Sed de mal (Touch of Evil)

Es una película de cine negro estadounidense de 1958 escrita, dirigida y coprotagonizada por Orson Welles. El guion se basaba libremente en la novela Badge of Evil de Whit Masterson . Junto con Welles, el elenco incluye a Charlton Heston , Janet Leigh , Joseph Calleia , Akim Tamiroff y Marlene Dietrich . Uno de los últimos ejemplos de cine negro en el período clásico del género, mal recibida en estados unidos en su época su reputación ha crecido desde su lanzamiento, y ahora es ampliamente considerado como una de las mejores películas de Welles y una de las mejores películas negras de la era clásica. La película comienza con una secuencia ininterrumpida que dura tres minutos y veinte segundos; Es ampliamente considerado por los críticos como una de las mejores escenas de la historia del cine.

Orson Welles y Marlene Dietrich

Un agente de la policía de narcóticos llega a la frontera mexicana con su esposa justo en el momento en que explota una bomba. Inmediatamente se hace cargo de la investigación contando con la colaboración de Quinlan, el jefe de la policía local, muy conocido en la zona por sus métodos expeditivos y poco ortodoxos. Una lucha feroz se desata entre los dos hombres, pues cada uno de ellos tiene pruebas contra el otro. Obra maestra de Welles de deslumbrante reparto y compleja historia sobre el poder y la corrupción. Orson Welles inicialmente despreciaba el título ya que no tenía nada que ver con su concepción. A lo largo de los años, sin embargo, le gustó y finalmente lo consideró el mejor título de todas sus películas.

Hay dos historias sobre cómo Welles terminó dirigiéndola película. Charlton Heston recordó que Welles fue contratado originalmente para actuar solo en la película, no para dirigir o escribir. Universal estaba interesado en asegurar a Heston para el papel principal, pero quería que el estudio confirmara al director antes de firmar. Después de enterarse de que Welles estaba en el elenco, Heston expresó su mayor interés en protagonizar si Welles dirigía. La otra historia es que Welles había trabajado recientemente con el productor Albert Zugsmith , conocido como el "Rey de los Bs", en una película llamada Man in the Shadow y estaba interesado en dirigir algo para él. Zugsmith le ofreció un montón de guiones, de los cuales Welles pidió el peor para demostrar que podía hacer una gran película con un guion malo. En ese momento, el guion se llamaba Badge of Evil , en honor a una novela de Whit Masterson en la que se basaba. Welles hizo una reescritura y la puso en producción. Después de una década en Europa durante la cual completó solo unas pocas películas, Welles estaba ansioso por dirigir de nuevo a Hollywood, por lo que acordó pagar solo una tarifa de actuación por el papel de Quinlan. 

Varios actores notables aparecen en roles secundarios. Dennis Weaver interpreta a un empleado nocturno en un motel; A Heston le gustaba Weaver y su trabajo de actuación cinematográfica. Zsa Zsa Gabor aparece brevemente como empresaria de un club de striptease, era amiga del productor. Joseph Calleia retrata a la pareja traicionada de Quinlan. Muchos de los actores trabajaron por salarios más bajos solo para hacer una película con Welles. El papel de Marlene Dietrich fue una sorpresa para los productores Orson Welles escribió sus escenas después de que la filmación ya había comenzado llamándola la noche antes de filmar sus escenas para ofrecerle el papel, ella rodó sus escenas en un día como un favor personal a Orson Welles y no se lo habían contado a nadie y  aceptando  el salario mínimo sindical, pero cuando los ejecutivos del estudio decidieron darle crédito en pantalla, tuvieron que pagarle más. Según un artículo del, "New York Times", Marlene Dietrich consideró el papel de Tana como uno de sus favoritos, y afirmó que hizo su "mejor actuación dramática". El amigo de Welles y colega Joseph Cotten aparece sin acreditar como forense. La ganadora del Oscar, Mercedes McCambridge, solo aparece en la película porque estaba almorzando con Orson Welles durante el rodaje y Welles la convenció de filmar una escena. Le pidió que usara una chaqueta de cuero, le cortó el cabello él mismo y le pidió a su personaje que dijera la siniestra frase: "Quiero ver".

