domingo, 23 de julio de 2017

Luces de Bohemia



Es una obra de teatro  escrita por Ramón María  del Valle-Inclán considerada su obra maestra y  con la que  inaugura un nuevo género teatral, el «esperpento» (tragedia grotesca). La obra centrada en los problemas del mundo literario y artístico en España bajo la Restauración . A través de la pobreza, la mala fortuna y la muerte, Valle-Inclán describe cómo la sociedad descuida lo creativo. Fue inicialmente serializado y publicado en una revista, como muchas de las obras de Valle-Inclán en 1920. Una segunda versión fue publicada en 1924, con tres escenas adicionales que se añadieron a la declaración política de la obra. Debido a la censura del gobierno español  la obra no se represento mientras Valle-Inclán estuvo con vida  y no se estrenaría en España hasta 1970, su estreno internacional tuvo lugar bajo el título de Lumières de bohème, en París en 1963.


La obra es un acto con quince escenas, narra las últimas horas de la vida de Max Estrella, un “hiperbólico andaluz, poeta de odas y madrigales” ya anciano, miserable y ciego que gozó en algún momento de cierto reconocimiento. En su peregrinaje por un Madrid oscuro, turbio, marginal y sórdido le acompaña Don Latino de Hispalis y le dan la réplica algunos otros personajes de la bohemia madrileña de la época. En sus diálogos se vierten de forma magistral críticas a la cultura oficialista y a la situación social y política de una España condenada a no reconocer a sus próceres. Tras múltiples vicisitudes, la obra acaba con la
muerte de Max Estrella y se prolonga con su velatorio. El drama se cierra con un borracho que grita: "¡Cráneo privilegiado!", expresión que se repite a lo largo de la historia y que resume el enfoque esperpéntico de la misma. Singular retrato de la bohemia canalla y genial que proliferó a principios de siglo XX en las grandes ciudades europeas –entre ellas, Madrid–, Valle-Inclán vertió asimismo a su manera, caracterizada por la acidez, el sarcasmo y la presencia de lo grotesco, su visión crítica de la naturaleza humana y de la España de la época, convulsionada aún por las consecuencias de los desastres militares y de la Primera Guerra Mundial.

Existen notables paralelismos entre Max Estrella y su historia, y la del escritor bohemio Alejandro Sawa, amigo del autor. Sawa también murió ciego. También la situación familiar del personaje es similar a la del poeta real, casados ambos con mujeres francesas y con una hija. En publicaciones posteriores sobre el tema, muchos identifican directamente la historia de Luces de bohemia como una crónica ficticia de los últimos días de Alejandro Sawa. El tiempo de la obra transcurre en apenas 23 horas y media. Las doce primeras  abarcan hasta la muerte de Max al amanecerse y el resto se  desarrollan en su velatorio y entierro. Valle-Inclán comete varias contradicciones, en ocasiones nos habla de la caída de las hojas, o de la primavera, aunque quizá fue escrito adrede para resaltar el esperpento.
Alejandro Sawa
Los esperpentos representan al mundo como tragicomedia y los actores como marionetas indefensas a su destino. Se pide al público que considere lo que es auténtico y lo que es espectáculo. Las luces bohemias es a  partes iguales de realismo y expresionismo. Basado en las experiencias del dramaturgo en el Viejo Madrid, la obra  se describe como un esperpento dentro de un esperpento y está escrito en formato episódica. Se describe la acción como "... una odisea moderna y
nocturna sobre la frustración, la muerte y el entierro de un poeta ciego, sigue el sentido clásico de Tragedia de la condición humana. Las luchas de Max destacan el desprecio general por los artistas y la tipología social en España durante ese período de tiempo. Valle-Inclán retrata tanto a los bohemios como a los miembros de la sociedad de la época  desde un punto de vista histórico, sin alabar ni condenar a ninguno de los dos grupos. Valle-Inclán yuxtapone la vida ficticia de Max Estrella y su familia con hechos históricos, como las huelgas violentas de 1917 y los arrestos políticos de 1919. A través de esto, Valle-Inclán hace una declaración política sobre muchos de los temas polémicos, tanto españoles como  internacional de su época: anarquía, revolución, ley de fugas, Lenin, Rusia, la guerra, las huelgas, los sindicatos y la prensa.

