Fantasía

Es una película de animación estadounidense de 1940 producida por Walt Disney. Con la dirección de Joe Grant y Dick Huemer , es la tercera película de animación de Disney . La película consta de ocho segmentos animados sobre piezas de música clásica dirigidas por Leopold Stokowski,( fue un director de orquesta inglés de ascendencia polaca e irlandesa. Uno de los principales directores de principios y mediados del siglo XX. Fue especialmente conocido por su estilo de conducción a mano libre que rechazó la batuta tradicional y por obtener un sonido característicamente suntuoso de las orquestas que dirigió.) siete de los cuales son interpretados por la Orquesta de Filadelfia. El crítico musical y compositor Deems Taylor actúa como el Maestro de Ceremonias de la película y ofrece una introducción de acción en vivo a cada segmento animado.

Disney and Stokowski

Fantasia abre con escenas de acción en vivo de los miembros de una orquesta que se reúnen sobre un fondo azul y sintonizan sus instrumentos en la penumbra, media sombra.  El Maestro de ceremonias Deems Taylor entra al escenario (también a media luz, media sombra) e introduce el programa, que consta de:

Toccata y Fuga en Re menor de Johann Sebastian Bach.

Aparecen tomas en vivo de la orquesta iluminadas en azul y dorado, respaldadas por sombras superpuestas, se desvanecen en patrones abstractos. Las líneas animadas, las formas y las formaciones de nubes reflejan el sonido y los ritmos de la música. Disney había estado interesado en producir animaciones abstractas desde que vio A Color Box de Len Lye (corto de animación pintada directamente sobre el celuloide, en el que una serie de elementos bailan al son de música cubana) de 1935. Explicó que el trabajo realizado en la Toccata y Fuga "no fue una idea repentina ... fueron algo que habíamos amamantado durante varios años, pero nunca tuve la oportunidad de probar ".  Los diseños preliminares incluyeron los del animador de efectos Cy Young, quien produjo dibujos influenciados por los patrones en el borde de una pieza de película sonora.  A fines de 1938, Disney contrató a Oskar Fischinger, un artista alemán que había producido numerosas películas de animación abstracta, incluidas algunas de música clásica, para trabajar con Young. Luego de la revisión de su trabajo Disney lo rechazó. Según Huemer, todo lo que Fishinger "hizo fueron pequeños triángulos y diseños ... ", dijo Walt,pensaba que sus diseños eran demasiado abstractos para una audiencia masiva.

Suite del cascanueces de Pyotr Ilyich Tchaikovsky.

Las selecciones de la suite de ballet subrayan escenas que representan el cambio de las estaciones del verano al otoño y al invierno. Una variedad de bailes se presenta con hadas, peces, flores, setas y hojas, incluyendo "Danza del hada de la azúcar ", "Danza china", "Danza de las flautas", "Danza árabe", "Danza rusa" y "Vals de las flores". Se dice que el animador Art Babbitt utilizo a “Los tres Chiflados” como una guía para animar las setas danzantes en la rutina de Baile chino. Dibujó con la partitura de música clavada en su escritorio para trabajar la coreografía para poder relacionar la acción con la melodía y el contrapunto, " El estudio filmó a las bailarinas profesionales Joyce Coles y Marjorie Belcher usando faldas de ballet que se asemejaban a formas de flores que debían sentarse sobre el agua para Danza de las flautas. También se trajo a una bailarina árabe para estudiar los movimientos del pez dorado en Danza árabe. 

El aprendiz de brujo de Paul Dukas.

