domingo, 19 de noviembre de 2017

Rebelion en la Granja (Animal Farm)



Es una novela alegórica de George Orwell, publicada por primera vez en Inglaterra el 17 de agosto de 1945. Según Orwell, el libro refleja acontecimientos que condujeron a la Revolución Rusa de 1917 y luego a la era estalinista. Orwell, un socialista democrático, era muy crítico con el stalinismo, una actitud que fue marcada por sus experiencias durante la guerra civil española . El creía que la Unión Soviética, se había convertido en una dictadura brutal, reforzada por un reinado de terror . En una carta, Orwell describió el libro  como un relato satírico contra Stalin y en su ensayo " Why I Write " (1946), escribió que fue el primero Libro en el que intentó, con plena conciencia, "unir el propósito político y el propósito artístico en un todo".

Los animales de la Granja, alentados por el viejo "cerdo Mayor", que antes de morir explicó a todos los animales su visión del mundo, llevan a cabo una revolución en la que consiguen expulsar al granjero y crear sus propias reglas. Al principio, la granja, (que pasa a llamarse Granja Animal) es más próspera incluso que cuando el granjero la administraba. Sin embargo, con el paso del tiempo los cerdos, que se habían auto erigido como líderes por su inteligencia, empiezan a abusar de su poder.

El título estaba subtitulado A Fairy Story (un cuento de hadas) ;  Otras variaciones incluyen subtítulos como " Una sátira  " y " una sátira contemporánea ". Orwell sugirió el subtitulo: Unión de los republiques socialistes animales para la traducción francesa,  que se abrevia a URSA, la palabra latina para "oso", un símbolo de Rusia . También jugó en el nombre francés de la Unión Soviética, Union des républiques socialistes soviétiques . 


Escribió el manuscrito entre 1943 y 1944 después de sus experiencias durante la Guerra Civil española, que describió en Homenaje a Cataluña (1938). En el prefacio de una edición ucraniana de 1947, explicó cómo escapar de las purgas comunistas en España le enseñó "cuán fácilmente la propaganda totalitaria puede controlar la opinión de la gente ilustrada en los países democráticos". Esto motivó a Orwell a exponer y condenar enérgicamente lo que él veía como la corrupción estalinista de los ideales socialistas originales. En aquella época el Reino Unido mantenía una alianza de guerra con la Unión Soviética, el pueblo británico y la intelectualidad tenían a Stalin en alta estima, un fenómeno que Orwell odiaba. El autor encontró inicialmente dificultades para conseguir que el manuscrito fuera publicado, en gran parte debido a los miedos que el libro pudiera interferir en la alianza entre Gran Bretaña, los Estados Unidos, y la Unión Soviética. Cuatro editores se negaron; una que había aceptado inicialmente el trabajo, pero lo rechazó después de consultar al Ministerio de Información. Esto dejo claro a Orwell que, Durante la Segunda Guerra Mundial, la literatura antisoviética no era algo que las editoriales publicarían. Finalmente, cuando se publicó se convirtió en un gran éxito comercial en parte porque las relaciones internacionales se transformaron cuando la alianza de guerra dio paso a la Guerra Fría.

Orwell escribió originalmente un prefacio quejándose de la autocensura británica y cómo el pueblo británico estaba suprimiendo las críticas de la URSS, su aliado de la Segunda Guerra Mundial, aunque la primera edición permitió el prefacio, no fue incluido en ediciones posteriores, volvió a aparecer a partir de 2009 pero la mayoría de las ediciones del libro no lo han incluido. En el Bloque del Este, tanto rebelión en la granja como 1984 estaban en la lista de libros prohibidos hasta el final del régimen comunista en 1989 y sólo estaban disponibles a través de redes clandestinas.

Ha sido adaptado dos veces al cine. Ambas difieren de la novela y se han tomado libertades significativas. Una en 1954 con personajes animados y la otra en 1999 con animales vivos. También se ha llevado a la radio al teatro y ha inspirado a diversos grupos musicales como a Pink Floyd, REM, Radiohead, The Clash entre otros. La revista Time eligió el libro como una de las 100 mejores novelas en inglés también figuró lista de las mejores novelas del siglo XX . Ganó un Premio Hugo Retrospectivo en 1996, y está incluido en la selección Great Books of the Western World.



