El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (The Cook, the Thief, His Wife & Her Love)

Es una película de culto mezcla de drama con comedia negra de 1989 escrita y dirigida por Peter Greenaway, protagonizada por Richard Bohringer, Michael Gambon , Helen Mirren y Alan Howard. La banda sonora original fue compuesta por Michael Nyman El álbum de la banda sonora incluye la primera grabación del Memorial de Nyman lanzado comercialmente. (es una pieza épica similar a una marcha fúnebre, compuesta por Nyman alrededor de 1984–1985. La obra se estrenó el 15 de junio de 1985.  Fue escrita para conmemorar la muerte de 39 aficionados, casi todos italianos, en la final de la Copa de Europa de 1985 (hoy Liga de Campeones de la UEFA) entre Liverpool y Juventus). Jean-Paul Gaultier diseñó el vestuario. El chef italiano Giorgio Locatelli preparó la comida utilizada como atrezzo.

Peter Greenaway

Albert Spica es un delincuente que tiene un restaurante de clase alta: "La Holandesa", dirigido por un chef francés, en el que se reúne habitualmente con sus cómplices y otros maleantes. Spica goza abusando de su poder, maltratando al personal (con excepción del chef), a sus matones y a veces a los propios clientes. También se deleita humillando a su esposa. Ésta comienza una relación secreta con un cliente habitual del restaurante, un hombre absolutamente distinto a Spica: calmado, refinado, culto, y que subrepticiamente muestra su interés por la mujer del bandido. Ambos se convierten en amantes en la propia cocina del lugar, con la complicidad del chef y los suyos. Spica finalmente descubre la infidelidad de su esposa y toma una terrible venganza contra la pareja.

La película puede sonar como otra historia trágica del final de un matrimonio, pero Greenaway convierte esta historia de un criminal intimidatorio y su esposa infiel en algo profundo y extremadamente raro: una obra tan inteligente y poderosa, tan estéticamente brillante que expande los límites del cine en sí. La película causo controversia por sus representaciones de canibalismo y desnudos frontales, contrastando con impresionante cinematografía y formalismo. Debido al contenido, se le dio a la productora la opción de ser clasificada como X o no clasificarla (solo para adultos) para su estreno en cines. Se eligió Sin clasificación a la luz de que X está más asociada con películas pornográficas. Dos versiones de la película se lanzaron en VHS en la década de 1990. Uno fue un corte con clasificación de no apta para menores de 17 años, de 95 minutos (principalmente para grandes cadenas de tiendas de videos); la otra con la versión completa.

Los cuatro personajes principales recibieron su nombre por los actores y la actriz que Greenaway originalmente quería que lo interpreta. Richard (el cocinero) Richard Bohringer , el único de las opciones originales de Greenaway que acabaron interpretando el papel  en la película final. Albert (el ladrón) recibió su nombre de Albert Finney , mientras que Georgina (su esposa) fue por Georgina Hale . Michael (El amante fue nombrado, curiosamente, por Sir Michael Gambon , que finalmente a interpreta a Albert (El marido). El excremento de perro que se muestra en una escena no era tal, sino una recreación a partir de mousse de chocolate.

Peter Greenaway se inspiro en la obra jocosa del dramaturgo inglés John Ford “Lástima que sea una puta” (Tis Pity She's a Whore. Probablemente escrita en 1626 y estrenada entre 1629 y 1633, El tratamiento abierto de la obra sobre el tema del incesto la convirtió en una de las obras más controvertidas de la literatura inglesa.  La obra se omitió por completo de una colección de 1831 de obras de Ford; su título a menudo se ha cambiado usando algún eufemismo. De hecho, hasta bien entrado el siglo XX, los críticos solían ser duros con la obra; el tema les resultaba ofensivo, al igual que el hecho de que Ford no condenara a su protagonista. Sin embargo, desde mediados del siglo XX, los académicos y críticos han mostrado en general una mayor apreciación de las complejidades y ambigüedades del trabajo) La cinematografía está inspirado en la pintura barroca flamenca como las obras Rubens o Anthony van Dyck. El banquete de los oficiales de la Compañía de la Milicia de San Jorge en 1616, una pintura de Frans Hals aparece en la pared del restaurante.