Basado en el poema de Goethe de 1797 " Der Zauberlehrling ". Mickey Mouse, el joven aprendiz del hechicero, intenta algunos de los trucos de magia de su maestro, pero no sabe cómo controlarlos. La animación comenzó el 21 de enero de 1938, cuando James Algar, el director del segmento, asignó al animador Preston Blair para trabajar en la escena cuando Mickey Mouse se despierta de su sueño.  Cada uno de los setecientos miembros del personal de la época recibió una sinopsis del poema de Goethe y se les animó a completar un formulario de veinte preguntas que solicitaba sus ideas sobre qué acción podría llevarse a cabo. El diseñador Tom Codrick creó "miniaturas de colores brillantes" a partir de bocetos de guiones gráficos preliminares utilizando temperas, que presentaban un uso más audaz del color y la iluminación que cualquier otro corto anterior de Disney.  Mickey fue rediseñado por el animador Fred Moore quien le agregó pupilas  por primera vez para alcanzar mayores gamas de expresión.  La mayor parte del segmento se filmó en vivo, incluida una escena en la que se le pidió a un atleta de UCLA que corriera y saltara por un estudio de sonido con barriles en el camino, que se utilizó como referencia para cuando Mickey atraviesa el agua.  Los animadores modelaron en secreto elementos para que el mago se pareciese a su jefe, Walt Disney. La ceja levantada fue considerada como una broma y el nombre del personaje Yen Sid, que es "Disney" deletreado al revés.

La consagración de la primavera de Igor Stravinsky .

Una historia visual de los comienzos de la Tierra, la secuencia avanza desde la formación del planeta hasta las primeras criaturas vivientes, seguida del reinado y la extinción de los dinosaurios. Un concepto inicial fue extender la historia a la edad de los mamíferos y los primeros humanos y el descubrimiento del fuego y el triunfo del hombre. John Hubley , el director de arte del segmento, explicó que más tarde fue restringido por Disney para evitar la controversia de los creacionistas , que prometieron crear problemas si conectara la evolución de los humanos. Para obtener una mejor comprensión de la historia del planeta, el estudio recibió orientación de Roy Chapman Andrews, el director del Museo Americano de Historia Natural, el biólogo inglés Julian Huxley, el paleontólogo Barnum Brown y el astrónomo Edwin Hubble.  Los animadores estudiaron cometas y nebulosas en el Observatorio de Mount Wilson, y observaron una manada de iguanas y un cocodrilo bebé que fueron llevados al estudio. La cámara se mantuvo en una posición baja a lo largo del segmento para aumentar la inmensidad de los dinosaurios. Si bien la percepción de los dinosaurios por parte de los científicos y del público en general ha cambiado considerablemente desde que se lanzó esta película, los aspectos de su representación en la película se consideran más progresivos y precisos que la mayoría de sus contemporáneos. En general, fueron representados en la película como criaturas "dinámicas y ágiles", mientras que la mayoría de las representaciones de aquella época los tenían como reptiles lentos. Ciertas escenas los retratan como animales sociales y la imagen del bebé Triceratops que se queda cerca de sus padres implica vida familiar, esto era casi inaudito en la época.

Intermedio:

 Los músicos de la orquesta parten y aparece el titulo de Fantasia . Después del intermedio hay una breve sesión improvisada de música de jazz dirigida por un clarinetista mientras los miembros de la orquesta regresan. Luego se muestra una sección humorística y estilizada de cómo se reproduce el sonido en la película. Una pista de sonido animada, inicialmente una línea blanca recta, cambia a diferentes formas y colores en función de los sonidos reproducidos.

La sinfonía Nº6 “Pastoral” de Ludwig van Beethoven.

Un mítico mundo grecorromano de coloridos centauros, cupidos, faunos y otras figuras de la mitología clásica se retrata con la música de Beethoven. Una reunión para un festival en honor a Baco, el dios del vino, es interrumpida por Zeus , quien crea una tormenta y ordena a Vulcano que forje rayos para que los arroje a los asistentes.  Según Ward Kimball, los animadores fueron "extremadamente específicos en cuestiones delicadas". En la creación del segmento mitológico griego, los centauros femeninos fueron dibujadas originalmente con los pechos desnudos, pero la oficina de Hays que aplicaba el Código de Producción Cinematográfica insistía en que discretamente colgaban guirnaldas alrededor del cuello. Los centauros masculinos también se atenuaron para parecer menos intimidantes para la audiencia.

Danza de las horas de Amilcare Ponchielli.

