Annie Hall

Es una comedia romántica estadounidense de 1977 dirigida y protagonizada por Woody Allen a partir de un guion que coescribió con Marshall Brickman a protagonista femenina está interpretada por Diane Keaton en un papel escrito específicamente para ella. Truman Capote tiene un cameo. Alvy está haciendo bromas sobre las personas que pasan caminando. Él dice "Ahí está el ganador del concurso de dobles de Truman Capote" mientras pasa Truman Capote. Varios actores que más tarde se hicieron famosos tuvieron pequeños papeles en la película: John Glover como el actor de Annie, Jerry; Jeff Goldblum como un hombre que "olvidó su mantra " en la fiesta de Navidad de Tony Lacey; y Sigourney Weaver, en su debut cinematográfico, en la secuencia de cierre como la cita de Alvy en el cine.

Alvy Singer, un cuarentón bastante neurótico, trabaja como humorista en clubs nocturnos. Tras romper con Annie, reflexiona sobre su vida, rememorando sus amores, sus matrimonios, pero sobre todo su relación con Annie. Al final, llega a la conclusión de que son sus manías y obsesiones las que siempre acaban arruinando su relación con las mujeres.  

Varias referencias en la película son de la propia vida de Allen y han provocado especulaciones de que es autobiográfica. Tanto Alvy como Allen eran cómicos. Su cumpleaños aparece en la pizarra en una escena escolar; ciertas características de su infancia se encuentran en Alvy Singer's;  Allen fue a la Universidad de Nueva York y Alvy también. El verdadero apellido de Diane Keaton es "Hall" y "Annie" era su apodo, y ella y Allen  mantuvieron una relación   sentimentalmente.  Sin embargo, Allen se apresura a disipar estas sugerencias. "Lo que la gente insiste es autobiográfico es casi siempre invariable", dijo Allen. "Es tan exagerado que prácticamente no tiene sentido para las personas en las que se basan estos pequeños matices. La gente se les ocurrió que Annie Hall era autobiográfica, y no podía convencerlos de que no lo era".  Al contrario de varios entrevistadores y comentaristas, dice, Alvy no es el personaje más cercano a mi. A pesar de esto, Keaton ha declarado que la relación entre Alvy y Annie se basó en parte en su relación con el director y ella considera su  personaje como una "versión afable" de sí misma, ambas  soñaban con ser cantante y sufrían de inseguridad, y se sorprendió al ganar un Oscar por su actuación.

La relación de Alvy y Annie es un estereotipo de las diferencias de género en la sexualidad. La naturaleza del amor es un tema recurrente para Allen y el coprotagonista Tony Roberts describió esta película como "la historia de todos los que se enamoran, y luego se desenamora y continúa".  Alvy busca el propósito del amor a través de su esfuerzo por superar su depresión sobre la desaparición de su relación con Annie. A veces revisa sus recuerdos de la relación, en otro momento detiene a las personas, y una mujer dice que "Nunca es algo que haces. Así es la gente. El amor se desvanece", una sugerencia de que no fue culpa de nadie, simplemente se separaron y el final fue inevitable. Al final de la película, Alvy acepta esto y decide que el amor es en última instancia "irracional, loco y absurdo", pero una necesidad de la vida.

El protagonista  se identifica con el estereotípo neurótico judío masculino, y las diferencias entre Alvy y Annie a menudo están relacionadas con las percepciones y realidades de la identidad judía. Annie Hall se enmarca en las experiencias de Alvy. "En general, lo que sabemos sobre Annie y sobre la relación se filtra a través de Alvy, un narrador  capaz de detener la narrativa y salir de ella para suplicar el favor de la audiencia".  Sugiere que debido a que las películas de Allen difuminan al protagonista con "protagonistas pasados ​​y futuros, así como con el propio director", "hace una diferencia en cuanto a si somos más receptivos al marco de eventos del director o del personaje". Alvy Singer se convirtió en sinónimo de la percepción pública de Woody Allen en los Estados Unidos.  Annie Hall es vista como la película definitiva de Woody Allen que muestra humor neurótico.