En un principio el agente de Janet Leigh rechazó su participación en esta película debido al bajo salario ofrecido sin siquiera consultar a la actriz. Orson Welles, anticipándose a esto, envió una carta personal a la actriz, diciéndole lo mucho que esperaba que trabajaran juntos. Leigh, furioso, se enfrentó a su agente diciéndole que ser dirigido por Welles era más importante que cualquier cheque y tiempo después recordó cómo Welles solicitó la opinión de los actores del elenco: “Comenzó con los ensayos. Ensayamos dos semanas antes del rodaje, lo cual era inusual. Reescribimos la mayor parte del diálogo, todos nosotros, lo que también fue inusual, y el Sr. Welles siempre quiso nuestra aportación. Fue un esfuerzo colectivo, y hubo una oleada de participación, de creatividad, de energía. Podías sentir el pulso creciendo mientras ensayábamos. Sentías que estabas inventando algo a medida que avanzabas. El Sr. Welles quería aprovechar cada momento. No quería un momento soso. Te hizo sentir que estabas involucrado en un evento maravilloso que estaba sucediendo ante tus ojos”. 

Entre las formas significativas en que Orson Welles se apartó de la novela y el guion fue cambiar el personaje de Mike Vargas de un fiscal de distrito estadounidense a un agente mexicano de narcóticos; cambiar la nacionalidad de Susan de mexicana a estadounidense; y para establecer la película en una ciudad fronteriza mexicano-estadounidense en lugar de en una ciudad del sur de California. Welles también aumentó las tensiones raciales y sexuales en su guion. Charlton Heston comento que no poner acento mexicano para su papel como oficial mexicano de narcóticos como uno de los mayores errores que haya cometido como actor El director Welles encontró un sastre en la Ciudad de México que realizaba los trajes para los altos funcionarios del gobierno mexicano, y envió a Charlton Heston allí para que se realizara los trajes para la película. A Akim Tamiroff se le pidió que se metiera en la boca la lengua de un cordero para su grotesca escena de muerte. Orson Welles sintió que esto era necesario para lograr el efecto adecuado que deseaba: un criminal que había sido estrangulado tan salvajemente que su lengua estaba distorsionada. Al final resultó que, sin embargo, la lengua del cordero resultó ser demasiado desagradable para mostrar en pantalla, por lo que la terrible experiencia de Tamiroff no sirvió de nada.

Toda la película se filmó en lugares reales, aparte de la toma de diez minutos en el apartamento del empleado de la zapatería mexicana, que en realidad es un set. El estudio quería que toda la película se rodara en el estudio e incluso llegando a construir numerosos lugares, pero Orson Welles insistió en filmar en una ciudad real, (fue filmada en Venice, California, porque el lugar parecía muy deteriorado), cuando no pudo obtener su elección inicial Tijuana.

Welles terminó la producción a tiempo, entregó un corte general a Universal, y estaba convencido de que su carrera en Hollywood había vuelto a la normalidad. Sin embargo, la película fue reeditada (y en parte re-filmada) por Universal International Pictures. El proceso de edición fue prolongado y disputado, y la versión finalmente lanzada no era la película que Universal o Welles habían esperado. Fue lanzado como una película B , la mitad inferior de una función doble. La película A fue The Female Animal , protagonizada por Hedy Lamarr , producida por Albert Zugsmith y dirigida por Harry Keller, a quien el estudio había contratado para dirigir el material re-filmado en Touch of Evil . Las dos películas incluso tenían el mismo camarógrafo, Russell Metty . La película de Welles recibió poca publicidad a pesar de las muchas estrellas en el elenco. Aunque tuvo poco éxito comercial en los EE. UU. (El propio Welles afirmó que la película obtuvo buenas ganancias, pero otros registros disputaron su afirmación), fue bien recibida en Europa, particularmente por críticos como el futuro cineasta François Truffaut.

Orson Welles dijo que fue el rodaje más divertido en el que había trabajado, a diferencia de la mayoría de sus películas de Hollywood, porque no estaba preocupado por la interferencia del estudio (hasta después de completarla). Le dieron un presupuesto saludable, y estaba trabajando con algunos de sus actores favoritos en un guion que no involucraba tanto simbolismo y trucos cinematográficos como Ciudadano Kane. A pesar de la especulación popular, Orson Welles se transformó durante toda la película con 30 kg de prótesis corporales y maquillaje, junto con una nariz falsa, para interpretar a un hombre 20 años mayor que él. Durante horas todas las noches, le agregaban kilos y kilos, y usaban prótesis para su rostro. Una vez dijo que llegaba tarde a una cena en su casa durante la filmación, y llegó con el maquillaje todavía puesto. Una actriz famosa se le acercó cuando entró y con toda seriedad le dijo: "¡Orson! ¡Te ves maravillosa!".

La escena de apertura tardó toda una noche en rodarse, principalmente porque el actor que interpretaba al oficial de aduanas no decía bien sus lineas. Estaba empezando a amanecer cuando Orson Welles hizo la última toma de la noche y le dijo al elenco: "Muy bien, intentémoslo una vez más". Luego miró al actor y dijo: "Si olvida su frase esta vez, simplemente mueva sus labios y la doblaremos más tarde, pero por favor Dios NO diga: 'Lo siento, señor Welles'". Esta es la toma que aparece en la película.