Un ballet cómico en cuatro secciones: Madame Upanova y sus avestruces (Mañana); Hyacinth Hippo y sus sirvientes (Mediodia); Elephanchine y su troupe de elefantes que hace burbujas (Tarde); y Ben Ali Gator y su tropa de caimanes (Noche). El final encuentra a todos los personajes bailando juntos hasta que su palacio se derrumba. Para inspirarse en las rutinas de ballet, los animadores estudiaron a artistas de la vida real, como Marge Champion e Irina Baronova .  Al animador John Hench se le asignó trabajar en el segmento, pero se resistió porque sabía poco sobre el ballet. Luego Disney le dio entradas para la temporada de Hench al Ballet Russe de Monte Carlo con acceso tras bastidores para que pudiera obtener más información al respecto.  De acuerdo con The Art of Walt Disney, de R.D. Feild, para dibujar a Hyacinth, la hippo prima ballerina, una mujer que pesaba más de 90 kg fue grabada registrando el "menor temblor de su carne, notando aquellas partes de su anatomía que fueron sometidas al mayor estrés y tensión".

Noche en el Monte Pelado de Mussorgsky y Ave Maria de Franz Schubert.

A medianoche, el diablo Chernabog despierta y convoca a los espíritus malignos y las almas inquietas desde sus tumbas hasta la Montaña Pelada. Los espíritus bailan y vuelan por el aire hasta que el sonido de una campana del Ángelus los hace retroceder cuando la noche se desvanece al amanecer. Se escucha un coro cantando el Ave María mientras una línea de monjes con túnicas se representa caminando con antorchas encendidas a través de un bosque y hacia las ruinas de una catedral. Béla Lugosi , conocido por su papel en Drácula , fue llamado para proporcionar poses de referencia para Chernabog . Como al animador Bill Tytla no le gustaban los resultados, utilizó a su colega Wilfred Jackson para posar sin camisa, lo que le proporcionó las imágenes que necesitaba.  Hubo ideas de liberar olores en todo el teatro durante Fantasia , incluido el olor a incienso durante el Ave María. Incluso después de más de 60 años después de su lanzamiento, Disney todavía recibe quejas de padres que afirman que la secuencia aterroriza a sus hijos. El rodaje de la secuencia final de "Ave Maria" estuvo plagado de percances. Para lograr el efecto de movimiento a través de la escena, se usaron varios paneles de vidrio pintado. Toda la instalación tenía más de 6,096 metros de largo y tuvo que ser rehecha tres veces. La primera vez que se colocó la lente equivocada en la cámara, y la película siguiente mostró no solo la obra de arte, sino también los trabajadores que corrían alrededor de ella. La segunda vez se produjo un terremoto que afectó al estudio, y la escena fue una vez más desechado. A la mañana siguiente, se rehízo y la escena se envió al laboratorio, se procesó y se envió al estreno en Nueva York, donde se empalmó en la impresión final cuatro horas antes de la proyección.

En 1936, Walt Disney pensó que el personaje estrella del estudio Mickey Mouse necesitaba un impulso de popularidad. Decidió incluir al ratón en “El aprendiz de brujo” ( The Sorcerer's Apprentice) , un corto de dibujos animados de lujo basado en el poema escrito por Johann Wolfgang von Goethe y en la pieza orquestal de Paul Dukas inspirada en el cuento original. El concepto de emparejar la animación con la música clásica se utilizó ya en 1928 en la serie de dibujos animados de Disney, The Silly Symphonies , pero quiso ir más allá de la payasada habitual y producir cortos donde se desarrolla la fantasía ... acción controlada por un patrón musical tiene un gran encanto en el reino de la irrealidad ". Al recibir los derechos de uso de la música a fines de julio de 1937, Disney consideró utilizar un director de orquesta conocido para grabar la música y obtener un mayor prestigio. Se encontró con Leopold Stokowski, director de la Orquesta de Filadelfia desde 1912, en el restaurante de Chasen en Hollywood , y habló sobre sus planes para el corto. Stokowski estaba feliz de colaborar en el proyecto, y se ofreció a realizar la pieza sin cobrar.

