domingo, 23 de febrero de 2020

¿Estas Ahi, Dios? Soy Yo, Margaret (Are You There God? It's Me, Margaret).


Es una novela escritora estadounidense de ficción infantil y juvenil Judy Blume publicado en 1970, típicamente categorizado como una novela juvenil. Blume fue una de las primeras autoras en escribir novelas juveniles sobre temas que algunos todavía consideran tabú, incluyendo la masturbación, la menstruación, el sexo adolescente, el control de la natalidad y la muerte. Ella fue un catalizador para el movimiento de temas controvertidos que se expresan en la literatura infantil y / o juvenil. Esto la ha llevado a críticas de individuos y grupos a los que les gustaría ver prohibidos sus libros. Esta novela en cuestión ha sido censurada y cuestionada con frecuencia desde la década de 1980 debido a sus francas discusiones sobre temas sexuales y religiosos.

Margaret Simon tiene once años y va a cumplir doce, su madre de es cristiana y su padre es judío y elle ha sido criada sin afiliación a ninguna de las dos religiones, y no practica una religión organizada, aunque con frecuencia reza a Dios en sus propias palabras, comenzando diciendo: "¿Estás ahí Dios? Soy yo, Margaret". Está empezando a sentirse incómoda con su falta de afiliación religiosa. Para una tarea escolar, elige estudiar las distintas creencias religiosas, con la esperanza de resolver la cuestión de su propia religión en el proceso. Parte de su estudio implica asistir a diferentes lugares de culto para comprender mejor la práctica religiosa y también para ver si uno de ellos podría ser adecuado para ella y  mientras confronta los problemas típicos que enfrentan las adolescentes, como comprar su primer sostén , tener su primer período y sentirse atraída por chicos.

Judy Blume ha dicho que el personaje de Margaret se inspiró en sus propias experiencias a los 11 años. Al igual que Margaret, Blume no maduró físicamente al mismo ritmo que sus compañeros de clase y trató de hacer ejercicios para que su busto creciera, también tuvo "una relación muy personal con Dios". Sin embargo, Blume dijo que la vida familiar de Margaret es totalmente imaginaria ya que su familia era muy diferente de la que se muestra en el libro. 


La novela a sido criticada y censurada menudo debido a sus discusiones sobre sexo y por que suspuestamente contenía material profano o anticristiano. Despues de estas críticas y censura blume recordó “Cuando comencé a escribir, no sabía si alguien publicaría mis libros, pero no tenía miedo de escribirlos. Tuve suerte. Encontré unos editores que estaban dispuestos a arriesgarse. Ellos me animaron. Nunca me dijeron lo que no podía escribir. Solo sentí que tenía que escribir los libros más honestos que pudiera. Nunca se me ocurrió, en ese momento, que lo que estaba escribiendo era controvertido. Gran parte de esto surgió de mis propios sentimientos y preocupaciones cuando era joven”. Hubo pocas censuras para sus libros en la década de 1970, aunque comento: “una noche una mujer me llamó por teléfono, preguntándome si había escrito ¿Estás ahí Dios? Soy yo, Margaret. Cuando le respondí que sí, me llamó comunista y colgó el teléfono. Nunca supe si ella equiparaba el comunismo con la menstruación o la religión, las dos principales preocupaciones en la vida de Margaret, de 12 años”.