Peter Greenaway utiliza colores específicos para representar cada escenario de la película. El exterior de La Holandesa es predominantemente azul. La cocina es mayoritariamente verde. La zona de mesas del restaurante es roja y los baños son de un blanco puro. El color del vestido de Georgina y las fajas que usan Albert y sus asociados cambian para coincidir con este esquema a medida que los personajes se mueven de una habitación a otra. El color de los cigarrillos de Georgina también cambia para coincidir con el color del conjunto a medida que se mueve. Los interiores de la casa de Michael son en su mayoría marrones, como la chaqueta que usa a lo largo de la historia. Se supone que la larga toma desde el restaurante hasta el baño simboliza el paso de la comida por el tracto intestinal.

Carretera perdida ( Lost Highway)

Es una película neo-noir de culto de 1997 dirigida por David Lynch y coescrita por Lynch y Barry Gifford . Está protagonizada por Bill Pullman, Patricia Arquette, Balthazar Getty y Robert Blake. Lost Highway fue financiada por la productora francesa Ciby 2000. Lynch ha descrito la película como una “fuga disociativa” (un trastorno disociativo  y psiquiátrico raro caracterizado por una amnesia reversible que afecta a la identidad personal, incluidos los recuerdos , la personalidad y otras características de identificación de la individualidad) en lugar de una historia convencionalmente lógica, mientras que la estructura narrativa surrealista de la película se ha comparado con una tira de Möbius . La banda sonora de la película presenta una partitura original de Angelo Badalamenti(compositor habitual de las películas de Lynch)  y Barry Adamson, así como contribuciones de artistas como David Bowie , Marilyn Manson , Rammstein , Nine Inch Nails y The Smashing Pumpkins, la canción "Song to the Siren" de This Mortal Coil también aparece en la película per no se incluyó en la banda sonora, Lynch  ha declarado que anteriormente tuvo  la intención de utilizar la versión original de la canción en Terciopelo azul (Blue Velvet) , pero no pudo hacerlo debido a problemas legales o limitaciones presupuestarias. Lost Highway es la primera de las tres películas de Lynch ambientadas en Los Ángeles, seguida de Mulholland Drive en 2001 e Inland Empire en 2006.

Patricia Arquette, David Lynch y Bill Pullman. 

Fred Madison, un músico de jazz que vive con su esposa Renee, recibe unas misteriosas cintas de vídeo en las que aparece una grabación de él con su mujer dentro de su propia casa. Poco después, durante una fiesta, un misterioso hombre le dice que está precisamente en su casa en ese instante. Las sospechas de que algo raro está pasando se tornan terroríficas cuando ve la siguiente cinta de video...

La película fue el primer largometraje desde “Twin Peaks: Fuego camina conmigo”, que se estrenó en 1992 como una precuela de la serie de televisión “Twin Peaks”. Lynch encontró la frase "carretera perdida" en el libro "Gente Nocturna" (Night People) de Barry Gifford .  Debido a que Lynch conocía muy bien a Gifford y previamente había adaptado su novela “Corazón Salvaje” (Wild at Heart) le dijo al escritor que le encantaba como título y los dos acordaron escribir un guion juntos. Originalmente, ambos hombres tenían sus propias ideas diferentes de lo que debería ser el film y terminaron rechazando sus ideas mutuamente y también las suyas.  Lynch comento más tarde que le dijo que, durante la última noche de filmación de “Fuego camina conmigo”, tuvo una idea sobre las cintas de video y una pareja en crisis. Esta idea se desarrollaría en la primera parte de la película. Lynch y Gifford se dieron cuenta de que tenía que ocurrir una transformación y se desarrolló otra historia, que tendría varios vínculos con la primera, pero también grandes diferencias. Les llevó un mes terminar el guión.

La historia se inspiró parcialmente en el caso de asesinato de O.J. Simpson, que involucró el arresto de un hombre que negó el asesinato.  La escena de apertura de la película, donde Fred Madison escucha las palabras "Dick Laurent está muerto" a través de su intercomunicador, se inspiró en un incidente análogo que le sucedió a Lynch en su propia casa. una mañana temprano, su intercomunicador sonó, y cuando respondió una voz que no reconoció, dijo la misma frase. Sin embargo, cuando miró por la ventana, no había nadie afuera. Debido a que su casa estaba al lado de la del actor David Lander y ambos hombres tienen el mismo nombre, Lynch pensó que el extraño debía haberse equivocado de  dirección.  La idea de El Hombre Misterioso "surgió del sentimiento de un hombre que, real o no, daba la impresión de que era sobrenatural", explicó Lynch.

