La Noche (La Notte)

Es una película dramática italiana de 1961 dirigida por Michelangelo Antonioni que también escribió el guion junto a Ennio Flaian y Tonino Guerra. Protagonizada por Marcello Mastroianni, Jeanne Moreau y Monica Vitti, el famoso escritor italiana Umberto Eco realiza un cameo.La Banda Sonora Original fue compuesta por Giorgio Gaslini La película es el capítulo central de la llamada "trilogía existencial o de la incomunicación" de Antonioni la primera seria “La aventura” ( L'avventura 1960) y  la última  “El eclipse” (L'eclisse1962) . Fue considerada una película altamente innovadora en contenido y en lenguaje cinematográfico.

Michelangelo Antonioni

Retrato de la vida cotidiana de un matrimonio burgués que atraviesa una crisis de pareja. En Milán, tras visitar a un amigo enfermo terminal en un hospital, el escritor Giovanni Pontano acude a la publicación de su último libro. Mientras, su mujer Lidia visita el lugar donde vivió muchos años atrás. Luego, durante la noche, ambos acuden a una fiesta en la mansión del Sr. Gherardini, donde ambos comienzan a flirtear; Giovanni con la hija del anfitrión, y Lidia con un playboy.

Atraído temáticamente por las corrientes culturales y la literatura de vanguardia  Antonioni retoma y define los elementos cardinales de su poética, como la alienación del hombre en la sociedad y su inquietud existencial, sexo pensado como un deseo de encontrar una relación con otros en el agotamiento de los sentimientos, la incomunicacion en una civilización industrial conforme, venal, espiritualmente cansada, y el tema de las mujeres como más sensibles y avanzadas, más conscientes de la crisis en el que está inmerso, pero igualmente impotente frente a ella. Inicialmente concebido como una historia de las vicisitudes de siete parejas en crisis durante una noche, el tema fue reducido y modificado drásticamente por el propio Antonioni con la eliminación de todas las historias proporcionadas, excepto la principal.

Narrativamente, mantiene un desarrollo no lineal, en el que la progresión de los hechos no tiene lugar en un sentido dramatúrgicamente tradicional, sino a través del progreso constante y lento de escenas en las que la introspección y la relación con el entorno interactúan junto con eventos y diálogos aparentemente sin sentido. Al privilegiar el aspecto psicológico a través de pensamientos y sensaciones, se crea una atmósfera de cierre, disolución y aniquilación de personalidades.  Esta sintaxis de exposición de Antonioni será la peculiaridad estilística más estudiada e imitada.

Desde el punto de vista figurativo persigue en los planos una investigación visual sobre la profundidad de campo y los volúmenes de las formas. Asistido por uno de los principales directores de fotografía italianos, Gianni Di Venanzo , y dosificando magistralmente el claroscuro de la escenografía y la arquitectura, establece una relación original entre los personajes y el espacio circundante. Reflejando algunos aspectos de la naciente degradación metropolitana de esos años, entre las más emblemáticas y sugerentes de su drama, da un sentido particular a la aniquilación del hombre en el contexto urbano . El final de la película se caracteriza por una repentina inversión emocional, que cambia el tono del análisis introspectivo separado a un estallido de sentimientos apasionado, melancólico y tardío que han permanecido sin expresarse durante mucho tiempo.

El trabajo, objetivamente alienante y difícil, ocasionalmente se consideraba cerebral y quizás algo anticuado, porque estaba íntimamente relacionado con la descripción de un período histórico específico y una clase social (La acción tiene lugar en Milán a principios de los años sesenta en pleno fervor del auge económico, durante una tarde y una noche. El ambiente es el de la burguesía intelectual de nuevos ricos, donde el trabajo y la cultura, el esnobismo y la afectación se mezclan, y donde la autenticidad a veces se descolora y es desconcertante oculta por la máscara de social). La los estudios críticos destacan la obstinación de Antonioni en seguir un camino artístico personal sin compromiso hacia la industria del entretenimiento, documentando también una realidad cultural entonces muy popular y pobremente representada en el cine, en una época dominada por las corrientes neorrealistas y las comedias italiana.

Cameo de Umberto Eco

Cuando La Notte se estrenó por primera vez en Italia en 1960, el Comité de Revisión Teatral del Ministerio de Patrimonio y Actividades Culturales de Italia lo calificó como VM16 : no apto para  menores de 16 años. Además, el comité impuso que se eliminen las siguientes escenas:  la escena en el hospital con Mastroianni y la joven debe terminar en el momento en que los dos comienzan a besarse;  la escena en el camerino en la que es posible ver los senos desnudos de Moreau;  la palabra "puta", dicha por una de las dos damas caminando en el parque, debe ser eliminada;  la escena final en la que Mastroianni y Moreau se abrazan y comienzan a rodar por la hierba, la escena puede reanudarse cuando la toma panorámica muestra el paisaje sin mostrar a los dos actores. 

La Noche recibió el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín (primera vez para el cine italiano), así como el Premio David di Donatello al Mejor Director también fue seleccionada como la entrada italiana para el Premio Oscar a la Mejor Película de Lengua Extranjera pero no fue nominada. Al final de los créditos de cierre de la película La vida de Brian aparece la siguiente nota: «Si te ha gustado esta película, ¿por qué no ir a ver La Noche? En 2013 Ketil Bjørnstad lanzo el disco La notte inspirado por la película y la portada fue un fotograma del film. En el episodio de Mad Men (temporada 2), "The New Girl", Don Draper menciona a La Noche a Bobbie Barrett en una rara conversación sobre cosas que realmente le gustan. Una de las películas favoritas de Stanley Kubrick y Lars von Trier.