Luces de bohemia fue llevada al cine por Miguel Ángel Díez en 1985 con un guion adaptado por Mario Camus. En 1998 se creó La noche de Max Estrella donde se realizan visitas guiadas por las calles donde transcurre la obra , celebrándose anualmente, primeramente el día 23 de abril, y desde 2007, el 26 de marzo, víspera de la jornada del Día Internacional del Teatro, y coincidiendo con la programación de La noche de los Teatros.

 

La Regla del Juego (La règle du jeu)



Es una película francesa de 1939 dirigida por Jean Renoir que también escribió el guion junto a Carl Koch  . Cuenta con un reparto coral compuesto por Nora Gregor , Paulette Dubost , Mila Parély , Marcel Dalio , Julien Carette , Roland Toutain , Gastón Modot , Pierre Magnier y Jean Renoir. El vestuario de la película fue diseñados por Coco Chanel.  Las Reglas del Juego fue la película francesa más cara hasta entonces, con su presupuesto original de 2,5 millones de francos aumentado a más de cinco millones.
Jean Renoir, Marcel Dalio, Nora Gregor, Marcel Meral, y Paulette Dubost,

La historia se desarrolla principalmente en un castillo a finales de los años 1930. Varias personas de la alta burguesía y sus sirvientes se reúnen un fin de semana por diversos motivos. Intrigas galantes, un asesinato, ... Un aviador, enamorado de una mujer de mundo, no respeta la regla del juego que consiste en salvar las apariencias en una sociedad dividida fundamentalmente en dos clases: los señores y los criados.   
La película es recordada como un comentario sobre la insensibilidad moral de la clase alta europea y sus sirvientes justo antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial.  Al hacer la película, Renoir intuía que una nueva guerra mundial se acercaba. Esta sensación de muerte comenzó justo antes de que rodaje en enero, cuando Barcelona fue sometida por  Franco y a lo largo de la producción cuando el primer ministro de Francia Édouard Daladier reconocido las dictaduras de  España e  Italia y  Adolf Hitler prepara su invasión a Polonia.


Renoir quería representar  a las personas como realmente eran en ese momento de la historia; dijo La regla del juego era "un documental reconstruido, un documental sobre la condición de una sociedad en un momento dado."  Se cree que esta representación fue la razón del estreno desastroso de la película como en Las bodas de Figaro , una fuente de inspiración para la película, también habían sido objeto de polémica por su ataque al sistema de clases. La escena de caza del conejo se compara a menudo a la muerte sin sentido que se produce durante la guerra.

Cuando dirigió la película, Renoir y la directora de fotografía Jean Bachelet hicieron uso de cinematografía de enfoque profundo y tomas largas durante las cuales la cámara se mueve constantemente, ambas sofisticadas técnicas cinematográficas en 1939. Jean Bachelet usaron unas lentes especiales, muy rápidas, para que pudieran mantener los  fondos en enfoque casi todo el tiempo.  Esta profundidad de campo permitió Renoir rodar  en habitaciones grandes y largos pasillos en las secuencias del palacio, y los personajes eran capaces de moverse libremente entre el fondo y el primer plano. Aproximadamente la mitad de las tomas  en la película tiene movimientos de cámara. En muchas la cámara se mueve, se detiene en un lugar, cambia de dirección y circula alrededor del sujeto. El crítico de cine David Thomson dijo que "uno tiene la impresión de que la cámara está siempre en movimiento para cubrir tanto como sea posible. Uno no se da cuenta de los  cortes, y  se deleita en una continuidad que esta a menudo al borde del caos.

El sonido en la película fue complejo para esa época ;  incluye el diálogo hablado sobre ruidos ambientales tales como multitudes en el aeropuerto y disparos durante la caza. El director de cine Jean Prat dijo que la banda sonora de la película era "de una perfección nunca igualada por ninguna película francesa". Un ejemplo de la densa banda sonora es la escena de la fiesta, que incluye el diálogo sobre los gritos, disparos y música. A excepción de los créditos de apertura y el final de la película, toda la música que se escucha en la película es incidental.