Lynch eligió a Bill Pullman , un amigo y vecino suyo, como el personaje central de la película.  La actriz Patricia Arquette acordó ser elegida como Renee y Alice porque estaba interesada en retratar a una mujer sexualmente deseable y peligrosa, un papel que nunca había hecho antes.  Ella también había sido fanática de Lynch durante mucho tiempo y sentía que sería un honor trabajar con él. El actor Balthazar Getty fue elegido para el papel de Pete Dayton después de que Lynch vio una foto de él en una revista. Debido a que el guion estaba tan abierto a la interpretación, Getty y Arquette no sabían qué tipo de película se suponía que era Lost Highway . Según Getty, "Parte de la técnica de David es mantener a sus actores adivinando, porque crea una cierta atmósfera en el set".

El actor Robert Blake fue elegido como El Hombre Misterioso porque a Lynch le gustaba su trabajo anterior y siempre había estado interesado en trabajar con él.  Aunque Blake no entendía el guion en absoluto, fue el responsable de la apariencia y el estilo de su personaje. Cuando Lynch le dijo que usara su imaginación, Blake decidió cortarse el cabello, separarse en el medio y aplicar maquillaje blanco de Kabuki en su rostro. Luego se puso un traje negro y se acercó a Lynch, al que le encanto lo que había hecho. Lost Highway también presenta la última actuación en el cine de Richard Pryor.

La película se filmó en Los Ángeles, California, en aproximadamente 54 días, desde el 29 de noviembre de 1995 hasta el 22 de febrero de 1996. Algunas de las escenas exteriores y de conducción se filmaron en Griffith Park, mientras que las escenas del Hotel fueron filmadas en el Amargosa Opera House and Hotel en el Valle de la Muerte que se dice que está embrujado.  

Lynch posee la propiedad que se utilizó para la mansión de Fred y Renee, que se encuentra en la misma calle que su propia casa en Hollywood Hills. La casa se configuró de una manera particular para cumplir con los requisitos de la película. Se agregó un corredor que conduce a la habitación y se remodeló la fachada con ventanas estrechas para que el punto de vista de Fred fuera muy limitado. Las pinturas que están en la pared sobre el sofá fueron realizadas por la ex esposa y productora de Lynch, Mary Sweeney.

Las escenas que involucraron desnudos y contacto sexual resultaron ser muy difíciles para Arquette porque se considera una persona muy modesta y tímida. Sin embargo, se sentía muy protegida por Lynch y el equipo de filmación, quienes siempre le daban su túnica en cualquier momento. La escena de amor entre ella y Getty en el desierto, que fue filmada en un lecho de un lago seco a 20 millas de Baker, era un conjunto cerrado y solo se permitía al equipo clave.  La secuencia en la que Fred se transforma en Pete no fue generada por ordenador, sino que se logró con técnicas integradas en la cámara: un experto en maquillaje construyó una cabeza falsa que estaba cubierta con materia cerebral artificial, que luego se cortó con escenas de Pullman. La persecución final del automóvil fue filmada con dos cámaras diferentes funcionando a diferentes velocidades de cuadro. El metraje se aceleró para hacer la escena más agresiva.

Lynch trabajó con el director de fotografía Peter Deming para darle a la película un aspecto surrealista. Debido a que el guion no incluía muchas descripciones, el enfoque visual de la película evolucionó a medida que avanzaba la filmación.  Deming ocasionalmente sacaba las lentes de su cámara para desenfocar una escena en particular, mientras que Lynch a menudo escuchaba música en sus auriculares y una escena al mismo tiempo para visualizar el guion. Según él, "el sonido y la imagen trabajaban juntas para formar la película [...] Así que cada sonido tiene que apoyar esa escena y ampliarla. Una habitación es, digamos, nueve por doce, pero cuando ' Al volver a introducir el sonido, puedes crear un espacio que sea gigante ". La noción de una fuga psicógena se incorporó a la película después de que el publicista de la unidad la leyó en un libro sobre enfermedades mentales. Lynch sintió que era un término musical, afirmando que "una fuga comienza de una manera, toma otra dirección y luego regresa al original, por lo que se relaciona con la forma de la película".