Después de su reunión, el representante de Disney en Nueva York se encontró con Stokowski en un tren que se dirigía a la costa este. Al escribir a Disney, informó que Stokowski "realmente planteaba en serio su oferta de hacer la música a cambio de nada. Tenía algunas ideas muy interesantes sobre el color instrumental, que sería perfecto para un medio de animación". En su excitada respuesta fechada el 26 de octubre de 1937, Disney escribió que sentía "excitado por la idea de que Stokowski trabajara con nosotros ... La unión de Stokowski y su música, junto con lo mejor de nuestro medio, dará como resultado un éxito y debe conducir a un nuevo estilo de presentación de una  película ".  Él ya había comenzado a trabajar en un esquema de la historia, y deseaba utilizar "los mejores hombres ... desde el color ... hasta los animadores” en el corto, se promocionaría como un "especial" y se alquilaría a los cines como una película única, aparte de la serie de dibujos animados de Mickey Mouse.

Un acuerdo firmado por Disney y Stokowski el 16 de diciembre de 1937 permitió al conductor "seleccionar y emplear una orquesta sinfónica completa" para la grabación. Disney contrató un escenario en California para la sesión. Comenzó a la medianoche del 9 de enero de 1938 y duró tres horas con ochenta y cinco músicos de Hollywood.  Los costes producción subieron a $ 125,000, se hizo más claro para Disney y su hermano Roy, que manejaban las finanzas del estudio, que el cortometraje nunca podría obtener esa suma por sí mismo. Roy quería que su hermano redujera al mínimo los costos adicionales de la película. Él dijo, "debido a su naturaleza muy experimental y sin precedentes ... no tenemos idea de qué se puede esperar de tal producción". Ben Sharpsteen, un supervisor de producción en Fantasía, notó que su presupuesto era de tres a cuatro veces mayor que el habitual Silly Symphony , pero Disney "vio este problema como  una oportunidad. Este fue el nacimiento de un nuevo concepto, un grupo de números separados, independientemente de su tiempo de ejecución, reunidos en una sola presentación. Resultó ser un concierto, algo novedoso y de alta calidad ".

Las ideas para producir un largometraje completo se llevaron a cabo en febrero de 1938, cuando se hicieron consultas para extender el contrato de Stokowski.  En agosto, Disney le pidió al representante de Stokowski que regresara a los estudios para seleccionar material para la nueva película, que inicialmente se tituló The Concert Feature .  La pareja además pensó en presentar la película con un anfitrión en la pantalla para presentar cada número en el programa. Ambos habían escuchado al compositor y crítico de música Deems Taylor ofrecer comentarios intermedios durante las emisiones de radio de la Filarmónica de Nueva York  y estuvieron de acuerdo en que sería el más adecuado para el papel.  Disney contactó a Taylor para  el proyecto, en aquella época Disney trabajaba en Pinocchio , Bambi , y el desarrollo en su nuevo estudio lo que lo mantuvo demasiado ocupado para trabajar en la nueva película.

Taylor llegó al estudio un día después de una serie de reuniones para seleccionar las piezas musicales de The Concert Feature . Disney hizo que los guionistas Joe Grant y Dick Huemer recogieran una selección preliminar de música y junto con Stokowski, Taylor y los directores de varios departamentos, discutieron sus ideas.  Cada reunión fue grabada al pie de la letra por taquígrafos y los participantes recibieron una copia de la conversación completa para su revisión. Cuando se consideraron las selecciones, se localizó y reprodujo una grabación de la pieza en la siguiente reunión.  Disney no contribuyó mucho a las primeras discusiones; admitió que su conocimiento de la música era instintivo.   Numerosas elecciones se descartaron a medida que continuaban las conversaciones, incluyendo Moto Perpetuo de Niccolò Paganini para mostrar la producción de un botón de cuello. Otro material eliminado incluyó Preludio en sol menor y Troika de Sergei Rachmaninoff , y una interpretación de "La canción de la pulga" de Mussorgsky. El 29 de septiembre de 1938, alrededor de sesenta de los artistas de Disney se reunieron para un concierto de piano de dos horas y media mientras realizaban comentarios sobre la nueva función musical. También se mostró una versión aproximada de The Sorcerer's Apprentice que, de acuerdo con un asistente, hizo que la multitud aplaudiera y vitoreara "hasta que sus manos se pusieran rojas". 