Ordet " La Palabra "( Ordet)



Es una película dramática danesa  de 1955 , dirigida por Carl Theodor Dreyer . Se basa en una obra de teatro  de Kaj Munk , sobre un cura luterano danes, representada por primera vez en 1932. Más cercano a las artes plásticas que a la pura narración de historias, Dreyer plantea esta película como un torrente de espiritualidad, rodeándola de un ambiente místico en el que se interesa por tratar, por encima de todo, la inseguridad del individuo ante los caprichos de la fe y de la razón. Rodada en 1954 y 1955, Ordet  supone la culminación del lenguaje cinematográfico de Dreyer, distanciado de un cine convencional que nunca entendió.

Hacia 1930, en un pequeño pueblo de Jutlandia occidental, vive el viejo granjero Morten Borgen. Tiene tres hijos: Mikkel, Johannes y Anders. El primero está casado con Inger, tiene dos hijas pequeñas y espera el nacimiento de su tercer hijo. Johannnes es un antiguo estudiante de Teología que, por haberse imbuido de las ideas de Kierkegaard e identificarse con la figura de Jesucristo, es considerado por todos como un loco. El tercero, Anders, está enamorado de la hija del sastre, líder intransigente de un sector religioso rival. Tal circunstancia revitaliza la discordia que siempre ha existido entre las dos familias, ya que ninguna ve con muy buenos ojos que sus hijos contraigan matrimonio.


Después de varios años de problemas financieros que habían estancado su carrera en el cine , en 1952 a Dreyer se le  concedido un alquiler de por vida del  Dagmar Bio, un teatro de arte en Copenhague.  El gobierno danés había otorgado a menudo tales concesiones a los artistas más veteranos  y las ganancias del teatro permitieron a Dreyer comenzar la producción en una nueva película. Alrededor de ese tiempo, se recibió una sugerencia para la siguiente película de Dreyer del gobierno, la obra de Kaj Munk “ I Begyndelsen var Ordet “ (fue escrita en 1925 y estrenada en Copenhague en 1932. Dreyer había asistido al estreno de la obra y había estado escribiendo notas para una adaptación cinematográfica desde 1933.)  Munk había realizado un guion para una versión cinematográfica, que intentó sin éxito intentar vender a varias productoras cinematográficas hasta 1943 que ue llevada al cines en Suecia y que no pudo estrenarse en Dinamarca hasta después de la Segunda Guerra Mundial .  Se decidido finalmente  que Dreyer  realizara la película y fue pagado retroactiva mente por sus años de trabajo en el guion. Por razones legales, debido a  la película de 1943 se tuvo que esperar  hasta 1954 para comenzar la producción en la película. Dreyer hizo cambios de  la obra original, como la introducción de la primera escena  de la película, omitiendo la historia de amor anterior de Johannes que contribuyo a su enfermedad mental  y elimino dos tercios del diálogo original de Munk. Aunque fue  cuidadoso para  permanecer fiel al  mensaje de la obra.

El rodaje duró cuatro meses: dos meses en un estudio y dos meses en Vedersø , una aldea en Jutlandia occidental donde Munk había servido como sacerdote luterano. La película tiene un total de 114 tomas individuales, la mitad de las cuales se producen en la primera y última escena de la película. Muchas escenas  duraron hasta siete minutos. Dreyer utilizó sobre todo toma larga y una cámara lenta, como su estilo había estado introduciendo progresivamente hacia  varios años. También prestó mucha atención a cada detalle durante la filmación y más tarde dijo que "hizo que el equipo de la película equipar la cocina con todo lo que él consideraba adecuado para una cocina del país. Entonces ... se puso a colocar y quitar objetos. quince se quedaron , pero eran lo que se necesitaba  para crear la ilusión psicológica adecuada ". El método de rodaje de Dreyer era rodar una escena  individual por día. Por las mañanas ensayaba con los actores y preparaba las cámaras . Luego, al final del día, filmaba la escena  generalmente entre 2 y 3 tomas. Dreyer optó por no pre-planear las escenas  y cada decisión fue tomada el día del rodaje.  Los movimiento de los actor fue tan preciso y cuidadosamente planeado que muchos de ellos tuvieron que contar sus pasos mientras decían su diálogo.  Dreyer personalmente escogió los trajes para cada actor e incluso fue a comprar medias. También contrató a un especialista en lingüística para asegurarse de que todos los actores hablaban el mismo dialecto que los personajes que interpretaban.
Dreyer arreglando en vestuario a uno de los actores
Dos veces en la película, se ve una cruz erigida en el lugar donde se encontró el cuerpo de Kaj Munk . Fue asesinado en 1944 durante la ocupación nazi de Dinamarca por predicar abiertamente contra la colaboración con el régimen. Al igual que su personaje, Federspiel estaba realmente embarazada durante la producción de la película y se puso de  parto hacia el final del rodaje . Ella estuvo de acuerdo en permitir que Dreyer grabe el audio de su parto y luego uso la grabación como un efecto de sonido en la película . Mientras esperaba que Federspiel regresara a la producción después de dar a luz Dreyer planeó la escena final de la resurrección. Se rodaron dos versiones diferentes de la escena, una versión de la obra de Munk que sugiere la posibilidad de que Inger no estaba realmente muerta y una versión donde la resurrección es un auténtico milagro. Dreyer eligió usar la segunda versión en la película.