Originalmente, Lynch quería rodar en blanco y negro, pero la idea fue descartada debido a los riesgos financieros que podría causar. Sin embargo, la película fue filmada en diferentes niveles de oscuridad y presenta pocas escenas a la luz del día.  Algunas secuencias se volvieron tan oscuras que fue difícil para los espectadores ver lo que estaba sucediendo. Según Deming, "lo que quería lograr era dar la sensación de que algo podría salir del fondo y dejar una cierta pregunta sobre lo que estás viendo. La película está trabajando bajo la superficie mientras estás viendo eso."  La oscuridad de la película no se ajustó intencionalmente durante la postproducción.  El primer corte de la película duró dos horas y media, y se realizó un visionado de prueba con un público de 50 personas para darle a Lynch la idea de lo que necesitaba ser cortado. La película finalmente se redujo a dos horas y diez minutos. La mayoría de las escenas eliminadas eran sobre la vida de Pete.

Aunque Lost Highway se clasifica generalmente como una película neo-noir , la película toma prestados elementos de otros géneros, incluido el expresionismo alemán y la nueva ola francesa. Los términos thriller psicológico y película de terror también se han utilizado para describir sus elementos narrativos. Una de las características del cine negro que está presente en la película es la mujer fatal (Alice Wakefield), que engaña a Pete Dayton y lo coloca en situaciones peligrosas. La película también se destacó por su violencia gráfica y temas sexuales. Lynch defendió estas imágenes, afirmando que simplemente estaba siendo honesto con sus propias ideas para la película. Algunos de los temas e ideas de la película habían sido explorados antes: la película "El desvío" (Detour) de 1945 también se enfoca en un músico perturbado.  El escenario de la película y los misteriosos mensajes grabados pueden ser vistos como una referencia a la película de 1955 "El beso mortal" (Kiss Me Deadly) , mientras que su atmósfera de pesadilla se ha comparado con el cortometraje de Maya Deren de 1943, "Un falso despertar" (Meshes of the Afternoon).  Al igual que Vértigo, de Alfred Hitchcock, la película examina las obsesiones masculinas con las mujeres, que simplemente representan emociones relacionadas con ellas. La película es muy abstracta y puede interpretarse de diferentes maneras. Lynch no está a favor de avanzar en una interpretación específica y dijo que la película deja a los espectadores para interpretar los eventos que elijan. Gifford, sin embargo, piensa que la película ofrece una explicación racional de sus eventos surrealistas. Según él, Fred Madison está experimentando una fuga psicógena, que se manifiesta cuando se transforma en Pete.

El crítico cultural Slavoj Žižek sintió que la apariencia de circularidad es análoga a un proceso psicoanalítico. Según él, "hay una frase clave sintomática (como en todas las películas de Lynch) que siempre regresa como un mensaje insistente, traumático e indescifrable (lo Real), y hay un ciclo temporal, como en el análisis, donde el protagonista al principio no logra encontrarse con el yo, pero al final es capaz de pronunciar el síntoma conscientemente como suyo ". Esto implica que la locura de Fred es tan poderosa que incluso la fantasía en la que se ve a sí mismo como Pete finalmente se disuelve y termina en una pesadilla.  También interpreta la estructura bipartita de la película como explotar "la oposición de dos horrores: el horror fantasmagórico del universo de pesadilla negra del sexo perverso, la traición y el asesinato, y la desesperación (quizás mucho más inquietante) de nuestro monótona, alienada vida cotidiana de impotencia y desconfianza ".

 

En 2003, los compositores austriacos Olga Neuwirth y Elfriede Jelinek convirtieron la película en una ópera, basándose en el guion de David Lynch y Barry Gifford. El primer acto de la ópera es palabra hablada, mientras que el segundo acto se canta.

Onibaba (鬼婆)

Es una película japonesa de terror dramática histórica de 1964 escrita y dirigida por Kaneto Shindo. El titulo literalmente significa la bruja demoníaca y el guion fue inspirado por la parábola budista Shin “Máscara para asustar a la novia” o “Máscara con carne unida” en la que una madre utilizaba una máscara para asustar a su hija para que fuera al templo. Fue castigada por la máscara que se le pegaba a la cara, y tras varias suplicabas fue capaz de quitársela, pero también le arranco la carne de su cara. La mayor parte del elenco consistía en miembros del grupo regular de artistas que trabajaban con Shindo y está protagonizada por Nobuko Otowa, Jitsuko Yoshimura y Kei Satá (Las dos mujeres no tienen nombres ni siquiera en el guion, sino que son simplemente descritas como "mujeres de mediana edad" y "mujer joven").  La banda sonora fue compuesta por Hikaru Hayashi otro colaborador habitual de  Shindo La música es una combinación de instrumentos de percusión tradiciones japoneses y jazz.