Annie Hall "es tanto una canción de amor para la ciudad de Nueva York como lo es para el personaje”, que refleja la adoración de Allen por la isla de Manhattan . Fue una relación que exploró repetidamente, particularmente en películas como Manhattan (1979) y Hannah y sus hermanas (1986).  El apartamento de Annie Hall, que todavía existe en East 70th Street, entre Lexington Avenue y Park Avenue, es, según la propia confesión de Allen, su manzana favorita en la ciudad. La película muestra "una visión romántica" de Nueva York. Por el contrario, California se presenta de manera menos positiva y se observa la obvia comparación intelectual entre la ciudad de Nueva York y Los Ángeles.  Mientras que las salas de cine de Manhattan muestran películas clásicas y extranjeras, las salas de cine de Los Ángeles ofrecen películas menos prestigiosas. Nueva York sirve como símbolo de la personalidad de Alvy ("sombrío, claustrofóbico y socialmente frío, pero también un refugio intelectual lleno de energía "), mientras que Los Ángeles es un símbolo de libertad para Annie.

Annie Hall ha sido citada como una película que usa terapia y análisis para obtener un efecto cómico, es una historia sobre la memoria y la retrospección, que "dramatiza un retorno a través del deseo narrativo de lo reprimido y lo inconsciente de manera similar al psicoanálisis. La película constituye una afirmación consciente de cómo el deseo narrativo y el humor interactúan para reformar las ideas y percepciones y que el despliegue de Allen de conceptos y humor freudianos forma un "patrón de escepticismo hacia el significado superficial que impulsa aún más interpretación".  La prueba de la omnipresencia de Sigmund Freud en la película se demuestra al principio a través de una referencia a una broma en Chistes y su relación con el inconsciente , y hace otra broma sobre un psiquiatra y un paciente, que que también simboliza La dinámica entre el humor y el inconsciente en la película. Otros conceptos freudianos se abordan más tarde en la película con el recuerdo de Annie de un sueño para su psicoanalista en el que Frank Sinatra la está asfixiando con una almohada, lo que alude a la creencia de Freud en los sueños como "representaciones visuales de palabras o ideas".  La película es un "examen no resuelto del proceso de interacción humana y comunicación interpersonal"  y "establece inmediatamente una postura autorreferencial" que invita al espectador "a leer la narrativa como algo más que un desarrollo secuencial hacia una verdad trascendente ".  Alvy "es víctima de una tendencia a la sobredeterminación del significado - o en términos modernistas 'la tiranía del significado' - y su participación con Annie puede verse como un intento de establecer una relación espontánea, sin problemas intelectuales , un intento que está condenado al fracaso ".

La idea de lo que se convertiría en Annie Hall se desarrolló mientras Allen caminaba por la ciudad de Nueva York con el coguionista Marshall Brickman . La pareja discutió el proyecto en días alternativos, a veces frustrados y rechazando ideas. Allen escribió un primer borrador de un guion en un período de cuatro días, enviándolo a Brickman para hacer modificaciones. Según Brickman, este borrador se centró en un hombre de unos cuarenta años, alguien cuya vida consistía "en varios hilos". Uno era una relación con una mujer joven, otro era una preocupación por la banalidad de la vida que todos vivimos, y un tercero era una obsesión por probarse a sí mismo para descubrir qué tipo de personaje era.  Allen cumplió cuarenta años en 1975, y Brickman sugiere que la "edad avanzada" y las "preocupaciones por la muerte" habían influido en el enfoque filosófico y personal de Allen para complementar su "lado comercial". Allen tomó la decisión consciente de "sacrificar algunas de las risas por una historia sobre seres humanos".  Reconoció que por primera vez tuvo el coraje de abandonar la seguridad de la comedia amplia y completa y tuvo la voluntad de producir una película con un  significado más profundo que sería una experiencia nutritiva para el público. También fue influenciado por la comedia dramática de Federico Fellini 8½, creada en un punto de inflexión personal similar, y coloreada de manera similar por el psicoanálisis de cada director.