La película es  considerada  por muchos críticos como una obra maestra, admirada en particular por su cinematografía,en un bellísimo blanco y negro, la luz y el detalle en los rostros y los objetos juegan un papel básico en los espacios y los encuadres, recordándonos la pintura flamenca y sobre todo  al pintor danés Vilhelm Hammershøi, al que  Dreyer admiraba , con el que comparte el convencimiento de que, en los interiores, se consigue mayor dramatismo, y en ambos la quietud de su figuración nos enfrenta inevitablemente a la idea de la muerte. Ordet es considerada una las cumbres del cine europeo de todos los tiempos, ganó el León de Oro de Venecia en 1955 y  el globo de oro a la mejor película extranjera fue la única película de Dreyer ser a la vez un éxito crítico y financiero.

miércoles, 15 de noviembre de 2017

Contrato con Dios (A Contract with God)



Es una novela gráfica del dibujante estadounidense Will Eisner publicado en 1978. Son 4  cuentos cortos que giran en torno a  judíos pobres que viven en un edificio en la ciudad de Nueva York . Eisner dibujo dos secuelas ambientadas en el mismo edificio: Ansia de vivir( A Life Force) en 1988 y La avenida Dropsie (Dropsie Avenue) en 1995. Ha sido frecuentemente, aunque erróneamente, considerada como la primera novela gráfica; el término ya  había sido utilizado en 1964 en un boletín de noticias y había aparecido en la portada de varias publicaciones, pero libro si popularizado el uso del termino.

Después de la introducción del  autor, "A Tenement in the Bronx" , el libro contiene cuatro historias ambientadas en un edificio de viviendas ;  que derivan en parte de los recuerdos personales de Eisner que crecen en un bloque de viviendas  en el Bronx y en sus  sentimientos después del fallecimiento de su hija Alice de 16 años que  murió después de una batalla de dieciocho meses con la leucemia . Eisner se enfureció y se preguntó cómo  Dios podía permitir que tal cosa sucediera e intento paliar su dolor al sumergirse en la creación de estas historias. Con el  libro también  quiere  explorar un área de la historia judío-americana que él pensaba que estaba poco documentada, mientras que demostraba que el cómic era capaz de una expresión literaria madura, en un momento en que recibía poca consideración como un medio artístico. En el prefacio afirmó su objetivo de mantener la exageración en su caricatura dentro de límites realistas.


"Un contrato con Dios"
En Rusia, el joven y profundamente religioso Frimme Hersh  talla un contrato con Dios en una tablilla de piedra para vivir una vida de buenas obras y le atribuye su éxito posterior en la vida.  Se traslada a Nueva York, a un edificio de vivienda en 55 Dropsie Avenue, y vive una vida sencilla dedicada a Dios. Adopta a una niña, Rachele, que es abandonada en su puerta. Cuando ella muere de una enfermedad repentina, Hersh se enfurece, y acusa a Dios de violar su contrato. Eisner llamó a la creación de la historia "un ejercicio de angustia personal" , ya que todavía estaba afligido y enojado por la muerte de su hija Alice En los primeros bosquejos de la historia, Eisner usó el nombre de su  hija.

"El cantante de la calle"
Marta Maria, una vieja cantante de ópera, trata de seducir a un joven, Eddie, a quien encuentra cantando en los callejones entre edificios de viviendas. Había renunciado a su propia carrera de cantante para un marido alcohólico; pero  espera volver a la industria del espectáculo como mentora de Eddie. Eisner basó la historia en las sus recuerdos  de un desempleado que cantaban "canciones populares o arias  óperas ". Eisner recordaba haber lanzado  monedas al cantante de vez en cuando, y consideró que "fue capaz de inmortalizar su historia".

