios en el guion y la partitura de la versión original, la mayor parte de la partitura de Bernstein fue abandonada en favor de nuevas canciones de Edens, a quien no le gustaba la mayoría de la música de Bernstein por ser demasiado compleja y demasiado operística para el público cinematográfico. La película presenta solo cuatro canciones del musical original, y seis que fueron creadas especialmente para la pantalla. Esto hizo que Bernstein boicoteara la película, de todas formas la canción más conocida de la película sigue siendo suya “New York New York” , aunque la letra fue censurada por el Código Hayes La letra original era "Nueva York Nueva York ¡Es una ciudad infernal! Y tuvieron que cambiarlo a "¡Nueva York, Nueva York! ¡Es una ciudad maravillosa!". 

La película tenía un presupuesto de $ 1.5 millones, uno de los más bajos de la Metro para un musical Technicolor, con un calendario de rodaje planificado de solo 46 días. La película fue la primera vez que un estudio importante permitió rodar en exteriores. Rodar en Nueva York fue idea de Kelly y Donen, ya que el jefe de estudio Louis B. Mayer se negó a permitir, señalando los excelentes escenarios de Nueva York que tenía el estudio. Kelly y Donen se mantuvieron firmes, y finalmente Mayer cedió y permitió nueve días de rodaje en Nueva York y se usaron localizaciones como el Museo Americano de Historia Natural, el puente de Brooklyn y el Rockefeller Center. Los dos problemas principales que enfrentó en Nueva York fueron el clima (llovió durante la mayor parte del rodaje) y la popularidad de Frank Sinatra. Gene Kelly explicó que la película fue filmada en el apogeo de Sinatra y que Frank era reconocido instantáneamente por la gente en las calles. Para evitar multitudes, el elenco insistió en tomar taxis en lugar de limusinas para el transporte y que la cámara se ocultara dentro de una camioneta. Durante el final del número musical "Nueva York, Nueva York", que tiene lugar en la plaza del Rockefeller Plaza frente a la estatua de Prometeo, se puede ver en la parte superior de la última toma , las cabezas de cientos de curiosos mirando las tres estrellas.

Frank Sinatra no quería hacer la película, pero el productor Arthur Freed lo convenció con la promesa de que podría cantar la balada de Leonard Bernstein "Lonely Town" de la versión teatral, pero después de pregrabar la canción, los directores Gene Kelly y Stanley Donen decidieron no filmarla algo que disgusto mucho a Sinatra.Por primera vez en una película, cuatro bailarines de ballet entrenados sustituyeron a cuatro de los protagonistas: Frank Sinatra, Jules Munshin , Betty Garrett y Ann Miller (estos últimos tenían experiencia en Claqué, pero no ballet) en una secuencia de baile.  Frank Sinatra, que era muy delgado, tuvo que usar almohadillas protésicas para llenar la parte de sus caderas de su uniforme. En una entrevista de TCM, Ann Miller dijo que Sinatra era extremadamente sensible con respecto a su relleno y no le gustaban las películas en las que se tenia que ver su mitad inferior. Jules Munshin tenía pánico a las alturas. Mientras actuaba en el pequeño techo durante la canción "Nueva York, Nueva York", la única forma en que podía interpretar el número era mientras un extremo de una cuerda estaba asegurado alrededor de su cintura debajo de su traje de marinero. El otro extremo de la cuerda estaba asegurado, fuera de cámara y aun así, en la escena se nota que Munshin casi siempre toca una pared o un accesorio u otro actor.

La película fue un éxito inmediato y ganó el Oscar a la mejor música y fue nominada a un premio Globo de Oro a la mejor fotografía y al BAFTA a mejor película. Los guionistas Comden y Green ganaron el premio del Writers Guild of America al mejor musical estadounidense.; En 1955 se estrenó la película “Siempre hace buen tiempo” que estaba concebida originalmente como una secuela de “Un día en Nueva York”  y donde los tres marineros hicieron una promesa: encontrarse en un lugar concreto diez años después de la guerra.  Gene Kelly quería rodarla con sus coprotagonistas Frank Sinatra y Jules Munshin pero el nuevo jefe de producción de la MGM, no quería contratar a Sinatra ni a Munshin; el primero debido a su difícil reputación laboral, el segundo porque ya no era popular entre el público. Finalmente, Kelly eligió a los bailarines Dan Dailey, que tenía contrato con MGM, y Michael Kidd, que tenían más experiencia como coreógrafo que como actor. Kelly le pidió a su viejo amigo y colaborador Stanley Donen que codirigiera con él. Pero Donen no quería volver a colaborar con Kelly, pero aceptó de mala gana. Kelly y Donen se enfrentaron por motivos creativos durante el rodaje y nunca volvieron a trabajar juntos, y su amistad finalizo.  En 2006, la película ocupó el puesto número 19 en la lista de los mejores musicales del American Film Institute. En 2018, la Biblioteca del Congreso Estadounidense seleccionó la película para su conservación en el Registro Nacional de Películas como "cultural, histórica o estéticamente significativa".