Brickman y Allen se enviaron el guion el uno al otro hasta que estuvieron listos para pedirle a United Artists $ 4 millones.  Muchos elementos de los primeros borradores no sobrevivieron. Originalmente fue un drama centrado en un misterio de asesinato con una trama cómica y romántica. [ Según Allen, el asesinato ocurrió después de una escena que permanece en la película, la secuencia en la que Annie y Alvy se pierden la película de Ingmar Bergman. Aunque decidieron abandonar el complot de asesinato, Allen y Brickman hretomaron la idea de un  misterio de asesinato muchos años después: “Misterioso asesinato en Manhattan” (Manhattan Murder Mystery 1993), también protagonizada por Diane Keaton. [El borrador que Allen presentó al editor de la película, Ralph Rosenblum , concluyó con las palabras, "terminando con un disparo".

 Allen sugirió “Anhedonia” , un término para la incapacidad de experimentar placer, como un título provisional, United Artists luchó contra el titula  entre otras cosas, no pudieron presentar una campaña publicitaria que explicara el significado de la palabra y Brickman sugirió alternativas que incluían It Had to Be Jew , Rollercoaster Named Desire y Me and My Goy .  Una agencia de publicidad, contratada por United Artists, encontro la elección de Allen oscura, y este siguió experimentó con varios títulos, incluyendo Anxiety y Annie y Alvy , antes de establecerse en Annie Hall .

Federico Fellini fue la primera opción de Allen para aparecer en la escena del hall del cine porque sus películas estaban en discusión, pero Allen eligió al académico cultural Marshall McLuhan después de que Fellini y Luis Buñuel rechazaran el cameo.  Algunos miembros del reparto, afirma el biógrafo John Baxter, estaban molestos por el trato que Allen les había dado. El director "actuó con frialdad" hacia McLuhan, y Mordecai Lawner , quien interpretó al padre de Alvy, afirmó que Allen nunca le habló.  Sin embargo, durante la producción, Allen comenzó una relación de dos años con Stacey Nelkin , quien aparece en una sola escena.

La fotografía principal comenzó el 19 de mayo de 1976 en South Fork de Long Island con la escena en la que Alvy y Annie hierven langostas vivas; La filmación continuó periódicamente durante los siguientes diez meses y se desvió con frecuencia del guion. No había nada escrito sobre la casa de la infancia de Alvy que yacía debajo de una montaña rusa, pero cuando Allen estaba explorando lugares en Brooklyn con Willis y el director de arte Mel Bourne, "vio esta montaña rusa y ... vio la casa debajo de ella. Y yo pensamos, tenemos que usarla " (en realidad la casa era el Hotel Kensington. El hotel y la montaña rusa fueron demolidos en 2000).

Del mismo modo, está el incidente en el que Alvy dispersa un motón de cocaína con un estornudo accidental: aunque no está en el guion, el chiste surgió de un ensayo y permaneció en la película. En las pruebas de audiencia, la risa fue tan sostenida que hubo que agregar una pausa mucho más larga para que no se perdiera el siguiente diálogo.

El primer montaje de la película del editor Ralph Rosenblum en 1976 dejó a Brickman decepcionado. "Sentí que la película se estaba ejecutando en nueve direcciones diferentes", recordó Brickman.  "Era como un primer borrador de una novela ... a partir del cual se podían hacer dos o tres películas ".  Rosenblum caracterizó el primer corte, a las dos horas y veinte minutos, como "las aventuras surrealistas y abstractas de un comediante judío neurótico que estaba reviviendo su vida altamente defectuosa y en el proceso satirizando gran parte de nuestra cultura ... un monólogo visual, una versión más sofisticada y más filosófica de “Coje el dinero y corre” (Take the Money and Run). [29] Brickman no la encontró " dramática y, en última instancia, poco interesante, una especie de ejercicio cerebral" y sugirió una narrativa más lineal. La relación en tiempo presente entre Alvy y Annie no fue el foco narrativo de este primer corte, pero Allen y Rosenblum lo reconocieron como la columna vertebral dramática, y comenzaron a reelaborar la película "en la dirección de esa relación".  Rosenblum recordó que Allen "no dudó en recortar gran parte de los primeros veinte minutos para establecer Keaton más rápidamente".  Según Allen, "No me senté con Marshall Brickman y dije: 'Vamos a escribir una película sobre una relación'. Quiero decir que todo el concepto cambió a medida que lo cortábamos ".