Kaneto Shindo

En el Japón medieval, la madre y la esposa de un guerrero esperan su vuelta del frente. Sobreviven engañando a los soldados perdidos en los campos, a los que asesinan para luego vender sus pertenencias. Mientras la esposa mantiene una aventura con su vecino que ha desertado del ejército, la suegra conoce a un misterioso samurái que lleva una máscara extraña. Los críticos se han dividido sobre el género de la película. Mientras que algunos la consideran un "drama de época o "drama escénico" otros la consideran como un clásico de terror erótico, o una crítica social mucho más matizada, pero sin embargo universal que se puede aplicar fácilmente a una situación paralela.

La película está ambientada en algún lugar de Japón, a mediados del siglo XIV poco después de la batalla de Minatogawa que comenzó un período de más de 50 años de guerra civil, período conocido como Nanboku-chá (1336 a 1392) en el que le pueblo japones soporto una hambruna incesante. El rodaje comenzó el 30 de junio de 1964 y durante tres meses Kaneto Shindo quería filmar Onibaba en un campo de hierba susuki y envió a los subdirectores para encontrar lugares adecuados.  Una vez que se encontró una ubicación idónea cerca de una orilla del río en Inba-Numa en Chiba, construyeron varias cabañas prefabricados donde vivirían el elenco y el equipo de producción mientras rodaban la película, también se construyeron una piscina natural como un tobogán improvisado para entretener y mantener los alimentos y bebidas frescas durante las duras condiciones de rodar en el campo en mitad de la nada. Existen imágenes de los miembros del equipo agrupado y comiendo juntos. Por contrato si agun miembro quería irse de rodaje no recibiría su sueldo. Shindo incluyó escenas dramatizadas de la insatisfacción en el set como parte de la película de 2000 By Player.

Después de la derrota del Japón Imperial en la Segunda Guerra Mundial, Shindo utilizo la historia de esta película para criticar a Japón. La supervivencia de dos mujeres desesperadas en un momento de dificultades mientras la nación de los samurais descuida a sus ciudadanos se usa como paralelismo con el Japón de aquella época donde el ciudadano de a pie sufre las consecuencias después de que Japón fue derrotados. Shindo retrata las emociones humanas a una forma muy natural y cruda. Las dos mujeres desesperadas que necesitan matar para sobrevivir, que sienten emociones como la lujuria y los celos. La representación de los personajes muestra la naturaleza humana de seguir fielmente sus deseos. Este desbordamiento de emociones se muestra principalmente con el papel de la suegra. Shindo escribe el guion para retratar a los personajes de la mujer mayor con emociones conflictivas, y finalmente poner las manos en una máscara maldita para convertirse en onibaba. El ejercicio mismo de las emociones humanas es uno de los temas principales de la película. La película contenía elementos del teatro Noh. Señala que la máscara han'nya "se utiliza para demonizar las emociones pecaminosas de los celos y sus emociones asociativas" en las obras de Noh, y que los diferentes ángulos de la cámara en los que se filma la máscara en Onibaba son similares a la forma en que un intérprete de Noh utiliza el ángulo de la máscara para indicar emociones.. Kaneto Shindo dijo que uso la máscara del demonio como son simbólicos de la desfiguración de las víctimas de los bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki,la película que refleja el efecto traumático de este hecho en la sociedad japonesa de posguerra. Esa máscara inspiró a William Friedkin a usar un diseño similar para el maquillaje en tomas subliminales de un demonio de cara blanca en la película “El exorcista”

 

 

 

 

Salò, o los 120 días de Sodoma (Salò o le 120 giornate di Sodoma)

Es una película de arte y terror de 1975 dirigida y escrita por Pier Paolo Pasolini siendo su última película fue asesinado antes del estreno de esta obra. La película es una adaptación libre del libro Los 120 días de Sodoma del Marqués de Sade actualizado al periodo de la Segunda Guerra Mundial. La cinta está protagonizada por Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Umberto Paolo Quintavalle, Aldo Valletti, Caterina Boratto y Elsa De Giorgi. La música original fue compuesta por Ennio Morricone interpretada al piano por Arnaldo Graziosi. Otra música no original fue "Carmina Burana" de Carl Orff y varias piezas de Frédéric Chopin Preludios Op.28 nº 17 y nº4 y Valses Op. 34 nº 2 en La menor. (Ennio Morricone , dijo que estaba muy incómodo viendo la película. Solo aceptó componer la banda sonora  por ser amigo de Pasolini.)

