La nariz (Нос)

Es un cuento satírico del novelista, dramaturgo, poeta, crítico ruso de origen ucraniano Nikolai Gogol, Escrito entre 1835 y 1836, fue publicada originalmente en el Sovremennik, una revista literaria propiedad de Alexander Pushkin (fue un poeta, dramaturgo y novelista ruso de la época romántica, es considerado por muchos como el más grande poeta ruso y el fundador de la literatura rusa moderna.)  El uso de una nariz como la principal fuente de conflicto en la historia podría deberse a la propia experiencia de Gogol con su nariz de forma extraña, que a menudo era objeto de bromas. El uso de hitos icónicos en la historia, así como el absurdo de la historia, han convertido a "La Nariz" en una parte importante de la tradición literaria rusa.

"La Nariz" se divide en tres partes y cuenta la historia del comandante Kovalyov que se levanta un día y advierte que ha perdido su nariz. Más tarde se la encuentra por la calle y descubre que finge ser un ser humano y hasta ha desarrollado su propia vida social y que incluso ha alcanzado un estatus más alto que el suyo. Escrita durante el periodo en que Nikolai Gogol vivió en San Petersburgo. Durante este tiempo, las obras de Gogol se centraron en el surrealismo y lo grotesco, con un giro romántico. 

En 1835 presento una primera versión de la historia en la revista "The Moscow Observer " pero esta se negó a publicar la historia de Gogol, calificándola de "mala, vulgar y trivial".  Pero, a diferencia del periódico Pushkin creía que la obra era "inesperada, fantástica, divertida y original" y decido publicar la historia en su revista en 1836. La historia "Nariz" ha sufrido una serie de censuraa, como resultado de lo cual el autor reescribió una serie de detalles, el final de la historia cambió varias veces.

La sociedad y la clase desempeñaron un papel muy importante durante el tiempo de Gogol. Con la introducción de la Tabla de Rangos por parte de Pedro el Grande (La tabla de rangos determinaba la posición y el estado de una persona tomando como base los servicios al Zar, y no su origen social o su procedencia.), una parte completamente nueva de la población pudo ascender socialmente si trabajaban lo suficiente. En una sociedad que estaba obsesionada con el estado, las personas siempre tenían que lucir lo mejor posible y priorizar su apariencia externa. Cuando el comandante Kovalyov ve su propia nariz vestida con el uniforme de un oficial de rango más alto que él, se avergüenza momentáneamente y no puede acercarse a la nariz. Incluso dentro del contexto de un escenario ridículo, los sentimientos de inferioridad y celos aún logran arrastrarse en la mente del Mayor Kovalyov.

El tema de la identidad se destaca por la forma en que la nariz es fácil de identificar y no serlo en varios momentos de la historia.  El peluquero reconoce al dueño de la nariz muy rápidamente cuando lo ve. Sin embargo, la nariz puede escabullirse de Kovalyov disfrazándose de médico. Este ir y venir entre la identidad de la nariz enfatiza la sociedad rusa de la época que valoraba la apariencia externa mucho más que la verdadera identidad. El comandante Kovalyov es un oficial menor que actúa como si tuviera una clasificación mucho más alta de lo que realmente es. Se refiere a las mujeres como prostitutas y les pide que vayan a su apartamento. Sus principales objetivos en la vida son escalar posiciones y casarse bien, pero sin su nariz, no puede hacer ninguna de las dos cosas.

Lo sobrenatural también es importante en esta historia. La nariz es capaz de transformar su tamaño dependiendo de lo que se necesita para avanzar en la trama.  A veces, se representa como el tamaño de una nariz común, mientras que otras veces se representa con el mismo tamaño que un humano. Esta extraña habilidad juega con lo absurdo de la historia y se suma a su tono cómico.