Se han estrenado tres versiones distintas de la película:

La original de 1958: La versión que Welles presentado a Universal ya no existe. Ese corte fue trabajado y recortado por el personal de Universal, y a fines de 1957 Universal decidió realizar algunos retoques. Welles afirmó que se hicieron sin su conocimiento, pero Universal afirmó que Welles ignoró las solicitudes del estudio para regresar y emprender más trabajo. Realmente en ese momento Wells estaba  en México para continuar filmando su versión de "Don Quijote" y le era imposible trasladarse. Fue en este punto cuando Keller subió a bordo: parte de su material era completamente nuevo, otros reemplazaron las escenas de Welles, este vio el nuevo corte y escribió un memorando de 58 páginas al jefe de producción de Universal, detallando lo que él pensaba que se necesitaba hacer para que la película funcionara. Sin embargo, muchas de sus sugerencias fueron ignoradas y finalmente se estrenó una versión de 93 minutos. En una entrevista con Orson Welles en sus últimos años este señalo que las imágenes recortadas de su versión original eran alrededor de 20 minutos de escenas humorísticas que involucraban a la familia Grandi, agregando un enfoque alegre a la película. Sin embargo, a pesar de los numerosos cambios, estaba satisfecho con la forma en que se volvió a cortar como una imagen más oscura. Su memorando de 58 páginas tenía como objetivo mantener la película sombría y no trató de incluir estas escenas.

Reedición de 1976: A mediados de la década de 1970, Universal descubrió que tenía una impresión de 108 minutos en sus archivos. Consciente de que había una creciente audiencia de cineastas con un fuerte interés en el trabajo de Welles, el estudio lanzó esta versión a los cines en 1976 y luego la emitió en video, publicitándola como "completa, sin cortes y restaurada". De hecho, esta impresión no fue una restauración en absoluto, sino una versión preliminar que databa de la nota de Welles. Si bien presentó algunas escenas vitales de Welles que Universal cortó también presentó más material de Keller que la primera versión.

Restauración de 1998:, Walter Murch junto con el equipo de restauración de películas de Universal, trabajaron con todo el material disponible, reeditó la película basada en el memorando de Welles pero como el corte de Welles ya no existe, no es posible un verdadera "versión del director", pero Murch pudo armar una versión que incorpora la mayor parte del material existente, omitiendo algunas de las escenas de Keller (aunque algunas fueron retenidas, ya sea porque habían reemplazado las escenas de Welles que ya no existían y eran necesarias para la trama, o porque Welles había aprobado su inclusión). Además, algunas de las quejas de Welles se referían a opciones sutiles de sonido y edición, y Murch reeditó el material en consecuencia.  Los cambios más notables incluyen la eliminación de los créditos y la música de Henry Mancini de la secuencia de apertura, el corte transversal entre la historia principal y la trama secundaria de Janet Leigh, y la eliminación de la escena del hotel Harry Keller. Esta versión tuvo un estreno en cines limitado pero exitoso (nuevamente por Universal) y posteriormente estuvo disponible en DVD. Originalmente programado para estrenarse en el Festival de Cine de Cannes de 1998 con la participación de Janet Leigh, Walter Murch y Rick Schmidlin, la proyección se canceló después de las amenazas de litigio de la hija de Welles, Beatrice Welles. Su demanda contra Universal, por no consultarla u obtener su consentimiento antes de la restauración de la película, se resolvió fuera de los tribunales. Welles luego dijo que solo le había pedido a Universal que le informara sobre lo que se estaba haciendo, y cuando fue ignorada, le dijo al Festival de Cannes que la restauración no fue sancionada por Welles Estate. "Lo vi más tarde y fue maravilloso", dijo. "Pensé que hicieron un trabajo increíble y estaba muy bien hecho. Era lo que él quería y tenía mucho más sentido que esa pesadilla había antes. Si me lo hubieran dicho desde el principio, nada de eso habría sucedido ". 

Aunque Universal Pictures hizo todo lo posible para evitar que la película fuera seleccionada para el Festival Mundial de Cine de Bruselas de 1958, la película tuvo su estreno europeo allí y Welles fue invitado a asistir. Para su asombro, Welles ganó los dos premios principales. La reedición de 1998 recibió premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York, la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles y la Sociedad Nacional de Críticos de Cine. En 1993, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos la seleccionó para su conservación en el Registro Nacional de Películas como "cultural, histórica o estéticamente importante".