Pier Paolo Pasolini

La película se centra en cuatro ricos y corruptos libertinos italianos, durante la Segunda Guerra Mundial en la época de la República fascista de Salò (1943-1945). Los libertinos secuestran a dieciocho adolescentes y los someten a cuatro meses de extrema violencia, asesinato, sadismo y tortura sexual y mental. La película explora los temas de corrupción política, asesinato, abuso de poder, sadismo, perversión, sexualidad y el fascismo. La historia tiene cuatro segmentos, inspirada en la Divina Comedia de Dante: el Anteinferno, el Círculo de Manías, el Círculo de Excrementos y el Círculo de Sangre. La película también contiene referencias frecuentes y varias discusiones sobre el libro de 1887 de Friedrich Nietzsche sobre la genealogía de la moral, el poema de Ezra Pound The Cantos y  referencias a las novelas de Marcel Proust En busca del tiempo perdido.

Parece que Pasolini estaba indeciso sobre qué tipo de conclusión debería tener la película, hasta el punto de haber concebido y filmado cuatro finales diferentes: el primero fue una escena con una bandera roja en el viento con las palabras "Love You", pero fue abandonado por el director porque lo consideraba "demasiado pomposo" y "propenso a la ética de la juventud psicodélica". La segunda muestra a todos los actores de la película, aparte de los cuatro caballeros, el director y su compañía interpretan un baile salvaje en una habitación de la villa decorada con banderas rojas y la escena fue filmada con el propósito de usarla como una escena de fondo durante los créditos, pero fue descartada porque, a los ojos de Pasolini, parecía caótica e insatisfactoria.  Otra escena final, descubierta años después y que solo estaba en el borrador inicial del guion, mostró, después del final de la tortura, los cuatro caballeros salen de la casa y sacan conclusiones sobre la moralidad de todo el asunto.  Finalmente, manteniendo la idea de la danza como la suma de la carnicería, Pasolini eligió montar la llamada "Margherita" final, con los dos jóvenes soldados bailando. Existen varias versiones de la película. Originalmente duraba 145 minutos, pero el mismo Pasolini eliminó 25 minutos para ayudar a mantener el ritmo. La versión más extensa disponible es el ampliamente vendido DVD producido por la BFI, el que incluye una breve escena usualmente no incluida en otras copias.

Sergio Citti, colaborador habitual de Pasolini, se había encargado originalmente de dirigir la versión cinematográfica de Los 120 días de Sodoma del marqués de Sade.  Durante la creación de los primeros borradores del guion, Pasolini apeló a varios de sus colaboradores habituales, entre ellos Citti, Claudio Masenza, Antonio Troisi y especialmente Pupi Avati. Mientras colaboraba con Citti en el guion, Pasolini se vio obligado a transponer el escenario de Salò desde la Francia del siglo XVIII (como se muestra en el libro original de Sade) hasta los últimos días del régimen de Benito Mussolini en la República de Salò en la primavera de 1944.  Salò es el topónimo para la República Social Italiana (RSI) (porque Mussolini gobernó desde esta ciudad del norte en lugar de desde Roma), que era un estado títere de la Alemania nazi. Pasolini pasó parte de su juventud en la República de Saló. Durante este tiempo fue testigo de crueldades por parte del ejército italiano. Muchos de sus recuerdos condujeron a la conceptualización de Saló. Pasolini proclamó que la película era altamente simbólica y metafórica; un ejemplo de ello es la escena en la que comen heces, lo cual sería una protesta contra los alimentos producidos en masa, a los cuales denomina «basura inútil».  Mientras escribía el guion, se decidió entre Citti y Pasolini que este último dirigiría el proyecto, ya que Citti había planeado escribir un proyecto separado después de completar Salò Pasolini señaló que su principal contribución al guion original de Citti era su "estructura basada en el infierno de Dante que Pasolini pesaba que había sido la intención original de Sade. En un principio Los 120 días de Sodoma y Salò  se concibieron como historias separadas, pero observando similitud entre ambos conceptos y basado en Sus experiencias en la República de Salò concibieron la idea de Salò o los 120 días de Sodoma.