Algunos revisores analizan la historia literalmente en lugar de buscar significado simbólico. Una interpretación literal sugiere que la historia de Gogol se trata de la importancia de la percepción olfativa, que está oscurecida en la sociedad occidental por un enfoque en la visión y la apariencia de la nariz.  Esta interpretación es consistente con la creencia de Gogol de que la nariz es la parte más importante de la anatomía de una persona.  El comandante Kovalyov se obsesiona por su apariencia y rango. Su comportamiento refleja la influencia de la cultura occidental orientada a la visión que enfatiza la desodorización y la higiene y, sin embargo, está profundamente molesto cuando pierde la nariz, lo que demuestra que la sensación olfativa sigue siendo importante a pesar de la influencia occidental.

Al final de la historia, parece que Gogol está hablando directamente con el lector. Nunca se explica por qué la nariz se cayó, por qué podría hablar, ni por qué se volvió a unirse. Al hacer esto, Gogol estaba jugando con las suposiciones de los lectores, que felizmente pueden buscar historias absurdas, pero al mismo tiempo, todavía desean una explicación normal. Los críticos notan que el título de la historia en ruso (Нос, " Nos ") es el reverso de la palabra rusa para " sueño " (Сон, " Son ").  Como el mismo narrador señala, la historia "contiene mucho que es altamente inverosímil", mientras que una versión anterior de la historia terminaba con Kovalyov despertando y dándose cuenta de que la historia era de hecho un sueño, pero al cambiar el fina la historia se convierte en una precursora del realismo mágico, como un elemento irreal se teje en una narración realista.  El comandante Kovalyov es una persona con muchas inconsistencias y contradicciones. Gogol usa esto para resaltar la "identidad fracturada del personaje principal".  Hay un desequilibrio significativo en cómo Kovalyov se ve a sí mismo, y cómo el mundo exterior lo percibe. En lugar de centrarse en su apariencia interior, toda su energía y pensamiento se dirigen a mantener su apariencia exterior.  Este tipo de retrato de un ciudadano normal de San Petersburgo refleja la posición de Gogol, que ve la jerarquía social de la ciudad desde una perspectiva externa.

Algunos críticos han interpretado que la historia se refiere a un complejo de castración: la eliminación de la nariz de Kovalyov (y el desarrollo de una mente propia) amenazan a la vez sus posibilidades de adquirir una posición de poder y de tener éxito con las mujeres.  En Rusia, apareció una versión que transformo la palabra нос para que el lector se inclinara a interpretarla como хуй, la palabra tabú rusa para pene. Se puede decir que Kovalyov iguala la pérdida de la nariz con la castración o la impotencia.  Su nariz sirve como un símbolo de su propio esnobismo y actitud pretenciosa.  Una vez que pierde la nariz, su actitud completa hacia el mundo cambia.  Su nariz actúa como la fuente de su propio orgullo, y es lo que le permite despreciar a los demás. La pérdida de su nariz representa una pérdida de su identidad. Dado que su identidad se define principalmente por su apariencia exterior, la pérdida de esa apariencia lo devasta.

Desde su publicación, " La Nariz " ha intrigado a los críticos con su absurda historia y comentario social.  Lo absurdo de la historia crea una cierta distancia entre el autor y el lector, que brinda una oportunidad para que los lectores disfruten de los aspectos cómicos de la historia, pero un análisis más detallado permite a los lectores ver que la historia es una crítica de su vida cotidiana. La obra ha sido adaptada a diversos medios como las óperas de Dmitri Shostakovich y Andrei Amalrik varios cortos de animación, películas, series de televisión y teatro, el Museo de Arte Erótico de Moscú realizó una adaptación en la que Vladimir Putin perdía sus genitales coincidiendo con las elecciones presidenciales de 2012. También existe una referencia implícita a esta historia en la película de Woody Allen, “El dormilón” y el director de cine David Lynch comento que la lectura del cuento cuenda era estudiante le influencio para escribir el guion de su primera película “Cabeza borradora”. 