La secuencia del título presenta un fondo negro con texto blanco en el tipo de letra Windsor Light Condensed, un diseño que Allen usaría en sus películas posteriores. Se escucha muy poca música de fondo en la película influenciado por Ingmar Bergman. Diane Keaton canta  dos veces en el club de jazz: "It Had to be You" y "Seems Like Old Times" (este última se repite en voz en off en la escena final). Las otras excepciones incluyen un coro de niños "Christmas Medley" interpretado mientras los personajes conducen a través de Los Ángeles, el Molto allegro de la Sinfonía Júpiter de Mozart (escuchado mientras Annie y Alvy conducen por el campo), la interpretación de Tommy Dorsey de "Sleepy Lagoon ", y la versión anodina de la canción de Savoy Brown " A Hard Way to Go "que se suena en una fiesta en la mansión del personaje de Paul Simon.

Woody Allen y Diane Keaton tuvieron problemas para mantener una cara seria cuando trabajaban juntos. Un ejemplo de la risa incontrolable entre los dos fue la escena de la cena de langosta. Fue la primera escena filmada para la película y ni Woody ni Diane tuvieron que actuar mucho para la escena, porque su risa fue completamente espontánea.

Técnicamente, la película marcó un avance para el director. Seleccionó a Gordon Willis como su director de fotografía, para Allen "un maestro muy importante" y un "mago técnico", y dijo: "Realmente considero a Annie Hall como el primer paso hacia la madurez de alguna manera como director ".  En ese momento, fue considerado un "emparejamiento extraño" por muchos, Keaton entre ellos. El director era conocido por sus comedias y farsas, mientras que Willis era conocido como "el príncipe de las tinieblas" por su trabajo en películas dramáticas como El Padrino.  A pesar de esto, los dos se hicieron amigos durante el rodaje y continuaron la colaboración en varias películas posteriores, incluida Zelig , que le valió a Willis su primera nominación al Premio de la Academia a la Mejor Fotografía .  Willis describió la producción de la película como "relativamente fácil". Rodo en diferentes estilos; "Luz dorada y cálida para California, gris nublado para Manhattan y una década de Hollywood brillante para la secuencia de sueños", la mayoría de las cuales fueron cortadas. Fue su sugerencia lo que llevó a Allen a filmar las escenas de terapia conjunta en una habitación dividida por una pared en lugar del método habitual de pantalla dividida.  Intentó tomas largas algunas sin interrupción, que duraron toda una escena, lo que, para Ebert, se suma al poder dramático de la película: "Pocos espectadores probablemente noten cuánto de Annie Hall consiste en personas hablando, simplemente hablando Caminan y hablan, se sientan y hablan, van a los psiquiatras, van a almorzar, hacen el amor y hablan, hablan con la cámara o se lanzan a monólogos inspirados como la libre asociación de Annie mientras describe a su familia a Alvy. Este discurso de Diane Keaton es tan perfecto como puede ser un discurso ... todo en una sola toma brillante ". Cita un estudio que calculó que la duración promedio de una escena de Annie Hall fue de 14.5 segundos, mientras que otras películas realizadas en 1977 tuvieron una duración promedio de  de 4-7 segundos. 

Aunque la película no es esencialmente experimental, en varios puntos socava la realidad narrativa. Se observa la forma en que Allen abre la película mirando a la cámara, lo que interfiere inmediatamente con la participación del público en la película.  En una escena, el personaje de Allen, en la fila para ver una película con Annie, escucha a un hombre detrás de él entregar pontificaciones mal informadas sobre la importancia del trabajo de Fellini y Marshall McLuhan. Allen llama a McLuhan para corregir los errores del hombre personalmente.  Más adelante en la película, cuando vemos a Annie y Alvy en su primera charla extendida, los "subtítulos mentales" transmiten al público las dudas internas nerviosas de los personajes. ] Una escena animada, con obras de arte basadas en la tira cómica Inside Woody Allen, representa a Alvy y Annie con el disfraz de la Reina Malvada de Blancanieves .  Aunque Allen usa cada una de estas técnicas solo una vez, la " cuarta pared " se rompe varias veces cuando los personajes se dirigen directamente a la cámara. En uno, Alvy detiene a varios transeúntes para hacer preguntas sobre el amor, y en otro, se encoge de hombros escribiendo un final feliz para su relación con Annie en su primera obra autobiográfica como "cumplimiento de deseos" perdonable. Allen decidió que Alvy rompiera la cuarta pared, explicó, "porque sentí que muchas de las personas en la audiencia tenían los mismos sentimientos y los mismos problemas. Quería hablar con ellos directamente y confrontarlos".