En la película casi no se dan antecedentes sobre los sujetos torturados y en su mayoría casi nunca hablan. La descripción de Pasolini de las víctimas de esa manera tenía la intención de demostrar el cuerpo físico "como una mercancía ... la anulación de la personalidad del Otro ".  Específicamente, Pasolini tenía la intención de representar lo que describió como una "anarquía del poder”, en el que los actos sexuales y el abuso físico funcionaban como una metáfora de la relación entre el poder y sus sujetos.  Aparte de este tema, Pasolini también describió la película como la "inexistencia de la historia" como se ve desde la cultura occidental y el marxismo.

El rodaje, realizado principalmente en la Villa Gonzaga-Zani del siglo XVI en Villimpenta en la primavera de 1975, fue difícil e involucró escenas de homofilia , coprofagia y sadomasoquismo . Los actos de tortura en el patio causaron que algunos de los actores sufrieran abrasiones y quemaduras. La actriz Hélène Surgère describió la filmación de la película como "inusual", con casi cuarenta actores en el set en un momento dado, y Pasolini filmando "enormes" cantidades de material.  También señaló que el ambiente en el set era "paradójicamente jovial e inmaduro" a pesar del contenido. En el trabajo intermedio, el elenco compartió grandes comidas y también jugó partidos de fútbol contra el equipo de la película Novecento de Bernardo Bertolucci, que se estaba filmando cerca.  También marcó la reconciliación entre Bertolucci y su antiguo mentor después de varios desacuerdos tras la crítica de Pasolini a la película de Bertolucci “El último tango en Paris”. Durante la realización de la película, se robaron algunos carretes y los ladrones exigieron un rescate por su regreso. Filman las escenas usando dobles: las mismas escenas, pero desde un ángulo diferente. En el juicio por el asesinato de Pasolini, se planteó la hipótesis de que le dijeron a Pasolini que los rollos de película fueron descubiertos en Ostia Lido. Fue conducido allí por Pelosi, el acusado de su muerte , y fue víctima de una emboscada, donde murió. (Pasolini fue asesinado antes del lanzamiento de la película. Un estafador de 17 años, Giuseppe "Pino" Pelosi, fue arrestado cuando lo encontraron con el auto de Pasolini. Admitió atropellar a Pasolini varias veces con el automóvil después de una discusión, y terminó condenado por el crimen. Muchos años después, negó haber participado en él, alegando que tres hombres misteriosos estaban involucrados. El caso permanece sin resolver.)

Después de la Trilogía de la vida (formada por el Decamerón, Los cuentos de Canterbury y las mil y una noches), el poeta-director tuvo en mente hacer una Trilogía de la muerte, en la cual anular la fábula optimismo de los tres "clásicos". anteriores, en particular en lo que respecta al componente sexual: alegre y soleado en el primer tríptico, frío y espantoso en el segundo. Por sugerencia de Sergio Citti , Salò fue elegido como el primer episodio y luego siguió siendo el único debido a la trágica y prematura muerte del director. La intención de Pasolini, por las razones que hemos visto, no era salvar nada en términos de violencia y perversión: aunque era más simbólico que la violencia física, y aunque la furia obsesiva realista con la que De Sade lo describió en su La novela estaba en la película realmente reducida de Pasolini, Salò prometió ser una película maldita desde el principio. Como continuación, Pasolini planeó hacer una película biográfica sobre la vida del asesino de niños Gilles de Rais, pero después de su muerte, la idea fue abortada.