En 1938 la industria cinematográfica francesa estaba en auge y Renoir estaba en el apogeo de su carrera. Había tenido tres películas de éxito consecutivas y La Grande Illusion había ganado premios de los críticos de cine de Nueva York , la Junta Nacional de revisión y el Festival de Cine de Venecia. El éxito financiero hizo fácil a Renoir asegurar suficiente respaldo financiero para formar su propia compañía de producción.  En 1938 fundó Nouvelle Édition Française (NEF) con su hermano Claude Renoir, junto a 3 tres amigos más, los cinco invirtieron 10.000 francos en la empresa y pretendían producir dos películas por año. La compañía fue modelada después de la  fundación de la United Artists , que fue formado en 1919 como una compañía de la distribución de la película para los artistas independientes Charlie Chaplin , Douglas Fairbanks , DW Griffith y Mary Pickford . Renoir reunió a sus amigos en la industria cinematográfica alrededor de la compañía y consiguió el apoyo financiero de diversos mecenas. Renoir  también quería conseguir un gran teatro donde proyectaran  "las películas que dirigiría desde entonces". Las Reglas del Juego fue la única película producida por la compañía.

En mayo de 1938 Renoir completó el drama histórico La Marseillaise y quiso hacer una comedia.  También estaba preocupado por el acuerdo de Munich y la fuerte posibilidad de otra guerra mundial, y quería filmar un "sueño feliz" para someter su pesimismo.  Escribió una sinopsis para una película llamada Les Millions d'Arlequin , que tenía personajes similares a los de ". Las Reglas del Juego.  Al concebir la película, Renoir se inspiró en el arte clásico francés, como las obras de Pierre de Marivaux , de Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais y especialmente de Les Caprices de Marianne de Alfred de Musset . Renoir inicialmente tenía la intención de adaptar la obra clásica francesa Les Caprices de Marianne ; NEF anunció la película como una adaptación de la misma.  Renoir dijo más tarde que nunca pensó adaptar directamente  sólo volver a leerlo y otros clásicos de la literatura francesa para la inspirarse.

Después de regresar de su conferencia en Londres en enero de 1939 Renoir dejó París para trabajar en un guion. Le dijo a un periodista que su próxima película sería "Una descripción precisa de los burgueses de nuestra época".  Renoir quería permitir a los actores improvisar su diálogo, sólo un tercio de la película estaba guioniza y el resto era un esquema detallado. Renoir dijo más tarde que su "ambición cuando hice la película fue ilustrar esta observación: estamos bailando en un volcán". Renoir llamó a la película un "divertissement" por  el  uso de la música barroca y aspectos de las comedias clásicas francesas. La inspiración inicial de Renoir por Les Caprices de Marianne condujo a los cuatro personajes principales de la película que se correlacionan con los de la obra; Una esposa virtuosa, un marido celoso, un amante desesperado y un amigo intercedente. Tanto en la obra como en la película, el amigo intercesor se llama Octave.  Octave es también el único de los cuatro personajes inspirados en la obra  que comparte rasgos con su contraparte. En ambas obras Octave es un "payaso triste" lleno de dudas y autocompasión. Los nombres de los personajes cambiaban constantemente entre las versiones del guion.

El rodaje de las escenas exteriores comenzó el 15 de febrero de 1939 en Sologne y en  castillo de la Ferté-Saint-Aubin. Más tarde Renoir dijo que eligió a Sologne porque su padre el famoso pintor impresionista  Pierre-August Renoir "lamentaba que nunca hubiera podido pintarlo." ¿Cómo entiendo la sinceridad  e se arrepentimientos ante estos hermosos paisajes de Sologne, de colores asombrosos, De una gracia tan melancólica pero tan suave.  Renoir dijo que la niebla de Sologne "me llevó de vuelta a los días felices de mi infancia." Renoir quería rodar la película en color para aprovechar la belleza de la Sologne en el invierno, pero era incapaz de garantizar la financiación. Una semana antes de empezar el rodaje Renoir trató de persuadir Technicolor para financiar la cinematografía color, pero la empresa se negó. Los Escenógrafos de la película Eugène Lourié y Max Douy construyeron uno de los conjuntos más caros de la historia del cine francés en el Estudio Joinville.  De acuerdo con Douy  se basaron en el guion y no era unas reproducciones del interior del castillo de la Ferté-Saint-Aubin, donde se rodaron las escenas exteriores.
Sologne y  El  castillo de la Ferté-Saint-Aubin.