Clair de Lune de Claude Debussy fue un principio seleccionada para la película pero fue eliminada del programa Fantasia , también fue seleccionada en un principio Cydalise et le Chèvre-pied de Gabriel Pierné pero Disney y sus escritores tuvieron problemas para darle una historia concreta a Cydalise . Su marcha de apertura, "La entrada de los pequeños faunos", atrajo a Disney a la pieza que al principio proporcionó representaciones adecuadas de los faunos que quería. El 5 de enero de 1939, después de una búsqueda de una pieza más fuerte para adaptarse al tema mitológico, la pieza fue reemplazada por secciones de la sexta sinfonía de Beethoven.  Stokowski no estuvo de acuerdo con el cambio, creyendo que "la idea de la mitología de Disney ... no es de lo que se trata esta sinfonía". También le preocupaba la acogida de entusiastas de la música clásica que criticaban a Disney por aventurarse demasiado lejos de la intención del compositor.  Taylor, por otro lado, recibió con agrado el cambio, describiéndolo como "sorprendente", y vio "ninguna posible objeción a ello". 

La nueva característica continuó siendo conocida como The Concert Feature o Musical Feature hasta noviembre de 1938,  que un publicista del distribuidor de películas deseó un título diferente, y dio la sugerencia Filmharmonic Concert. Stuart Buchanan realizó un concurso en el estudio para obtener un título que produjo casi 1,800 sugerencias, el favorito entre los supervisores de la película era Fantasía, "No es solo la palabra, sino su significado ".  Desde el comienzo de su desarrollo, Disney expresó la mayor importancia de la música en Fantasía en comparación con su trabajo anterior:  imaginando esta música, no la música que encaja con nuestra historia ".  Disney esperaba que la película atrajera a la música clásica a personas que, como él, habían "abandonado este tipo música".  

Más de 1,000 artistas y técnicos fueron utilizados en la creación de Fantasia , que presenta más de 500 personajes animados.  Los segmentos tenían una combinación de colores escena por escena, por lo que los colores de una toma armonizarían entre la siguiente y la siguiente.  Antes de que se completara el patrón narrativo de un segmento, se diseñó un esquema de color general según el estado de ánimo general de la música, y se diseñó para corresponder con el desarrollo del tema.  El departamento de modelos de personajes del estudio también esculpió modelos tridimensionales de arcilla para que los animadores pudieran ver los personajes desde todos los ángulos.

Disney quería experimentar con técnicas de grabación y reproducción de sonido más sofisticadas para Fantasía. "La música que emerge de un altavoz detrás de la pantalla suena delgada, tintineante y tensa. Queríamos reproducir tan hermosas obras maestras ... para que el público se sintiera como si estuviera en el podio con Stokowski".  Para la grabación de “El aprendiz de brujo” en enero de 1938, los ingenieros de Disney colaboraron con RCA Corporation para utilizar múltiples canales de audio que permitieron alcanzar cualquier equilibrio dinámico deseado durante la reproducción. El escenario se alteró acústicamente con particiones semicirculares de doble madera contrachapada que separaron la orquesta en cinco secciones para aumentar la reverberación. Aunque a medida que se desarrollaba la producción de Fantasia , la configuración utilizada para “El aprendiz de brujo” fue abandonada por diferentes arreglos de grabación multicanal.

El 18 de enero de 1939, Stokowski firmó un contrato de dieciocho meses con Disney para dirigir las piezas restantes con la Orquesta de Filadelfia.  La grabación comenzó en abril y duró siete semanas en la Academia de Música que fue elegida por su excelente acústica. En las sesiones de grabación, se colocaron treinta y tres micrófonos alrededor de la orquesta que capturaron la música en ocho máquinas de grabación de sonido óptico ubicadas en el sótano de la sala. Cada uno representaba un canal de audio que se enfocaba en una sección diferente de instrumentos: violonchelos y bajos, violines, metales, violas, instrumentos de viento y timbales. El séptimo canal era una combinación de los primeros seis, mientras que el octavo proporcionaba un sonido general de la orquesta a distancia. Un noveno canal proporcionó una función de seguimiento de clic para que los animadores pudieran sincronizar sus dibujos con la música. En los cuarenta y dos días de grabación se usaron 147,000 m de película. Disney pagó todos los gastos que incluyeron los salarios de los músicos, personal de escena, un bibliotecario de música y el gerente de la orquesta que costó casi $ 18,000. Cuando las grabaciones terminadas llegaron al estudio, se celebró una reunión el 14 de julio de 1939 para permitir a los artistas que trabajan en cada segmento escuchar los arreglos de Stokowski y sugerir alteraciones en el sonido para trabajar de manera más efectiva con sus diseños.