El año pasado en Marienbad (L'Année dernière à Marienbad)

Es una película franco-italiana de 1961 en blanco y negro dirigida por Alain Resnais a partir de un guion de Alain Robbe-Grillet, influenciado por la novela “La invención de Morel” del escritor argentino Adolfo Bioy Casares. Está protagonizada por Delphine Seyrig y Giorgio Albertazzi como una mujer y un hombre que se conocieron el año anterior en Marienbad (es una ciudad balnearia de la República Checa. La ciudad, rodeada de montañas verdes, es un mosaico de parques y casas nobles. La mayoría de sus edificios provienen de la época dorada de la ciudad en la segunda mitad del siglo XIX, cuando muchas celebridades y los principales gobernantes europeos llegaron a disfrutar de los curativos manantiales de dióxido de carbono.)  y que pudieron haber contemplado o iniciado una aventura amorosa, con Sacha Pitoëff como segundo hombre que puede ser el esposo de la mujer. Los personajes no tienen nombre, en el guion publicado, se hace referencia a la mujer con la letra "A", el primer hombre es "X" y el hombre que puede ser su esposo es "M". El diseñó el vestuario fue realizado por Coco Chanel.

 Giorgio Albertazzi, Alain Resnais y Delphine Seyrig

En un barroco hotel, poblado por parejas adineradas que socializan entre sí, un extraño, intenta persuadir a una mujer casada de que abandone a su marido y se fugue con él. Se basa en una promesa que ella le hizo cuando se conocieron el año anterior, en Marienbad, pero la mujer parece no recordar aquel encuentro. A través de flashbacks ambiguos y desorientadores cambios de tiempo y ubicación, la película explora las relaciones entre los tres personajes. "Fascinante y desconcertante película. A medio camino entre la realidad y el sueño, el documental y la ficción, peculiar alegoría sobre la muerte.

La película es famosa por su estructura narrativa enigmática, en la que el tiempo y el espacio son fluidos, sin certeza sobre lo que les está sucediendo a los personajes, lo que están recordando y lo que están imaginando. Su naturaleza onírica ha fascinado y desconcertado a los espectadores; muchos han elogiado el trabajo como una obra maestra, aunque otros lo han encontrado incomprensible. Numerosas explicaciones de los eventos de la película se han presentado: que es una versión del mito de Orfeo y Eurídice; que representa la relación entre el paciente y el psicoanalista; que todo tiene lugar en la mente de la mujer; que todo tiene lugar en la mente del hombre, y muestra su negativa a reconocer que ha matado a la mujer que amaba; que los personajes son fantasmas o almas muertas en el limbo; etc. Algunos han notado que la película tiene la atmósfera y la forma de un sueño, que la estructura de la película puede ser entendida por la analogía de un sueño recurrente, o incluso que la reunión del hombre con la mujer es el recuerdo de un sueño.

Otros han tenido en cuenta, al menos como punto de partida, las indicaciones dadas por Robbe-Grillet en la introducción de su guion: "Dos actitudes son posibles entonces: o el espectador intentará reconstituir algún esquema 'cartesiano' - el más lineal, el es más racional que pueda imaginar, y este espectador encontrará la película difícil o incomprensible, o el espectador se dejará arrastrar por las extraordinarias imágenes frente a él y para este espectador, la película parece la más fácil que jamás haya visto: una película dirigida exclusivamente a su sensibilidad, a sus facultades de vista, oído y sentimiento ".  Robbe-Grillet ofreció una sugerencia más de cómo se podría ver el trabajo: "La película completa, de hecho, es la historia de una persuasión se trata de una realidad que el héroe crea a partir de su propia visión, por sus propias palabras ". Resnais, por su parte, dio una explicación más abstracta del propósito de la película: "Para mí, esta película es un intento, aún muy crudo y muy primitivo, de abordar la complejidad del pensamiento, de sus procesos".