Pero en 1980, los censores aparecieron aparentemente de la noche a la mañana, organizados y decididos. No solo decidirían qué podían leer sus hijos, sino qué podían leer todos los niños. La censura al libro se cuadruplicó en unos meses, y nunca se sabra cuántos maestros, bibliotecarios y directores de escuela quitaron silenciosamente el libro para evitar problemas. “Creo que la censura surge del miedo, y debido a que el miedo es contagioso, algunos padres son fácilmente influenciables. La prohibición de libros satisface su necesidad de sentir que controlan la vida de sus hijos. Este miedo a menudo se disfraza de indignación moral. Quieren creer que, si sus hijos no leen sobre esas cosas no las sabrán. Y si no lo saben, no sucederán. Hoy, no es solo el lenguaje y la sexualidad (las razones habituales dadas para prohibir mi libro) lo que hará que un libro aparezca en la lista de éxitos de los censores. Es el satanismo, la Nueva Era y otros cien ismos, algunos de los cuales te harían reír si las implicaciones no fueran tan graves. Los libros que hacen reír a los niños a menudo son sospechosos; también los libros que alientan a los niños a pensar o cuestionan la autoridad; Los libros que no ofrecen al lector joven lecciones morales se consideran peligrosos. Los censores no quieren que los niños estén expuestos a ideas diferentes a las suyas. Si cada individuo se saliera con la suya, los estantes de la biblioteca de las escuelas estarían casi vacíos. Ojalá los censores pudieran leer las cartas que me escriben los niños. Pero no solo los libros bajo fuego ahora me preocupan. Son los libros que nunca se escribirán. Los libros que nunca serán leídos. Y todo por miedo a la censura. Como siempre, los lectores jóvenes serán los verdaderos perdedores.”

En la lista de la American Library Association (ALA) de los 100 libros más cesurados de la década de 1990, el libro fue el número 60, y en la lista de ALA para la década de 2000, se ubicó en 99. En 2010, el libro fue colocado en la lista de Time de los 100 mejores libros de ficción escritos en inglés desde 1923. La revista escribió: "Blume convirtió a millones de preadolescentes en lectores. Lo hizo haciendo las preguntas correctas y evitando, respuestas fáciles “. El éxito de la novela inspiró a Blume escribió otro libro “Quizá no lo haga”, desde la perspectiva de un niño. Esta novela trata de Tony Miglione, un niño de la misma edad que Margaret que también está lidiando con la pubertad, aunque su transición de la infancia a la edad adulta es bastante diferente a la de Margaret, también se ha anunciado una adaptación cinematográfica de la historia que se encuentra en postproducción.

La Noche (La Notte)



Es una película dramática italiana de 1961 dirigida por Michelangelo Antonioni que también escribió el guion junto a Ennio Flaian y Tonino Guerra. Protagonizada por Marcello Mastroianni, Jeanne Moreau y Monica Vitti, el famoso escritor italiana Umberto Eco realiza un cameo.La Banda Sonora Original fue compuesta por Giorgio Gaslini La película es el capítulo central de la llamada "trilogía existencial o de la incomunicación" de Antonioni la primera seria “La aventura” ( L'avventura 1960) y  la última  “El eclipse” (L'eclisse1962) . Fue considerada una película altamente innovadora en contenido y en lenguaje cinematográfico.
Michelangelo Antonioni
Retrato de la vida cotidiana de un matrimonio burgués que atraviesa una crisis de pareja. En Milán, tras visitar a un amigo enfermo terminal en un hospital, el escritor Giovanni Pontano acude a la publicación de su último libro. Mientras, su mujer Lidia visita el lugar donde vivió muchos años atrás. Luego, durante la noche, ambos acuden a una fiesta en la mansión del Sr. Gherardini, donde ambos comienzan a flirtear; Giovanni con la hija del anfitrión, y Lidia con un playboy.

Atraído temáticamente por las corrientes culturales y la literatura de vanguardia  Antonioni retoma y define los elementos cardinales de su poética, como la alienación del hombre en la sociedad y su inquietud existencial, sexo pensado como un deseo de encontrar una relación con otros en el agotamiento de los sentimientos, la incomunicacion en una civilización industrial conforme, venal, espiritualmente cansada, y el tema de las mujeres como más sensibles y avanzadas, más conscientes de la crisis en el que está inmerso, pero igualmente impotente frente a ella. Inicialmente concebido como una historia de las vicisitudes de siete parejas en crisis durante una noche, el tema fue reducido y modificado drásticamente por el propio Antonioni con la eliminación de todas las historias proporcionadas, excepto la principal.