Los hermanos de Disney se pusieron en contacto con David Sarnoff de RCA en relación con la fabricación de un nuevo sistema que "crearía la ilusión de que la orquesta sinfónica real está sonando en el teatro". Sarnoff se retiró al principio debido a razones financieras, pero acordó en julio de 1939 fabricar el equipo siempre que los Disneys pudieran mantener los costos estimados en $ 200,000.  Aunque no se sabía exactamente cómo lograr su objetivo, los ingenieros de Disney y RCA investigaron muchas ideas y pruebas realizadas con varias configuraciones de equipos.  La colaboración condujo al desarrollo de Fantasound, un sistema de sonido envolvente estereofónico pionero que innovó algunos procesos ampliamente utilizados en la actualidad, incluida la grabación multipista simultánea, la sobregrabación y la reducción de ruido. Como la grabación original se capturó a una modulación casi máxima para aumentar la relación señal / ruido.  Casi un quinto del presupuesto de la película se gastó en sus técnicas de grabación. 

RKO que un principio iba a distribuir la película se resistió a la idea de distribuir Fantasia ,  ya que creía que su duración de dos horas y cinco minutos más el intermedio era demasiado larga para un estreno general. Finalmente modifico su contrato de distribución exclusiva con Disney, que quería una exhibición más prestigiosa en la forma de una atracción limitadas. Un total de trece presentaciones itinerantes se llevaron a cabo en todo Estados Unidos; cada uno involucra dos proyecciones diarias con reservas de asientos por adelantado a precios más altos y un intervalo de quince minutos con instrucciones específicas sobre cada aspecto de la presentación de la película, incluida la instalación de marquesinas exteriores y luces. Los espectadores fueron acomodados por personal contratado y entrenado por Disney y recibieron un folleto del programa ilustrado por Gyo Fujikawa. 

La primera proyección se llevó a cabo en el Broadway Theatre de la ciudad de Nueva York el 13 de noviembre de 1940.  Los Disneys habían asegurado un contrato de arrendamiento de un año con el local completamente equipado con Fantasound, que llevaba una semana trabajando para instalarlo todas Las ganancias hechas esa noche fueron a la Sociedad de Socorro de Guerra Británica. La demanda de entradas era tan grande que se emplearon ocho operadores telefónicos para manejar las llamadas adicionales, mientras que la tienda contigua se alquiló para atender las reservas de taquilla.  Fantasía permaneció en Broadway durante cuarenta y nueve semanas consecutivas, los doce restantes se llevaron a cabo durante todo 1941, que incluyó 39 semanas en Los Ángeles. Fantasía rompió el récord de la proyecciones en un mismo cine en ese momento; un récord previamente logrado por “Lo que el viento se llevó” .

Fantasía ganó un total de $ 1.3 millones en abril de 1941, pero los costes de producción e instalación del sistema Fantasound, forzó a Disney a exceder sus límites de préstamo y ha perder dinero y con el inicio de la Segunda Guerra Mundial impidió los planes para un lanzamiento potencial en Europa, normalmente la fuente de hasta el cuarenta y cinco por ciento de los ingresos del estudio. Al recupera los derechos de distribución de la película en abril de 1941, RKO inicialmente continuó con la política de reserva, pero presentó la película en mono, que era más fácil de exhibir, pero igualmente no consiguió beneficios en ese momento.