La película se estrenó en el Festival de Cine de París el 23 de noviembre de 1975, tres semanas después de que Pasolini fuera asesinado en Roma. Salò ha sido prohibido en varios países, debido a sus representaciones gráficas de violación, tortura y asesinato, principalmente de personas que se cree que son menores de dieciocho años. La película sigue prohibida en varios países y provocó numerosos debates entre críticos y censores sobre si constituía o no pornografía debido a su desnudez y representación gráfica de actos sexuales. La película fue rechazada por la Junta Británica de Censores de Cine (BBFC) en enero de 1976. Se proyectó por primera vez en un club de cine en 1977, sin cortes y sin la certificación del secretario de BBFC, el local fue allanado por la Policía Metropolitana después de unos días y la película fue retirada. Una versión cortada y nuevamente sin certificación formal, se proyectó posteriormente en ese mismo de club durante algunos años. En 2000, en una forma sin cortes, la película finalmente se aprobó para distribución en cines y de video en el Reino Unido. La película no fue prohibida en los Estados Unidos y se estrenó en 1977; Sin embargo, fue prohibido en Ontario, Canadá. Cuando la película se estrenó en Alemania Occidental en febrero de 1976, fue confiscada por el fiscal del estado para prohibirla. El tribunal de distrito de Stuttgart lo clasificó como pornográfico y elogio de la violencia. Sin embargo, unos días después, ese fallo fue revocado y se permitió que la película se distribuyera en todo el país.  En 1994, un policía encubierto en Cincinnati, Ohio, alquiló la película en una librería gay local y luego arrestó a los propietarios por " proxenetismo ". Un gran grupo de artistas, incluidos Martin Scorsese y Alec Baldwin, y académicos firmaron un informe legal argumentando el mérito artístico de la película; el tribunal estatal de Ohio desestimó el caso porque la policía violó los derechos de la Cuarta Enmienda de los propietarios, sin llegar a la pregunta de si la película era obscena.

Fue prohibido en Australia en 1976 por razones de indecencia.  Después de una prohibición de 17 años, la Junta de Clasificación de Australia aprobó la película con un solo para mayores de 18 años sin cortes para su estreno en julio de 1993. Sin embargo, la Junta de Revisión de Clasificación de Australia anuló esta decisión, en febrero de 1998 y prohibió la película por completo, por "crueldad ofensiva con alto impacto, violencia sexual y representaciones de fetiches ofensivos y repugnantes". La película fue sacada de todos los cines australianos. Salò fue reenviado para su clasificación en Australia en 2008, solo para ser rechazado una vez más.  La salida a la venta en DVD con una versión modificada, lo que causó indignación en los medios de comunicación por la censura y la libertad de expresión. En 2010, la película fue presentada nuevamente y aprobada con una calificación R18 +. Según el comunicado de prensa de la Junta de Clasificación de Australia, el DVD fue aprobado debido a "la inclusión de 176 minutos de material adicional que proporcionó un contexto para el largometraje". El comunicado de prensa también declaró que "La Junta de Clasificación desea enfatizar que esta película está clasificada R18 + debido al hecho de que contiene material adicional. Proyectar esta película en un cine sin el material adicional constituiría una violación de las leyes de clasificación". La opinión mayoritaria de la junta indicó que la inclusión de material adicional en el DVD "facilita una consideración más amplia del contexto de la película que resulta en un impacto que no es más que alto".  En Nueva Zelanda, la película se prohibió originalmente en 1976. La prohibición se confirmó en 1993. En 1997, se otorgó un permiso especial para que la película se proyecte sin cortes en un festival de cine. En 2001, el DVD finalmente se aprobó sin cortes con una calificación 'R18'. 

La confluencia del contenido temático en la película, que va desde lo político y sociohistórico hasta lo psicológico y sexual, ha llevado a una discusión crítica de la película. Ha sido alabado y criticado por varios historiadores y críticos de pero Salò se ha ganado una reputación entre algunos estudiosos del cine de ser la "película más enferma de todos los tiempos" y algunos lo citan como uno de los primeros progenitores del subgénero pornográfico de tortura pero también se señala que la sección transversal entre el contenido temático de la película y las imágenes gráficas ha resultado en que se considere tanto una película de terror como una película de Arte. En 2006, la Asociación de Críticos de Cine de Chicago la nombró la 65a película más aterradora jamás realizada y en 2010, el Festival Internacional de Cine de Toronto la colocó en el número 47 en su lista de "Las 100 películas esenciales". En el 72 ° Festival Internacional de Cine de Venecia, el largometraje restaurado por la Cineteca di Bologna y el Centro Sperimentale di Cinematografia , en colaboración con Alberto Grimaldi , recibió el premio a la mejor película restaurada. En 2008, el director de ópera británico David McVicar y el director de orquesta suizo Philippe Jordan han producido una actuación de la ópera Salome de Richard Strauss de 1905 basada en la película, ambientada en un palacio depravado en la Alemania nazi, para la Royal Opera House de Londres. El cineasta italiano Giuseppe Bertolucci lanzó un documental en 2006, Pasolini prossimo nostro , basado en una entrevista con Pasolini realizada en el set de Salò en 1975. El documental también incluía fotografías tomadas en el set de la película.