Aunque la película recibió elogios de la crítica y varios premios, el propio Allen se sintió decepcionado y dijo en una entrevista: "Cuando Annie Hall comenzó, se suponía que esa película no era lo que terminé. Se suponía que la película era lo que sucede en la mente de un hombre ... Nadie entendió nada de lo que sucedió. La relación entre yo y Diane Keaton era lo único que le importaba a alguien. Eso no era lo que me importaba ... Al final, tuve que reducir la película a solo Diane Keaton y yo, y esa relación, así que me decepcionó mucho y Allen se ha negado repetidamente a hacer una secuela, y en una entrevista de 1992 declaró que “Cuando hacen una secuela, es solo una sed de más dinero, así que no me gusta mucho esa idea ".  Diane Keaton ha declarado que Annie Hall era su papel favorito y que la película significaba todo para ella.  Cuando se le preguntó si estar tan asociada con el papel le perjudico como actriz, ella respondió: "Annie Hall no me persigue. Estoy feliz de ser Annie Hall. Si alguien quiere verme de esa manera, es genial para mí". La diseñadora de vestuario Ruth Morley , en colaboración con Keaton, creó un look que influyó en el mundo de la moda a finales de los años 70, con mujeres que adoptaron el estilo: capas de gran tamaño, blazers masculinos sobre chalecos, pantalones ondulados o faldas largas, corbata, y botas, este look a menudo se denominaba " apariencia de Annie Hall ". Algunas fuentes sugieren que la propia Keaton fue la principal responsable del aspecto, y Ralph Lauren a menudo ha reclamado crédito, pero solo se le compró una chaqueta y una corbata para usar en la película.  Allen recordó que el estilo de vestir de Lauren y Keaton casi no terminó en la película. "Ella entró", recordó en 1992, "vestida de Annie Hall y le dijo: 'Dile que no use eso. Ella no puede usar eso. Es una locura" y me contestó: "Déjala. Es un genio. Déjenla sola, déjela usar lo que quiera".

Annie Hall se proyectó en el Festival de Cine de Los Ángeles en marzo de 1977, antes de su estreno oficial el 20 de abril de 1977. La película fue muy elogiada y, además de ganar los Oscar a Mejor Película (con 93 minutos, es el segunda película más corta en ganar el Oscar a la Mejor Película. La película más corta es Marty (1955) a locon solo  91 minutos), Mejor director, Mejor guion original y Mejor actriz. La película también ganó cuatro premios BAFTA y un Globo de Oro, este último otorgado a Keaton.  Ocupa el puesto 31 en la lista de las mejores películas del cine estadounidense de AFI, el cuarto en su lista de las mejores películas de comedia y el 28 en las "100 películas más divertidas" de Bravo. El guion de la película también fue nombrado el más divertido jamás escrito por el Writers Guild of America en su lista de los "101 guiones más divertidos". En 1992, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos seleccionó la película para preservarla en su Registro Nacional de Películas que incluye películas "cultural, histórica o estéticamente significativas".

Vivir para gozar (Holiday)

Es una comedia romántica estadounidense de 1938 dirigida por George Cukor , con un guion de Donald Ogden Stewart y Sidney Buchman se basa en  la obra de teatro de 1928 escrita por  Philip Barry que ya había sido llevada al cine en 1930 dirigida por Edward H. Griffith. Está protagonizada por Katharine Hepburn y Cary Grant (Esta es la tercera de cuatro películas protagonizadas por Grant y Hepburn, las otras son “La gran aventura de Silvia” (Sylvia Scarlett 1935), “La fiera de mi niña” (Bringing Up Baby 1938) e “Historias de Filadelfia” ( The Philadelphia Story 1940)). También aparece Edward Everett Horton que repitió su papel como profesor Nick Potter de la versión de 1930. Hepburn había sido suplente en la producción original de la obra en Broadway, pero solo interpretó el papel en una actuación.  El guionista Donald Ogden Stewart también había aparecido en la versión teatral original como Nick Potter.