La película fue creada a partir de una inusual colaboración entre su escritor Alain Robbe-Grillet y su director Alain Resnais. Robbe-Grillet la describió así: “Alain Resnais y yo pudimos colaborar solo porque habíamos visto la película de la misma manera desde el principio, y no solo en rasgos generales, sino exactamente, en la construcción del menor de los detalles como en su arquitectura total. Lo que escribí podría haber sido lo que ya estaba en su mente; lo que él agregó durante el rodaje fue lo que podría haber escrito. ... Paradójicamente casi siempre trabajamos por separado”.   Robbe-Grillet escribió un guion muy detallado, especificando no solo la decoración y los gestos, sino también la ubicación y el movimiento de la cámara y la secuencia de tomas en la edición. Resnais filmó el guion con gran fidelidad, haciendo solo modificaciones limitadas que parecían necesarias. Robbe-Grillet no estuvo presente durante el rodaje. Cuando vio el corte aproximado, dijo que había encontrado la película tal como lo había pensado, al tiempo que reconocía cuánto había agregado Resnais para que funcionara en la pantalla y completara lo que faltaba en el guion. Mas tarde Robbe-Grillet publicó su guión, ilustrado por escenas de la película, como un "ciné-roman" (ciné-novela).

A pesar de la estrecha correspondencia entre las obras escritas y filmadas, se han identificado numerosas diferencias entre ellas. Dos ejemplos notables son la elección de la música en la película (la partitura de Francis Seyrig introduce el uso excesivo de un órgano) y una escena cercana al final de la película en la que el guion describe explícitamente una violación, mientras que la película sustituye una serie de repeticiones de viajeros en blanco que se mueven hacia la mujer.  En posteriores declaraciones de los dos autores de la película, reconocieron en parte que no compartían del todo la misma visión de la misma.

La filmación tuvo lugar durante un período de diez semanas entre septiembre y noviembre de 1960 en Alemania principalmente en Baviera. Los lugares utilizados para la mayoría de los interiores y los jardines fueron los palacios de Schleissheim y Nymphenburg , incluido el pabellón de caza de Amalienburg , y el Antiquarium de la Residenz , todos ellos alrededor de Munich. Escenas interiores adicionales se filmaron en los estudios en París. (No se realizó ninguna filmación en la ciudad balneario checa de Marienbad , y la película no permite al espectador saber con certeza qué escenas, en su caso, se deben ubicar allí). 

La película crea continuamente una ambigüedad en los aspectos espaciales y temporales de lo que muestra, y crea incertidumbre en la mente del espectador sobre las relaciones causales entre los eventos. Esto se pudo lograr a través de la edición, dando información aparentemente incompatible en tomas consecutivas, o dentro de un plano que parece mostrar yuxtaposiciones imposibles, o mediante repeticiones de eventos en diferentes configuraciones y decorados. Estas ambigüedades se combinan con contradicciones en el comentario en off del narrador.  Entre las escenas notables de la película hay una en la que dos personajes (y la cámara) salen corriendo del castillo y se enfrentan con un cuadro de figuras ordenadas en un jardín geométrico; aunque la gente proyecta largas sombras dramáticas (que fueron pintadas en el suelo), los árboles en el jardín no.

La manera en que se editó la película desafió el estilo clásico establecido de construcción narrativa.  Permitió que los temas del tiempo y la mente y la interacción del pasado y el presente se exploren de una manera original.  Como la continuidad espacial y temporal es destruida por sus métodos de filmación y edición, la película ofrece, en cambio, una "continuidad mental", una continuidad de pensamiento.

Al determinar la apariencia visual de la película, Resnais dijo que quería recrear "un cierto estilo de cine mudo", y su dirección, así como el maquillaje de los actores, buscaban producir esta atmósfera.  Incluso le preguntó a Eastman Kodak si podrían suministrar una película antigua para crear el aspecto de una película muda (no podrían). Resnais mostró fotografías del vestuario de las películas L’Inhumaine y L'Argent , para las cuales los grandes diseñadores de moda de la década de 1920 habían creado los trajes. También pidió a los miembros de su equipo que miraran otras películas mudas, incluida la "La caja de Pandora" ya que quería que la apariencia y los gestos de Delphine Seyrig se parecieran a los de Louise Brooks, pero esta se había cortado el pelo, lo que requería un peinado suave. El estilo de ciertas películas mudas también se sugiere por la manera en que los personajes que pueblan el hotel se ven principalmente en posturas artificiales, como si estuvieran congelados en el tiempo, en lugar de comportarse de manera natural.