Delicatessen

Es una película de culto, una comedia negra francesa post-apocalíptica de 1991 dirigida por Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro quienes también escribieron el guion junto a Gilles Adrien. La película está protagonizada por Dominique Pinon, Howard Vernon, Chick Ortega, Pascal Benezech, Marie-Laure Dougnac y Jean-Claude Dreyfus entre otros. Marc Caro, el codirector y escritor y diseñador del set realiza un cameo como 'Fox', uno de los 'trogolodistes'. La banda sonora es del compositor francés de origen argentino Carlos d'Alessio, siendo la ultima obra que compuso para una película antes de fallecer em 1992. 

Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet 

En un edificio de apartamentos en ruinas en una Francia postapocalíptica, la comida es escasa y el grano se usa como moneda. En la planta baja hay una carnicería, dirigida por el arrendador, Clapet, que publica ofertas de trabajo en el periódico Hard Times para atraer a las víctimas al edificio, a quien asesina y mata como una fuente barata de carne para vender a sus inquilinos. Tras el asesinato del último trabajador, Louison un payaso de circo desempleado solicita el puesto vacante. Durante sus rutinas diarias, se hace amigo de la hija de Clapet, Julie, una relación que lentamente se convierte en un romance.

Desde su secuencia de apertura gloriosamente loca hasta su escena de amor hilarantemente rítmica y su enfrentamiento culmen en las entrañas de las alcantarillas de la ciudad, Delicatessen es una fantasía extrañamente inspirada y oscuramente cómica. No solo es rara por el bien de la rareza, la película es una historia sorprendentemente tierna que gira en torno a Louison, un buen hombre atrapado en un mundo malo, que siempre se lamenta por su alma gemela, Louison es heroico, inocente y cómico, todo al mismo tiempo. Sin embargo, lo que hace que Delicatessen sea ​​más memorable es su aspecto postapocalíptico de ensueño. Los directores Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet idearon la película con el escritor Gilles Adrien , principalmente autor de cómics; Dadas sus imágenes únicas, tiene sentido que el igualmente inventivo Terry Gilliam presentara el lanzamiento mundial de la película.

Delicatessen fue la primera película completa realizada por Caro y Jeunet, pero en realidad fue planeada después de que se rechazara la que más tarde se convertiría en su segunda película “La ciudad de los niños perdidos” porque los productores pesaban que era demasiado cara para unos directores desconocidos en ese momento. Por esa razón, presentaron Delicatessen con un presupuesto muy apretado, con un equipo muy restringido, muchos amigos y familiares de ambos directores aparecieron en el reparto, y la mayoría de los accesorios son en realidad cosas viejas reutilizadas para reducir costes.

Jean-Pierre Jeunet tuvo la idea general de la película en 1988 mientras estaba de vacaciones en Estados Unidos. Dijo que después de alojarse en los hoteles de ese país sintió que la comida era tan mala que "sabía a humanos de verdad" y la idea de un carnicero caníbal surgió cuando vivía en un apartamento encima de una carnicería. Cada mañana a las 7 de la mañana oía el choque metálico de cuchillos y un grito de voz: "¡Chop chop!" Su novia dijo que estaba eliminado a los vecinos, y que sería su turno la próxima semana.

La película ha ganado y ha sido nominada para varios premios europeos importantes. En los Premios César ganó la Mejor Edición, Mejor Debut, Mejor Diseño de Producción y Mejor guion, en los Premios del Cine Europeo ganó el Mejor Diseño Escenográfico, el Premio del Jurado del Público en el Gremio de Cinemas de la Casa de Arte Alemana, Mejor Película Extranjera, en Mejor actor en el Festival Internacional de Sitges, mejor director, mejor banda sonora original y premio de la Asociación de críticos y escritores del guionista catalán. En el Festival Internacional de Cine de Tokio, ganó el Premio de Oro. La película fue nominada para el Gran Premio del Sindicato Belga de Críticos de Cine. También recibió una nominación a la mejor película extranjera en los premios BAFTA.