Cary Grant, George Cukor y Katharine Hepburn 

Johnny Case  un hombre poco convencional, se enamora de Julia Seton una chica de buena familia; así que debe adaptarse a la alta sociedad neoyorquina. Además, su novia quiere que trabaje en el banco de su padre, actividad incompatible con su carácter. Sólo Linda  la vivaz hermana de Julia, es capaz de comprender que Case desee vivir una vida diferente.

En 1936, Columbia Pictures compró un grupo de guiones, incluido el guion de está película a la RKO por $ 80,000. Aunque la película originalmente tenía la intención de reunir a  Cary Grant e Irene Dunne , George Cukor decidió elegir a Hepburn y Columbia se la pidió a RKO, donde acababa de rechazar un papel. El personaje de Linda Seton, interpretado por Hepburn, se basaba libremente en la socialité Gertrude Sanford Legendre (fue una socialité estadounidense que sirvió en la Oficina de Servicios Estratégicos, la agencia de espionaje estadounidense, durante la Segunda Guerra Mundial. También fue una destacada exploradora, cazadora, ambientalista y propietaria). Joan Bennett y Ginger Rogers también fueron consideradas inicialmente para interpretar el papel de Hepburn y Rita Hayworth hizo una prueba para el papel de Julia dado su cabello oscuro y su ligero parecido con Hepburn. Sin embargo, fue considerada demasiado inexperta y Doris Nolan logró el papel.   Se barajaron diversos títulos para la película como “No convencional Linda" y "Vacation Bound".

En la obra original, los dos protagonistas eran ricos. Debido a la depresión, la trama se alteró para que Johnny representara al "hombre común", y tuviera amigos más sensatos. Se barajó la idea de “abrir" la película utilizando una escena exterior y se llegó a grabar una escena que se desarrollaba en una montaña nevada en Lake Placid, Nueva York, aunque en realidad se filmó en Bishop, California, pero cuando el director George Cukor vio la escena, no le gustó y decidió cortarla. Algunas fotografías fijas se distribuyeron en los cines, son los únicos restos conocidos de esta escena. 

La canción que Ned comienza a tocar antes de su propia composición, es "Bei Mir Bistu Shein", una canción en yiddish que originalmente fue escrita para un musical. Más tarde, una versión en inglés fue un éxito mundial grabada por las Andrews Sisters en noviembre de 1937.

Aunque la película no fue un éxito financiero, fue bien recibida por la crítica. Hay muchas especulaciones sobre las razones de su fracaso de publico, pero probablemente se redujo a la falta de atractivo de taquilla de Hepburn: sus películas eran populares en las zonas urbanas, pero generalmente se hundían en la América rural, y el hecho de que el público durante la Gran Depresión no estaba para nada interesado en los problemas de los ricos ociosos. La decisión de Johnny de dejar de trabajar para poder tomarse unas vacaciones en Europa fue un sueño lejano para muchos estadounidenses que luchaban para poder pagar el precio de 25 centavos de una entrada de cine. Hepburn, en ese momento, se había ganado una reputación como “Veneno para la taquilla” y esta película llegó a representar el punto más bajo de su temprana carrera en Hollywood. . Molesto por la publicidad negativa que recibió Katharine Hepburn, el jefe del estudio RKO Harry Cohn propuso sacar un anuncio en Variety preguntando "¿Qué le pasa a Katharine Hepburn?" Hepburn quiso persuadirlo que no lo hiciera diciendole "¡Cuidado! ¡Pueden decírtelo!" al poco tiempo Hepburn fue despedida de la RKO Pictures. La película fue nominada al Oscar a la Mejor Dirección de Arte y en la actualidad está considerada como "una de las mejores películas de Cukor”, fue restaurada y preservada por el Archivo de Cine y Televisión de la UCLA en 1991 utilizando impresiones y otro material de Columbia Pictures.