"El Super"
Aquellos que viven en el  55 Dropsie Avenue temen y desconfían de su superintendente antisemita , el Sr. Scuggs. La joven sobrina Rosie de la señora Farfell baja a su apartamento y le ofrece un vistazo a sus bragas por un centavo. Después de recibir el níquel, ella envenena al perro de Scuggs  único compañero, Hugo, y le roba dinero.  Eisner se  basó al superintendente que conoció en su niñez. Eisner agregó una página a la edición 2006 a esta historia.

"Cookalein"
Para estar a solas con su amante, un hombre llamado Sam envía a su esposa y sus hijos a las Montañas Catskill , Un cortador de ropa llamado Benny y una secretaria llamado Goldie se alojan en un hotel caro, con la esperanza de encontrar a alguien rico con quien  casarse; se confunden entre sí con su objetivo rico. Una mujer mayor seduce al hijo de Sam de quince años de edad, Willie  son descubiertos por su marido quien, después de golpearla, le hace el amor delante del chico. Esta es la  más abiertamente autobiográfico de las historias-Eisner usó los nombres reales de los miembros de su familia,  fue "una combinación de invención y recuerdo".


Las historias están temática mente vinculadas con la frustración, la desilusión,la  violencia y cuestiones de identidad étnica. Eisner utiliza imágenes grandes, monocromáticas en una perspectiva dramática, y hace hincapié en las expresiones faciales de los personajes caricaturizados; pocas viñetas  tienen bordes tradicionales alrededor de ellas. Las historias  mezclan el melodrama con el realismo social . El contenido sexual de las historias es prominente, aunque no en la manera gratuita de la celebración del hedonismo ya  que contrastaba con el estilo de vida conservador de Eisner, el hombre de negocios de mediana edad. La alusiones no son tanto eróticas como inquietante, de personajes frustrados o llenos de culpa.


La narración está escrita como parte de una obra de arte, en lugar de ser separada en las cajas de subtítulos, y Eisner hace poco uso de paneles convencionales de estilo caja, evitando a menudo las fronteras del panel enteramente,  delimitando espacios con edificios o marcos de ventanas.  Las páginas no están atestadas y tienen grandes dibujos que se centran en la expresión facial.  Permitió que la longitud de las historias se desarrollara en base a su contenido, en lugar de un recuento de páginas establecido como  tradicional en los cómics antes de ese tiempo. Eisner enfatiza el ajuste urbano con la perspectiva dramática, vertical, y las ilustraciones oscuras con mucho claroscuro  y utiliza los motivos visuales para mantener  las historias unidas . Las ilustraciones monocromáticas se imprimieron en tonos sepia , en lugar de convencionales en blanco y negro.  A diferencia de los cómics del género de superhéroes, en los que Eisner hizo un trabajo destacado al principio de su carrera, los personajes de Un contrato con Dios no son heroicos; a menudo se sienten frustrados e impotentes, incluso cuando realizan acciones aparentemente heroicas para ayudar a sus vecinos. Los personajes se representan de una manera caricaturizada que contrasta con los fondos realistas. 


Eisner tardo  dos años en  terminar el libro. Trabajó a través de una variedad de enfoques y estilos, y jugó con el uso de color, superposiciones o lavados, antes de instalarse en un estilo forrado impreso en sepia. Como no tenía fecha límite, él volvió a trabajar y rescribir  las historias hasta que estuvo  satisfecho.  Pretendía tener un público adulto, y quería que se vendiera en las librerías en lugar de tiendas de cómic; como tal, rechazó algunas  ofertas de editoriales de cómic y a su vez fue rechazado por diversas editoriales de libros, finamente, una pequeña editorial de Nueva York, acordó publicarlo pero al no tener un  financieramento sano, Eisner le prestó dinero para asegurar que el libro fue publicado. Eisner había pensado originalmente en llamar
el libro Tenement Stories , Tales from the Bronx ,  o A Tenement in the Bronx , pero la editorial  lo tituló Un contrato con Dios , como la primera historia ya que  el término "tenement "(edificio de múltiples ocupaciones de cualquier tipo. Sin embargo en los Estados Unidos ha llegado a significar un edificio de apartamentos deteriorado, un barrio pobre.) no era conocido fuera de los Estados Unidos.  Las ventas fueron pobres, pero la demanda aumentó a lo largo de los años convirtiéndose en un gran clásico de la Novela gráfica y se considera un hito en la historia del cómic estadounidense no sólo por su formato, sino también por sus aspiraciones literarias y por haber prescindido de los tópicos des género del cómic.