Disney permitió a RKO manejar el estreno general de Fantasia , pero luchó contra su decisión de cortar la película. Se rindió porque el estudio necesitaba la mayor cantidad de ingresos posible para remediar sus finanzas, pero se negó a cortarlo él mismo, "Puedes conseguir a cualquiera que quieras editarlo ... No puedo hacerlo".  Sin la opinión de Disney, el director musical Ed Plumb y Ben Sharpsteen redujeron a Fantasia a una hora y cuarenta minutos al principio, luego a una hora y veinte minutos al eliminar la mayor parte del comentario de Taylor y la Toccata y la Fuga.  Fantasía fue relanzada en enero de 1942 a precios más populares con una banda sonora mono.  RKO relanzó Fantasía una vez más el 1 de septiembre de 1946, con las secuencias animadas completas y las escenas de Taylor, Stokowski y la orquesta restauradas pero acortadas. Su tiempo de ejecución se restauró a una hora y cincuenta y cinco minutos. Esta edición sería la forma estándar para los relanzamientos posteriores, y fue la base para la restauración de 1990.  Entre 1955, y 1963 la película se volvió a restrenar varias veces y sufrió más modificaciones tanto en sónido como en imagen y finalmente comenzó a obtener ganancias después de su regreso a los cines el 17 de diciembre de 1969. La película fue promocionada con una campaña publicitaria de estilo psicodélico, y se hizo popular entre los

adolescentes y estudiantes universitarios que, según los informes, lo apreció como una experiencia psicodélica.  La película se reeditó a nivel nacional una vez más el 15 de abril de 1977, esta vez con sonido estéreo simulado.  Para los lanzamientos de 1982 y 1985, Disney presentó Fantasia con una banda sonora completamente nueva grabada en Dolby Stereo . Para reemplazar las grabaciones de Stokowski, el notable director Irwin Kostal se comprometió. Dirigió una orquesta de 121 instrumentos y un coro de 50 voces. Para mantener la continuidad con la animación, Kostal basó su actuación en los tiempos y el ritmo de las grabaciones de Stokowski, las escenas de Taylor fueron eliminadas y Hugh Douglas grabó una narración en off mucho más breve, ya que el estudio pensaba que el público moderno "es más sofisticado y conocedor de la música".  Para su quincuagésimo aniversario, Fantasía regresó a los cines en su versión tradicional de 1946, incluidas las escenas de Taylor y la banda sonora original de Stokowski, junto con una secuencia adicional de créditos finales. La película se sometió a un proceso de restauración de dos años que comenzó después de una búsqueda de seis meses para reconstruir los negativos originales que habían estado almacenados desde 1946. Esto marcó la primera vez desde entonces que un lanzamiento de la película había sido procesado desde el original y no de una copia. Cada uno de sus 535,680 fotogramas se restauró y una impresión intacta de 1951 se utilizó como guía sobre el color y el tono. La banda sonora de Stokowski fue remasterizada digitalmente.

A fines de la década de 1960, se eliminaron cuatro tomas de la Sinfonía Pastoral en las que se representaban dos personajes de una manera racialmente estereotipada. Una centaurea negra llamada Girasol que aparecía puliendo los cascos de una centaurea blanca, y una segunda llamada Otika apareció brevemente durante las escenas de la procesión con Baco y sus seguidores.  El crítico de cine Roger Ebert comentó sobre la edición: "Si bien la película original debería, por supuesto, preservarse para fines históricos, no hay necesidad de la versión de lanzamiento general para perpetrar estereotipos racistas en una película diseñada principalmente para niños".  En mayo de 1992, la Philadelphia Orchestra Association entabló una demanda contra The Walt Disney Company y Buena Vista Home Video. La orquesta mantuvo que, como co-creador de Fantasía, el grupo tenía derecho a la mitad de los $ 120 millones de dólares estimados en ganancias de ventas de discos de video y láser.  La orquesta abandonó su caso en 1994 cuando las dos partes llegaron a un acuerdo no revelado fuera de la corte.

A

Fantasia es la 22ª película más taquillera de todos los tiempos en los EE. UU. Cuando se ajusta según la inflación. Y su franquicia, ha crecido hasta incluir videojuegos, atracciones de Disneyland , un concierto en vivo y una secuela Fantasia 2000  coproducida por Roy E. Disney , sobrino de Walt, en 1999. Fantasia ha ganado reputación a través de los años. y ahora es ampliamente aclamada; en 1998, el American Film Institute la clasificó como la 58ª película estadounidense más grande en sus 100 años ... 100 películas y la quinta película de animación más grande. En 1990, Fantasia fue seleccionada por la Biblioteca del Congreso para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". En el centenario del cine en 1995, el Vaticano incluyó a Fantasía en su lista de 45 "grandes películas" realizadas en la categoría de Arte.