Las películas que precedieron y siguieron inmediatamente a Marienbad en la carrera de Resnais mostraban un compromiso político contemporáneo (la bomba atómica, las secuelas de la Ocupación en Francia y el tema tabú de la guerra en Argelia); Sin embargo, se vio que Marienbad tomaba una dirección completamente diferente y se centraba principalmente en el estilo.  Comentando sobre esto, Resnais dijo: "Estaba haciendo esta película en un momento en el que pienso, con razón, que no se podía hacer una película, en Francia, sin hablar de la guerra de Argelia. De hecho, me pregunto si el cierre y la atmósfera sofocante de Marienbad no es el resultado de esas contradicciones ".

Las respuestas de los críticos contemporáneos a la película estaban polarizadas. La controversia se avivó cuando Robbe-Grillet y Resnais parecieron dar respuestas contradictorias a la pregunta de si el hombre y la mujer se habían conocido en Marienbad el año anterior o no; esto fue utilizado como un medio de atacar la película por aquellos que no les gustaba. Aunque la película sigue siendo menospreciada por algunos críticos, el año pasado en Marienbad ha llegado a ser considerada por muchos como una de las mejores obras de Resnais.

La película ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia. En 1962 ganó el premio de la crítica en la categoría de Mejor Película del Sindicato Francés de la Crítica de Cine. La película fue seleccionada como la entrada francesa para la Mejor película de habla no inglesa en los Premios Oscar, pero no fue aceptada como nominada, sin embargo, fue nominado al mejor Guion Original y también fue nominado para un Premio Hugo como Mejor Presentación Dramática. A la película se le negó la participación en el Festival de Cine de Cannes porque el director, Alain Resnais, había firmado el Manifiesto de los 121 de Jean-Paul Sartre contra la Guerra de Argelia.

El impacto de Marienbad sobre otros cineastas ha sido ampliamente reconocido y diversamente ilustrado, extendiéndose desde directores franceses como Agnès Varda , Marguerite Duras y Jacques Rivette hasta figuras internacionales como Ingmar Bergman y Federico Fellini .  El Resplandor (The Shining) de Stanley Kubrick y Inland Empire de David Lynch son dos películas que se citan con particular frecuencia como las que muestran la influencia de Marienbad . El director Peter Greenaway dijo que Marienbad había sido la influencia más importante en su propio cine (y él mismo estableció una estrecha relación de trabajo con su director de fotografía Sacha Vierny ). El estilo visual de la película también ha sido imitado en muchos anuncios de televisión y fotografía de moda.  El video musical de " To the End ", un sencillo de 1994 del grupo de rock británico Blur , está basado en la película.

Esta película fue la principal inspiración para la colección de primavera verano de Chanel en 2011 de Karl Lagerfeld. El espectáculo de Lagerfeld se completó con una fuente y una réplica moderna del famoso jardín de la película. Como los trajes de esta película fueron realizados por Coco Chanel, Lagerfeld se inspiró en la película y combinó los jardines de la película con los de Versalles.

Decorada de desfile de Chanel 2011

La actriz Françoise Spira filmó el rodaje de la película con una cámara de 8 mm. sin toma de sonido para realizar el documental de "making-of". Desgraciadamente Spira se suicidó unos pocos años después, en 1965, y el film se creyó perdido, hasta que apareció muchas décadas después, en el año 2008 y el Institut Mémoires de l'édition contemporaine), restauró las imágenes y las acompañó de los recuerdos de Volker Schlöndorf (director de cine, guionista, productor, documentalista y actor alemán. Es considerado uno de los directores clave del denominado nuevo cine alemán, movimiento en el que introdujo muchas de las características aprendidas de la Nouvelle Vague.) que ejerció como segundo asistente del director en Marienbad , se estrenó con el título “Souvenirs d'une année à Marienbad”.  En 2009 se estreno otro documental sobre la película “En el laberinto de Marienbad”.