Narrativamente, mantiene un desarrollo no lineal, en el que la progresión de los hechos no tiene lugar en un sentido dramatúrgicamente tradicional, sino a través del progreso constante y lento de escenas en las que la introspección y la relación con el entorno interactúan junto con eventos y diálogos aparentemente sin sentido. Al privilegiar el aspecto psicológico a través de pensamientos y sensaciones, se crea una atmósfera de cierre, disolución y aniquilación de personalidades.  Esta sintaxis de exposición de Antonioni será la peculiaridad estilística más estudiada e imitada.

Desde el punto de vista figurativo persigue en los planos una investigación visual sobre la profundidad de campo y los volúmenes de las formas. Asistido por uno de los principales directores de fotografía italianos, Gianni Di Venanzo , y dosificando magistralmente el claroscuro de la escenografía y la arquitectura, establece una relación original entre los personajes y el espacio circundante. Reflejando algunos aspectos de la naciente degradación metropolitana de esos años, entre las más emblemáticas y sugerentes de su drama, da un sentido particular a la aniquilación del hombre en el contexto urbano . El final de la película se caracteriza por una repentina inversión emocional, que cambia el tono del análisis introspectivo separado a un estallido de sentimientos apasionado, melancólico y tardío que han permanecido sin expresarse durante mucho tiempo.

El trabajo, objetivamente alienante y difícil, ocasionalmente se consideraba cerebral y quizás algo anticuado, porque estaba íntimamente relacionado con la descripción de un período histórico específico y una clase social (La acción tiene lugar en Milán a principios de los años sesenta en pleno fervor del auge económico, durante una tarde y una noche. El ambiente es el de la burguesía intelectual de nuevos ricos, donde el trabajo y la cultura, el esnobismo y la afectación se mezclan, y donde la autenticidad a veces se descolora y es desconcertante oculta por la máscara de social). La los estudios críticos destacan la obstinación de Antonioni en seguir un camino artístico personal sin compromiso hacia la industria del entretenimiento, documentando también una realidad cultural entonces muy popular y pobremente representada en el cine, en una época dominada por las corrientes neorrealistas y las comedias italiana.
Cameo de Umberto Eco
Cuando La Notte se estrenó por primera vez en Italia en 1960, el Comité de Revisión Teatral del Ministerio de Patrimonio y Actividades Culturales de Italia lo calificó como VM16 : no apto para  menores de 16 años. Además, el comité impuso que se eliminen las siguientes escenas:  la escena en el hospital con Mastroianni y la joven debe terminar en el momento en que los dos comienzan a besarse;  la escena en el camerino en la que es posible ver los senos desnudos de Moreau;  la palabra "puta", dicha por una de las dos damas caminando en el parque, debe ser eliminada;  la escena final en la que Mastroianni y Moreau se abrazan y comienzan a rodar por la hierba, la escena puede reanudarse cuando la toma panorámica muestra el paisaje sin mostrar a los dos actores. 


La Noche recibió el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín (primera vez para el cine italiano), así como el Premio David di Donatello al Mejor Director también fue seleccionada como la entrada italiana para el Premio Oscar a la Mejor Película de Lengua Extranjera pero no fue nominada. Al final de los créditos de cierre de la película La vida de Brian aparece la siguiente nota: «Si te ha gustado esta película, ¿por qué no ir a ver La Noche? En 2013 Ketil Bjørnstad lanzo el disco La notte inspirado por la película y la portada fue un fotograma del film. En el episodio de Mad Men (temporada 2), "The New Girl", Don Draper menciona a La Noche a Bobbie Barrett en una rara conversación sobre cosas que realmente le gustan. Una de las películas favoritas de Stanley Kubrick y Lars von Trier.