El 16 de marzo de 1939, Alemania invadió Checoslovaquia , rompiendo el Acuerdo de Munich,  que provocó que  el ejército francés comenzar a movilizar tropas ante una guerra inminente. Poco después, varios de los electricistas y técnicos de la película se unieron al ejército.  El escenógrafo Eugène Lourié se fue porque era judío y comunista, y Max Douy asumió el puesto de diseñador de la película. Durante la filmación, Renoir se decepcionó con la actuación de Nora  Gregor y comenzó a cortar sus escenas  y añadir nuevas escenas para Paulette Dubost y Mila Parély.  El historiador de la película Gerald Mast encontró que la actuación de Gregor era "tan embrujada y fascinante como una jirafa de plástico".  Durante el rodaje , Jean Jay uno de los productores de la pelicuala le dijo a Renoir que odiaba su actuación como Octave, este le ofreció ser sustituido por otro actor pero Jay se negó porque dos tercios de la película ya habían sido filmados. Y le pidió  que eliminara las escenas del personaje  que aún no habían sido rodadas. Renoir no acepto  y durante el rodaje añadió nuevas escenas para Octave.

Renoir había deseado originalmente lanzar la película en junio porque la guerra potencial haría un estreno en  verano imposible y continuó rodando escenas adicionales con algunos de los actores. La escena de apertura en el aeródromo fue rodada a mediados de junio en el aeropuerto de Bourget en medio de la noche con los extras que pudieran encontrar.  Renoir casi se había quedado sin dinero cuando filmó la escena del accidente automovilístico, que fue filmada muy rápidamente con Alain Renoir como operador de cámara. A Renoir nunca le gustó la escena y la quitó inicialmente.  La fotografía principal termino  nueve semanas y media después del calendario establecido cuando finalmente se concluyo en junio.


Renoir editó la película mientras rodaba;  su primer corte fue de tres horas de duración.  Él y el editor completaron un corte final de 113 minutos de la película en julio de 1939. , Jean Jay  lo odiaba y exigía que Renoir hiciera recortes, incluyendo la escisión de toda la actuación de Renoir como Octave. Renoir se negó a omitirlo completamente, pero accedió a retirar 13 minutos de la película quedando en una duracion de 85 minutos. Esta  tuvo una elaborada campaña publicitaria que comenzó una semana antes de su estreno en previsión de que se convirtiera en otra película de éxito para Renoir. Esta campaña incluyó un crucigrama promocional publicado tres días antes de la noche de estreno de la película; El premio para resolver el rompecabezas era entradas  gratis.  Sin embargo, su estreno se encontró con el desprecio y la desaprobación por críticos y audiencia la recepción inicial de la misma fue tan mala que un espectador encendió un periódico y trató de quemar el Cine en el que estaba estrenando. Incluso hubo amenazas a otros cines .  En octubre de 1939, fue prohibida por el gobierno francés durante la guerra por "tener una influencia indeseable sobre los jóvenes. Cuando Alemania asumió el control Francia el año siguiente, fue prohibido por el partido nazi también, que quemó muchas copias.


Durante muchos años, la versión de 85 minutos fue la única disponible, pero a pesar de esto su reputación creció lentamente. Los aviones aliados destruyeron accidentalmente los negativos originales. Se pensó que era una película perdida. En 1956, algunos seguidores del director Jean Renoir encontraron suficientes fragmentos de la película dispersos por toda Francia para reconstituirla con la ayuda de Renoir y una versión reconstruida de la película se estrenó ese año en el Festival de Cine de Venecia, con sólo una escena menor del primer corte de Renoir desaparecida. Desde entonces ha sido a menudo catalogada como una de las mejores películas de la historia del cine . Numerosos críticos de cine y directores lo han elogiado, citándola como una inspiración para su propio trabajo. La encuesta decenal de críticos internacionales de la revista  Sight & Sound la clasificó en el puesto 10º en 1952, la elevó al 3º en 1962, y al 2ª en 1972,  1982  y 1992.  En el año 2002 bajo  al 3º detrás de Ciudadano Kane y Vértigo.  En 2012, cayó al 4º. Es la única película que se ha incluido en cada lista de los diez primeros desde 1952 . Las regla del juego ha influido en numerosas películas que cuentan con un grupo de personajes  que pasan un tiempo juntos en una fiesta o reunión durante el cual sus verdaderos sentimientos son revelado. Destacan  Gosford Park  de  Robert Altman ,Sonrisas de una noche de verano de Ingmar Bergman , La caza de Carlos Saura, Escenas de caza en la baja Baviera de, Peter Fleischmann, entre otras.